📚 Libri di architettura

Eileen Gray. Una biografia illustrata

Testi di Gisella Bassanini e Giovanna Canzi - Illustrazioni di Beppe Giacobbe | Marinonibooks, 2026 | Copertina cartonata in tela €40,00 | Edizione bilingue italiano-inglese

Creatura elegante, fiera e indomabile, distaccata da tutto ciò che è banale e frivolo, Eileen Gray– architetta, designer e artista – è la protagonista della seconda monografia della collana «Fuori dall’ombra» di marinonibooks, dedicata alle pioniere dell’architettura e del design europeo del Novecento. Le curatrici del progetto editoriale, Gisella Bassanini e Giovanna Canzi, dopo Charlotte Perriand, scelgono d’indagare un’altra figura a lungo dimenticata, resa ancora più intensa dalle immagini di Beppe Giacobbe, tra i più significativi illustratori italiani.

Gio Ponti

Di Oscar Duboÿ | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2026 | Brossura con immagini a colori €20,00 | Lingua italiana

Poliedrico e instancabile, in oltre sessant’anni di carriera Gio Ponti (1891-1979) ha ridefinito lo spirito del design italiano, attraversando tutti i settori dell’arte applicata: dall’architettura residenziale agli interni, dalla ceramica al vetro, all’arredamento e oltre. La sua creatività senza confini gli ha permesso di esplorare e reinterpretare i più diversi gusti del XX secolo, dal Novecento al Razionalismo, sempre alla ricerca del bello in ogni sua forma. Come fondatore e direttore della rivista Domus, ha recepito e diffuso idee internazionali e stabilito i canoni della “casa all’italiana” – uno spazio dove tutte le arti si incontrano e convivono in armonia – contribuendo a esportare il Made in Italy. Oggi Ponti è celebrato non solo per capolavori come il grattacielo Pirelli a Milano, villa Planchard a Caracas e l’hotel Parco dei Principi a Sorrento, emblemi della modernità, ma anche per arredi iconici che continuano a essere rieditati e a ispirare nuove generazioni di designer in tutto il mondo.

Donne e progetto. Figure dell’architettura e del design nell’Italia contemporanea

A cura di Caterina Tantillo, Luciano Antonino Scuderi, Simona Gervasio, Marina Lo Re | Qudlibet, 2025 | Brossura olandese con illustrazioni a colori €35,00 | Lingua italiana

Il volume indaga il ruolo delle donne nell’architettura, nel design e nell’urbanistica italiana dall'inizio del '900 a oggi. Attraverso i saggi, selezionati da un comitato scientifico multidisciplinare, emergono oltre cento protagoniste del progetto, attive in Italia e all’estero. Un lavoro corale che restituisce visibilità a percorsi individuali e collettivi rimasti a lungo ai margini della narrazione disciplinare, ma spesso centrali nella costruzione della cultura architettonica contemporanea. L’articolazione del libro in ambiti tematici corrisponde alla pluralità dei ruoli assunti dalle donne nella cultura del progetto: dalle aule universitarie, dove le prime architette hanno intrecciato formazione, insegnamento e pratica professionale, al mondo dell’editoria specialistica e della curatela di mostre, in cui hanno orientato il dibattito e promosso nuove idee; dai percorsi internazionali di chi ha trovato riconoscimento oltre confine, all’impegno sul territorio, nella progettazione urbana, nella cura del paesaggio e nella tutela del patrimonio. Chiude la pubblicazione un’appendice bio-bibliografica che raccoglie dati anagrafici, riferimenti archivistici e una bibliografia ragionata sulle professioniste indagate.

Corpo Urbano: dalla scultura alla città. Scritti polemici (1970-1982)

di Francesco Somaini, a cura di Fulvio Irace | Johan & Levi, 2026 | Brossura con immagini a colori e bn €23,00 | Lingua italiana

Questo volume raccoglie i principali scritti dello scultore Francesco Somaini (1926-2005), che dedicò una delle sue stagioni creative più felici al tema della città. Pioniere dell’arte urbana in Italia e in Europa, Somaini ha portato avanti la sua ricerca superando le tradizioni artistiche precedenti, influenzato soprattutto dall’architettura americana a partire dagli anni sessanta e settanta. Le sue trattazioni teoriche, veri e propri manifesti, criticano apertamente la modernità e il simbolismo asettico dell’International Style, con le sue utopie megastrutturali e la devastazione del territorio antropizzato sotto la spinta dell’industrializzazione. Somaini auspica, non senza una certa urgenza, che la scultura compia finalmente l’atto decisivo e diventi critica sociale, con l’obiettivo di una ri-sacralizzazione degli spazi pubblici.
Affida così le sue idee progettuali a dichiarazioni di poetica, lezioni, convegni, ma anche a disegni di grande forza immaginifica e ai fotomontaggi, medium d’elezione per le sue proposte di intervento plastico urbano. Attraverso un’accurata selezione di testi, appunti e schizzi inediti, Fulvio Irace offre una sintesi e una contestualizzazione del percorso originale del maestro lombardo e del suo contributo al dibattito internazionale sul futuro delle città.

Le Corbusier

Di Guillemette Morel Journel | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2026 | Brossura con immagini a colori €20,00 | Lingua italiana

Le Corbusier (1887-1956), nato Charles-Édouard Jeanneret, ha dedicato la sua vita alla progettazione di edifici divenuti simboli del Movimento moderno. Dalla villa Savoye a Poissy, passando per l’utopia della Cité radieuse di Marsiglia, fino al progetto della città di Chandigarh in India, i suoi lavori lo hanno reso una delle figure più importanti dell’architettura nel XX secolo. Teorico instancabile, quando non poteva realizzare le sue idee, le esprimeva attraverso libri, conferenze e lezioni in tutto il mondo. I “cinque punti dell’architettura moderna” e l’idea della casa come “macchina per abitare” hanno lasciato un segno indelebile nella disciplina. Visionario e a tratti provocatore, deve molte delle sue intuizioni alle ore passate a dipingere e disegnare, lasciandoci una ricca produzione artistica che, ancora oggi, attende il giusto riconoscimento.

La sedia del sadico. Il design sul corpo delle donne

Di Chiara Alessi | Editori Laterza, 2026 | Brossura €16,00 | Lingua italiana

Negli ultimi cento anni abbiamo visto cambiare i sedili delle auto e l’attrezzatura sportiva, gli uffici e le cucine trasformarsi, le tecnologie evolversi per risolvere bisogni o migliorare l’esperienza d’uso. Possiamo dire lo stesso per ciò che è stato pensato, progettato, prodotto intorno ai corpi delle donne?

Carlo De Carli. Corollario

A cura di Marta Averna e Lola Ottolini | Araba Fenice, 2025 | Brossura con illustrazioni €32,00 | Lingua italiana

Carlo De Carli Corollario affianca l’omonima mostra tenutasi al Politecnico di Milano nel 2025, con l’intento di far riscoprire a un ampio pubblico il pensiero e i progetti di Carlo De Carli, figura integrale di progettista e teorico, maestro dell’architettura e del design italiano del secondo Novecento. Attraverso contributi critici e materiali inediti, il volume ricompone la sua riflessione progettuale in una serie di “corollari” tematici che ne mettono in luce la straordinaria attualità: dall’idea fondativa di Spazio Primario, dove solo il gesto umano di relazione dà senso a oggetti e ambienti, agli scritti, dal disegno del mobile all’architettura, dall’insegnamento alla pittura, in un profondo intreccio che restituisce la coerenza e la contemporaneità della sua opera.

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Fotosensibile di Monica Poggi

La newsletter che ogni lunedì mattina ti racconta la storia della fotografia, l’invenzione che ha cambiato per sempre il modo di guardare e raccontare il mondo.

✦ Ho scoperto Fotosensibile incappando in questo articolo, che vi consiglio assolutamente di leggere!

nulla di preciso di Luigi Prestinenza Puglisi e Francesca Olivieri

Una newsletter di architettura, critica e comunicazione.

✦ Dopo la storica presS/Tletter, l’approdo del grande Prestinenza su Substack non può che far piacere a chi (vedi la sottoscritta) ne ha seguito per anni le riflessioni.

Spiccioli per il filobus di Eugenio Cigorin

Insolite bazzecole.

✦ Saranno anche insolite bazzecole, ma irresistibili da leggere.

Quello che volete di Assia Neumann Dayan

Un box domande con le risposte più lunghe.

✦ Da Le belle cosine, pezzo uscito su Linkiesta nel 2022, l’ho amata e non ho più smesso di leggerla. Una penna formidabile!

📰 Ultimi articoli online

La casa-albero del Vietnam dove si può soggiornare: come è fatta la Crazy House Hằng Nga di Da Lat su Geopop.it

Progettata dall’architetta Đặng Việt Nga e situata a Da Lat, in Vietnam, la Crazy House Hằng Nga è una guesthouse non convenzionale: una casa-albero abitabile, con stanze a tema e forme organiche ispirate alla natura e all’arte di Gaudí, che la rendono una delle strutture più bizzarre al mondo.

Il ritratto per immagini di Eileen Gray, pioniera dell’architettura moderna su Living.Corriere.it

La vita e le opere della designer irlandese nel nuovo volume illustrato di Marinonibooks, con i disegni di Beppe Giacobbe e i testi di Gisella Bassanini e Giovanna Canzi.

Dentro il palazzo di via Solferino, sede storica del Corriere della Sera, in occasione dei 150 anni su Living.Corriere.it

Il progetto di Luca Beltrami, l'ampliamento di Gregotti, la mitica Sala Albertini: l'edificio nel cuore di Brera accompagna da oltre un secolo la storia del quotidiano e dell’informazione italiana.

Eileen Gray e la casa sul mare: il film arriva nelle sale italiane su Living.Corriere.it

Un viaggio nell’immaginario di una delle designer più influenti del Novecento, a partire dalla sua villa a Roquebrune-Cap-Martin.

Lo strano (e inedito) chalet di Antoni Gaudí tra le montagne catalane su Living.Corriere.it

Uno studio attribuisce al maestro del Modernismo catalano il progetto dello Xalet del Catllaràs, costruito agli inizi del '900 per ospitare i lavoratori delle miniere di carbone della zona.

Le 10 architetture da ricordare del 2025 su Living.Corriere.it

Tra musei e grandi interventi di restauro, una lista di progetti, diversi per contesto e scala, che delineano nuovi modi di costruire, abitare e interpretare lo spazio pubblico.

Zaha Hadid, Vitra Fire Station - Video racconto per la rubrica Grandi Classici di Abitare

@abitare_magazine

Abitare Magazine on Instagram: "Inaugurata nel 1993, la Vitra F…

«Sebbene la carriera di Zaha Hadid fosse già da tempo avviata, soltanto nei primi anni Novanta la sua ‘architettura di carta’ riuscì a sollevarsi dal piano concettuale dei disegni per tradursi in realtà costruita o, più propriamente, decostruita. L’opera d’esordio, destinata appunto a diventare – in barba alle sue modeste dimensioni – manifesto del nascente decostruttivismo, fu la Vitra Fire Station, progettata per il complesso produttivo dell’omonimo brand di arredamento a Weil am Rhein, in Germania. A seguito del devastante incendio che nel 1981 aveva distrutto oltre metà dello stabilimento, Vitra decise di dotarsi di una caserma dei vigili del fuoco interna per prevenire nuovi disastri e, allo stesso tempo, di avviare un ambizioso programma di ricostruzione, commissionando edifici sostitutivi e nuove strutture a progettisti di fama internazionale. Negli anni questo processo avrebbe trasformato il sito in un campus produttivo e culturale: meta di pellegrinaggio per appassionati di architettura e design provenienti da tutto il mondo. Fra le molteplici attrazioni fa la sua parte, offrendo un’esperienza spaziale insolita a chi la visita, anche la piccola caserma, presto dismessa dalla sua funzione d’origine e adibita a ospitare mostre ed eventi del vicino – e altrettanto decostruttivista – Vitra Design Museum di Frank Gehry. L’assenza di colore e di angoli retti, insieme ai setti e ai solai inclinati in calcestruzzo armato a vista che si intersecano e scorrono l’uno sull’altro, modellano un’architettura dalla forma allungata e affilata, organizzata in spazi apparentemente interstiziali ma pienamente funzionali, in grado di accogliere gli automezzi, gli spogliatoi, l’area ristoro e la sala riunioni. Da questa composizione esplosiva deriva una sensazione di moto congelato, come se l’edificio fosse pronto ad azionarsi da un momento all’altro. Una tensione che richiama tanto la prontezza operativa e la tempestività dei vigili del fuoco, quanto la dinamicità dei primi dipinti della stessa Hadid ispirati alle avanguardie russe: opere d’arte degne di essere esposte e che fino ad allora in pochi avrebbero immaginato capaci di informare un’architettura concreta».

Trovate qui gli episodi precedenti

I più letti su Dannati Architetti

🎧 Ultimi episodi del podcast

Niente di nuovo sul fronte occidentale, ma mai dire mai: è solo una questione di tempo, in tutti i sensi. Nel mentre tutte le ads moleste, finite misteriosamente in traccia a seguito del trasferimento hosting su Substack, sono state rimosse. Ci è voluta un’eternità a sovrascrivere manualmente ogni singolo episodio, ma ci tenevo a farlo per consentirvi un ascolto degno di questo nome, libero da imboscate pubblicitarie (ragion per cui, del resto, avevo deciso di cambiare servizio). Sebbene la serie rimanga disponibile su tutte le piattaforme podcast, consiglio vivamente l’utilizzo dell’ottima app Substack. Chissà che questa piattaforma non aiuti anche qualcun altro, oltre alla sottoscritta, a sottrarsi allo scrolling compulsivo sui social…

A presto!

Chiara

📚 Libri di architettura

Mendini + Alchimia. Allestire l’abitare

Di Isabella Giola | LetteraVentidue - Alleli | Research, 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana

Una nuova sfumatura del progetto domestico condotto da Alessandro Mendini, protagonista insieme con Studio Alchimia, gruppo d’avanguardia post-radicale, di una serie di allestimenti che mettono in luce una dimensione emozionale e performativa dell’interno italiano. Basato su ricerche d’archivio e interviste, il volume mostra come queste esperienze, eredi dell’architettura radicale e del postmodernismo, superino i confini del design industriale per diventare spazi poetici, narrativi e critici. Le installazioni realizzate tra gli anni Ottanta e Novanta restituiscono un decennio di sperimentazioni, riflessioni sul linguaggio del progetto e contaminazioni disciplinari, evolvendo da interventi concettuali e provocatori a spazi più consapevoli. Il percorso si chiude con un intervento autonomo del 2016 che rinnova la medesima tensione visionaria, offrendo una riflessione ancora attuale sull’abitare contemporaneo.

Satira dell’architetto. Controstoria di una professione attraverso la caricatura

Di Gabriele Neri | Casagrande - Lezioni di architettura (in coedizione con Mendrisio Academy Press), 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana

Dal Seicento ai nostri giorni caricature, vignette e cartoons pubblicati su giornali, riviste e oggi anche sui canali social, restituiscono un’immagine anticonvenzionale della professione architettonica lontana dai più noti ritratti celebrativi. Come scrive l’autore, «si tratta di un’immagine alterata: la caricatura distorce, estremizza, deforma il suo oggetto di riferimento. Ma proprio dall’esagerazione emergono tratti interessanti: tra attacchi ad personam e cliché estesi all’intera categoria, le innumerevoli varianti della satira grafica ci mostrano l’architetto da prospettive non convenzionali e poco battute dalla storiografia ufficiale». L’originale galleria di illustrazioni pubblicate in questo volume - ritratti umoristici degli architetti più e meno illustri, da Gaudí a Le Corbusier, da Frank Lloyd Wright a Zaha Hadid - dimostra senza dubbio ciò che Neri dichiara fin dal principio: la grande attenzione della satira verso l’architettura attesta l’importanza del ruolo pubblico e sociale di questa straordinaria professione.

Turisti a casa nostra. Tra le macerie invisibili del neoliberismo urbano

Di Antonio Di Siena | LAD Edizioni, 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana

Turisti a casa nostra è un viaggio dentro le macerie invisibili della città contemporanea. Atene è lo specchio, ma nel riflesso si riconoscono Napoli, Siviglia, Palermo, Porto, Salonicco e ogni altra città del Sud Europa. Quartieri popolari che diventano merce; case, piazze e comunità trasformate in prodotti da narrare, fotografare, consumare. Sfratti, affitti brevi, turistificazione: un racconto corale di ciò che resta della città quando viene riconvertita in rendita turistica. E dei suoi abitanti quando smettono di essere cittadini. Tra inchiesta, saggio e narrazione, Turisti a casa nostra intreccia esperienza diretta e analisi politica in un atlante del dopo crisi, una mappa del potere che colonizza lo spazio urbano e i nostri immaginari. Un libro che nasce in Grecia ma parla di tutte le città che abbiamo già perso. E di quelle che, forse, possiamo ancora difendere.

Il nuovo nell’antico. Architettura e paesaggio italiano

Di Paolo Zermani | La nave di Teseo +, 2025 | Brossura €22,00 | E-Book €12,00 | Lingua italiana

In Italia ogni metro quadrato di terra che noi scaviamo custodisce ciò che resta del corpo e degli atti di un uomo vissuto nei secoli precedenti. La terra è dunque sacra. Cosa ci autorizza a dimenticarlo? È a partire da questa considerazione propria alla condizione italiana ed estensibile al contesto occidentale europeo, che deve trovare ragione il lavoro dell’architetto. La deriva estetica ed etica in atto, che non risparmia l’architettura, ha origine da una dissoluta e strumentale interpretazione della modernità, una finta adesione alle tematiche ambientali, una impropria delega agli strumenti tecnologici e un asservimento acritico alle richieste dell’economia di mercato. Queste espressioni non danno vita ad alcuna condizione evolutiva, ma unicamente a pretestuose dichiarazioni di “appartenenza al proprio tempo”. Solo considerando la condizione attuale dell’architettura all’interno della processualità che ne ha determinato la secolare formazione, vicenda in cui l’Italia ha un ruolo centrale, si può confidare di vedere la luce di un nuovo inizio, espresso non in forma di rimpianto, ma di reimpianto.

Pier Luigi Nervi

Di Flavia De Sanctis Mangelli, illustrazioni di Ilaria Mancini | RAUM Italic - PICCOLI MAXXI, 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana | Età di lettura: da 7 anni

Appassionato osservatore del mondo della natura, studente eccellente, inventore e progettista, poi pioniere nell’uso del cemento armato in Italia, Pier Luigi Nervi resta una delle figure più note del mondo dell’architettura. Il libro ripercorre la sua storia raccontando le opere più celebri: stadi, cattedrali, grattacieli, edifici industriali e palazzine private, un universo di progetti, tutti incredibili, per ispirare bambine e bambini curiosi. Un glossario illustrato alla fine del libro aiuta a comprendere le parole più tecniche usate nel testo, mentre un’attività ispirata al Palazzetto del Sport di Roma invita piccoli lettori e piccole lettrici a ricreare con il proprio corpo le sfide più affascinanti della progettazione.

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Linguetta di Andrea M. Alesci

Una lattina di parole da stappare

Bestiale di Leonardo Mazzeo

La newsletter pucciosa sugli animali.

Mappe di Andrea Codega

Una newsletter che parla di storie, culture e persone. Un Paese alla volta.

📰 Ultimi articoli online

Perché ci perdiamo nei centri commerciali e compriamo di più: la psicologia dell’effetto Gruen su Geopop.it

Catene globali, psicologia del consumo ed esigenze progettuali hanno creato uno dei luoghi pubblici più riconoscibili del mondo contemporaneo: il centro commerciale. Ecco perché, ovunque andiamo, sembra sempre di entrare nello stesso posto.

Bauhaus, una rivoluzione moderna che continua a ispirare i progettisti di oggi su Living.Corriere.it

Storia, maestri e opere della scuola fondata da Walter Gropius che ha aperto la strada al design industriale e ha segnato il Novecento.

Dall’arte alla moda: i libri illustrati da mettere sotto l’albero su Living.Corriere.it

Per un Natale all’insegna della meraviglia, una selezione di volumi da donare a chi ama scoprire nuovi universi creativi.

Antoni Gaudí: storia dell’architetto che trasformò Barcellona su Living.Corriere.it

Vita e opere del massimo esponente del Modernismo catalano, dagli esordi in una Barcellona in piena trasformazione, alla stagione d’oro delle dimore borghesi, sino alla Sagrada Família, il capolavoro di una vita.

Quali colori avevano le case di Milano disegnate dai maestri? su Living.Corriere.it

Cinquantacinque sfumature di interni. Un nuovo libro analizza le palette cromatiche scelte da Gio Ponti, Gae Aulenti, Ettore Sottsass e gli altri progettisti del Novecento.

Le 10 architetture da ricordare del 2025 su Living.Corriere.it

Tra musei e grandi interventi di restauro, una lista di progetti, diversi per contesto e scala, che delineano nuovi modi di costruire, abitare e interpretare lo spazio pubblico.

Rubrica “Grandi Classici” di Abitare

Ogni mese un breve video, scritto e narrato da me, per i canali social della rivista Abitare - in collaborazione con Living Corriere - dedicato alle opere più significative della storia dell’architettura. Ecco tutte le uscite.

1. Frank Gehry, Guggenheim Bilbao (questo è il più bello 😭)

2. Renzo Piano, Richard Rogers, Gianfranco Franchini: Centre Pompidou

3. Mies van der Rohe: Padiglione di Barcellona

4. Jørn Utzon: Syndey Opera House

5. Oscar Niemeyer: Brasilia

6. Le Corbusier: Villa Savoje a Poissy

7. Eero Saarinen: TWA Flight Center

8. Frank Lloyd Wright: Guggenheim Museum New York

9. Kisho Kurokawa: Nakagin Capsule Tower

10. Louis Kahn: Salk Institute a La Jolla

11. Alvar Aalto: Biblioteca civica di Viipuri

Perché in Europa non si costruiscono grattacieli? Video scritto per Quota Zero

Perché in Europa si costruiscono pochi grattacieli? Mentre città come New York, Dubai o Shanghai puntano sempre più in alto, l’Europa resta sorprendentemente orizzontale. In questo video scopriamo le origini del grattacielo e capiamo perché le città europee non sono cresciute in verticale come invece è accaduto in molte metropoli americane e asiatiche. Dal grande incendio di Chicago del 1871, da cui risorge una città nuova, alla ricostruzione europea del dopoguerra, passando per la “brusselization” e arriviamo ad analizzare le città europee che oggi si proiettano verso l’alto. In particolare Londra, Parigi, Francoforte, Mosca e Istanbul, in cui i grattacieli convivono con secoli di storia senza cancellarla.

I più letti su Dannati Architetti

🎧 Ultimi episodi del podcast

Da più di qualche mese a questa parte, tra lavoro e incombenze familiari, faccio molta fatica a gestire il podcast e, a dirla tutta, anche questa newsletter. Avrei puntate già registrate da editare, articoli da scrivere, tante idee… ma il tempo a disposizione semplicemente manca. C’è però una novità: dopo anni ho deciso di cambiare l’hosting del podcast e di trasferirlo proprio qui, su Substack. Un’operazione delicata (if you know, you know), pensata per semplificarne la gestione futura e per riunire tutto l’universo di Dannati Architetti sotto il dominio dannatiarchitetti.com, ovvero la sua nuova casa, su questa piattaforma. Per voi, di fatto, non cambierà nulla: se siete abituati all’ascolto da un determinato player (come Spotify), potrete continuare a usarlo. La differenza è che, qui su Substack, ogni episodio sarà a tutti gli effetti un post, corredato da player audio/video, sottotitoli, immagini e approfondimenti testuali ‘all in one’. In attesa di nuove uscite - che spero possano arrivare nel 2026 - e ricordandovi che la suddetta newsletter è gratuita e fruibile anche via app, trovate tutte le puntate precedenti in questa sezione del sito.

Buon anno a tutte e tutti.

Chiara

📚 Libri di architettura

Charles e Ray Eames

Di Ivan Mietton | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2025 | Brossura €20,00 | Lingua italiana

Coppia di successo del design del XX secolo, Ray e Charles Eames lavorano fianco a fianco dal 1941, anno in cui si sposano, fino alla morte di Charles nel 1978. Grazie alla loro perfetta complementarità, padroneggiano diversi ambiti creativi, dall’architettura all’arredamento, dalle stampe tessili alla fotografia, dai film ai giochi per bambini. Sperimentatori delle infinite possibilità della materia e delle tecniche di produzione, non perdono mai di vista l’unico vero obiettivo del loro operato: «Produrre il meglio, per il maggior numero di persone possibile e al minor prezzo». Con l’idea di rivolgersi a un pubblico di massa, portano avanti la loro ricerca anche nella comunicazione attraverso videoproiezioni e allestimenti espositivi. Le loro lezioni sul design rimangono ancora oggi preziose testimonianze e i loro pezzi prodotti in serie fanno parte delle collezioni museali più importanti al mondo.

Eileen Gray

Di Cloé Pitiot | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2025 | Brossura €20,00 | Lingua italiana

Figura enigmatica, avventurosa e sfuggente, Eileen Gray (1878-1976) ha lasciato un segno indelebile nella storia dell’arte decorativa moderna. Dalla campagna irlandese a Londra e poi a Parigi, si è imposta come pittrice, designer, architetta, ma anche gallerista – attività, quest’ultima, intrapresa sotto il conveniente pseudonimo di Jean Désert. Con i suoi paraventi laccati e i mobili in tubi d’acciaio, ha trasceso i confini delle arti e realizzato opere ricche di poesia, affermando con orgoglio la volontà di tornare a mettere l’essere umano e le sue emozioni al centro della ricerca plastica e spaziale. La villa E-1027, da lei costruita nel 1926 a Roquebrune-Cap-Martin per Jean Badovici, è considerata tra gli esempi più brillanti dell’architettura del Novecento.

Viaggio in italia 2. Itinerari di architettura contemporanea

A cura di Marcello Bacchini, Alessia Pagano, Martina Esposito | LetteraVentidue, 2025 | Brossura €22,00 | Lingua italiana

Una raccolta di progetti di giovani studi italiani, osservati attraverso un itinerario critico che si snoda, fuori dalle rotte consuete, lungo tutto il Paese. Questo libro intende raccontare come le nuove generazioni di architetti interpretano il contesto, il paesaggio e le esigenze sociali, realizzando opere radicate e sperimentali, spesso collocate in territori periferici o marginali.
Qui il primo volume della collana.

Torri e grattacieli in Italia. Un secolo di architetture verticali

Di Simona Talenti | Silvana Editoriale - Biblioteca di architettura, 2025 | Cartonato €22,00 | Lingua italiana

Dal sogno modernista dei primi grattacieli alle recenti architetture verticali, il volume racconta un secolo di slanci urbani italiani. Torri e grattacieli non solo come simboli di progresso, ma anche come segni di identità e sperimentazione architettonica in dialogo con il paesaggio. Un percorso che invita a riflettere sul valore della verticalità e sul suo ruolo nel ridisegnare il futuro delle città.

Louis I. Kahn. Pensieri sull’architettura. Scritti 1931-1974

A cura di Marco Falsetti | Einaudi Editorie - Piccola Biblioteca Einaudi, 2023 | Brossura €27,00 | E-Book €13,00 | Lingua italiana

Louis I. Kahn appartiene alla grande stagione dell’architettura del Novecento, i cui massimi protagonisti (tra i quali egli va senz’altro annoverato) sono stati in grado di manifestare la propria «visione del mondo» non soltanto mediante i progetti e le costruzioni che hanno realizzato, ma anche attraverso la creazione di un immaginario disegnativo e pittorico e – non da ultimo – attraverso l’elaborazione di un pensiero che si traduce in scrittura. Questo libro riunisce un’antologia di scritti – molti dei quali inediti in Italia - dai primi anni Trenta in poi: saggi pubblicati in volumi e in riviste di architettura, introduzioni, conferenze, e conversazioni con gli studenti.

The House of Doctor Koolhaas

Di Françoise Fromonot | Park Books - Gumshoe, 2025 | Brossura €19,00 | Lingua inglese

La serie Gumshoe di Park Books propone un nuovo modo di raccontare la storia dell’architettura, concentrandosi sui singoli edifici e adottando il tono avvincente del romanzo poliziesco. In questo primo volume, l’architetta e critica francese Françoise Fromonot indaga il caso della Villa dall’Ava, residenza privata situata a Saint-Cloud, sobborgo di Parigi, costruita da Rem Koolhaas nel 1991. Attraverso indizi, riferimenti cinematografici, letterari e storici, l’autrice conduce una vera e propria “inchiesta architettonica”, mettendo a fuoco ciò che ci si aspetta e ciò che sorprende, esplorando il progetto nei suoi spazi, nei dettagli e nei suoi slanci.

L’arte di perdersi. Storia dei miei traslochi

Di Lia Piano | Bompiani, 2025 | Brossura €16,15 | E-book €9,99 | Lingua italiana

“I sogni, soprattutto se molto belli, sono poco attendibili. E i risvegli possono essere bruschi.” Dopo Planimetria di una famiglia felice, Lia Piano torna in libreria con un romanzo abitato da personaggi indimenticabili, quelli “con l’espressione un po’ così” di chi è cresciuto stretto tra la montagna e il mare, ma anche quelli più silenziosi come i mobili e le piante di cui ci circondiamo. E ci guida a passo di danza attraverso un romanzo incantevole, malinconico ed esilarante, che nel raccontarci le fasi di una ristrutturazione ci parla della cura del cuore umano, e seguendo la sua protagonista alle prese con le difficoltà della vita ci ricorda che spesso è necessario perdersi per potersi ritrovare.

Bumerang. La nuova indagine del commissario Del Gaudio

Daniele Sanzone | La nave di Teseo, 2025 | Copertina rigida €19,00 | Lingua italiana

Dopo il romanzo d’esordio Madre dolore. La prima inchiesta del commissario Del Gaudio, Daniele Sanzone torna in libreria con il sequel, sempre ambientato a Scampia: un noir urbano dal ritmo serrato che sfida gli stereotipi sulla Napoli criminale. Un’indagine dentro e fuori la legge, dove la verità non ha mai un solo volto e la giustizia arriva travestita da vendetta. In uscita il 7 novembre 2025.

Tadao Ando. Sketches, Drawings, and Architecture

Taschen, 2025 | Copertina rigida €150,00 | Edizione multilingue (Francese, Inglese, Tedesco) - Formato 28 x 33,7 cm. 594 pagine

Con una selezione di 750 schizzi, disegni, modelli e rappresentazioni tecniche che illustrano il processo creativo della sua opera architettonica, Tadao Ando introduce personalmente alle fonti di ispirazione delle sue idee architettoniche. Dagli suoi esordi negli anni ‘70 ai progetti più recenti, questo recentissimo coffee table book (formato 28 x 33,7 cm, per 594 pagine) raccoglie gli iconici schizzi concettuali del maestro giapponese.

Storie fantastiche per oggetti reali

Di Carlo e Livia Castiglioni, illustrazioni di Andrea Galanti | Lazy Dog Press, 2025 | Brossura €24,00 | Lingua italiana

Questo libro nasce dalla volontà di raccontare gli oggetti disegnati dai fratelli Castiglioni, in particolare da Achille e Pier Giacomo, attraverso una chiave narrativa inedita. Lasciando spazio all’immaginazione, testi seriosi sono stati trasformati in racconti fantastici: delle vere e proprie fiabe pensate per adulti-bambini. Dietro ogni oggetto c’è una storia, un sogno, una relazione biunivoca con il suo creatore.

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Troppo S-comodo - di Mike Mcblack

Per guardare la realtà mentre tutti la filtrano. Per raccontare cose che non andrebbero dette. E per farlo con stile. Non è una newsletter. È una vendetta settimanale, ben scritta.

On Architecture di David Perrine

A newsletter about architecture. We interrogate topics within architecture, aesthetics, practice, history, and theory.

Nemesi di Vincenzo Profeta

L’altra faccia del Nemico. Approfondimenti, allucinazioni, teorie per orientarsi in un mondo disorientato. Ogni quindici giorni. In pdf. Sulla tua mail.

📰 Ultimi articoli online

Perché in Giappone vanno così di moda le capsule abitative e com’è dormirci su Geopop.it

Tra necessità di spazio, costi ridotti e cultura pop, le capsule abitative (o capsule hotel) rappresentano una soluzione tipicamente giapponese: minuscole unità di alloggio pensate per sfruttare ogni centimetro, offrendo un rifugio essenziale nella giungla urbana.

L’edificio più inclinato al mondo non è la Torre di Pisa, ma il Capital Gate di Abu Dhabi su Geopop.it

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🎧 Ultimi episodi del podcast

È disponibile la terza (e penultima) puntata di Dannati Architetti Talk, il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Protagonista dell’episodio è Elena Rajani interior designer italiana che vive e lavora in Australia da dieci anni. Qui sotto tutte le uscite.

«è un edificio ambiguo, aperto a molteplici letture, nato con l’idea di conciliare la ricchezza dell’immaginario con il rigore della razionalità ... e, in definitiva, questo atteggiamento contraddittorio e conflittuale me lo sono portato dietro in tutto il mio itinerario di architetto. Mi sono poi posto il problema di dare una risposta al luogo, caratterizzato sul versante verso il fiume, da un’alta spalliera di tufo e dal protagonismo del rudere, i resti di un sepolcro dove si mescolavano parti di tufo rosso, che proveniva dalle cave vicine, e di quello giallo, che era invece delle cave di Riano».

Crescere in un ambiente tanto stimolante segna profondamente Elena Rajani, che fin da bambina gioca con la luce e con la disposizione degli arredi per esaltare le curve morbide e avvolgenti della celebre residenza portoghesiana, sviluppando un approccio creativo e personalissimo alla progettazione degli interni. Queste esperienze hanno ispirato il suo percorso accademico, portandolo a conseguire la prima laurea in Architettura e Arredamento degli Interni presso la Facoltà di Architettura “Valle Giulia” dell’Università La Sapienza di Roma. Successivamente ha perfezionato le sue competenze con un Master in Product Design presso il Politecnico di Milano. La sua carriera professionale inizia a Roma, in uno dei più prestigiosi negozi di arredamento contemporaneo della città, dove ha potuto apprezzare qualità e dettagli di pezzi firmati dai grandi maestri del design del XX secolo. Successivamente si trasferisce a Londra, dove lavora in uno studio di interior design situato a Chelsea e qui affina le sue capacità di interior designer, confrontandosi con la ristrutturazione delle splendide case d’epoca della zona, caratterizzate da interni sofisticati e ricchi di dettagli con tessuti pregiati, carte da parati e motivi colorati.

Alla ricerca di nuove sfide, Elena Rajani approda a Melbourne, con un biglietto di sola andata, nel 2015. Qui, grazie a nuove collaborazioni con studi e professionisti locali, scoprirà le infinite opportunità offerte dalle costruzioni ex novo, lavorando su progetti residenziali di alto livello nei sobborghi più esclusivi e sviluppando un’estetica minimalista focalizzata sull’utilizzo di materiali raffinati, arredi ricercati e su soluzioni su misura per ogni cliente. A coronamento del suo percorso professionale arriva un prestigioso riconoscimento, il Kitchen Design of the Year, assegnato da Zip Water, per la migliore cucina australiana del 2019.

Dal 2020, in seguito alla pandemia, il lavoro da casa rappresentato per Elena ha un’opportunità per costruire una base di clienti personali e soprattutto per coltivare l’ispirazione e la determinazione necessarie per mettersi in proprio. Questo nuovo capitolo professionale, ERD. Elena Rajani Design, si apre con l’intento di mettere a frutto tutte le esperienze accumulate e di trasmettere la sua innata passione per il design italiano. La sua missione è offrire un servizio di interior design completo, accompagnando i clienti in un percorso coinvolgente che li pone al centro del processo creativo dalla concezione iniziale fino alla realizzazione della casa, dei loro sogni.

🌐 ERD. Elena Rajani Design website
🌐 ERD. Elena Rajani Design su Instagram
🌐 Elena Rajani su LinkedIn

🎙 Il format

Dannati Architetti Talk è il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Saranno loro a raccontare in prima persona il proprio viaggio, condividendo esperienze, momenti di svolta, cadute e successi che, passo dopo passo, hanno lasciato un segno sul loro cammino.
Perché dietro ogni grande progetto c’è la storia di una vita che merita di essere ascoltata.

Music: Trailer e background con Suno AI. Ending track: Remember September, Freedom Trail Studio (royalty free music).

🎧 Il primi due episodi del Talk

Gianni Berengo Gardin è stato uno dei più grandi fotografi del Novecento italiano: il “fotografo dell’uomo”, come lo definì Sebastião Salgado. Con i suoi reportage ha documentato la società e i suoi cambiamenti, l’architettura, il lavoro, l’ambiente, le tradizioni; ha denunciato ciò che molti preferivano far finta di non vedere.

Con oltre due milioni di negativi, 260 libri pubblicati, 360 mostre personali in tutto il mondo e una carriera consacrata da riconoscimenti internazionali, Berengo Gardin è stato un cittadino del mondo. Un osservatore lucido e instancabile della realtà. L’autore di un “fotoromanzo” in bianco e nero che attraversa settant’anni di storia, e che ha saputo scrivere attraverso i volti delle persone, le loro pose, i loro sguardi, le coincidenze, l’attesa paziente che quegli attimi da cogliere si rivelassero davanti all’obiettivo della sua Leica.

In parole povere: un libro e una premessa

«Quando mi domandano se ci siano ancora cose importanti che vorrei fotografare, rispondo che sono soddisfatto delle immagini realizzate. Ogni giorno però, se esco di casa, sento il bisogno di portare con me la macchina fotografica. Quando esci di casa senza macchina fotografica, c'è sempre qualche inquadratura che avresti voluto fermare sulla pellicola. Allora è meglio non rischiare. La fotografia, d'altronde, rimarrà sempre la mia vita».

Con questa citazione riportata in copertina - che è già di per sé una fotografia dell’uomo che l’ha pronunciata - si apre In parole povere. Un’autobiografia con immagini raccolta da Susanna Berengo Gardin ed edita da Contrasto. In questo libro Gianni Berengo Gardin ripercorre la propria vicenda umana e professionale, segnata da viaggi, incontri e da una sensibilità sempre attenta ai temi sociali, alla gente.

È un racconto schietto e sincero, privo di ogni retorica. Una lettura appassionante che mi è stata fondamentale per preparare la lunga intervista che segue, realizzata lo scorso 3 giugno e pubblicata solo oggi - con mio imperdonabile ritardo e sincero dispiacere - in seguito alla sua recente scomparsa.

In dialogo con Gianni Berengo Gardin

C’è un bellissimo episodio nel libro in cui racconta di Bruno Zevi e della fotografia di architettura. In qualche modo, sebbene la sua strada sia stata poi quella del reportage, potremmo dire che tutto sia cominciato da lì. Che grazie a lui sia arrivato il primo incarico importante.

Io devo dire subito che non sono un fotografo di architettura. Ho fotografato tantissima architettura, ma quello che prediligo è l’uomo, è il reportage. Però, specie agli inizi, mi capitava di fotografare più architettura, perché a Venezia gli studenti dello IUAV non erano preparati a fare un buon lavoro per le tesi e il professor Zevi pretendeva - era molto rigoroso ed esigente - che queste fossero corredate da un ricco apparato fotografico, che avrebbero dovuto realizzare da soli. Siccome molti di loro erano miei amici, finivo per aiutarli io. A un certo punto, però, Zevi si accorse che le fotografie erano troppo simili tra loro e gli disse piccato: «Ma non le fate voi! Chi ve le fa?». All’inizio cercarono di sviare, poi confessarono che ero io. Allora mi convocò e, con mia sorpresa, anziché farmi una predica, mi chiese di tenere una lezione di fotografia a tutti i suoi allievi. Io ero proprio agli inizi, ero ancora un fotoamatore, non un professionista… ero timido e imbarazzato. Ma ci sono andato e ho cercato di barcamenarmi tra una cosa e l’altra. Era la prima volta che parlavo in pubblico.

A Bruno Zevi sono molto riconoscente per due motivi. In primo luogo perché nel 1963 mi fece esporre le fotografie che avevo fatto su Venezia all’Architectural Association di Londra. Quella mostra fu vista dall’editore svizzero Albert Mermoud, che poco dopo mi mandò un telegramma: «Venga a Losanna che facciamo un libro su Venezia con le sue foto». Io credevo fosse uno scherzo, perché un mese prima aveva pubblicato un volume con Fulvio Roiter e mi sembrava strano che volesse darne subito un altro alle stampe. Invece era vero! Quel libro in realtà io lo avevo già pronto. L’avevo proposto a otto editori italiani e tutti lo avevano rifiutato per due motivi: primo, perché non mostrava la Venezia classica dei monumenti, quella turistica per intenderci; secondo, perché non era a colori. Ci avevo rinunciato, lo tenevo lì “addormentato” in attesa che succedesse qualcosa. E poi arrivò Mermoud, che con la Guilde du Livre di Losanna ne stampò addirittura 10.000 copie, perché i suoi abbonati compravano tutto quello che pubblicava.

In secondo luogo, sono riconoscente a Bruno Zevi perché mi chiese di realizzare le foto per il suo volume Biagio Rossetti, architetto ferrarese. Un grosso librone che fu di fatto il primo della mia vita e segnò l’inizio del mio lavoro. Uscì con Einaudi nel 1960, prima ancora di Venise des saisons (1965), quello su Venezia di cui parlavo poco fa. Poi sono arrivate le monografie illustrate del Touring Club - fu Giuliano Manzutto a chiamarmi per collaborare - e con loro ho fatto tantissima architettura, non moderna ma storica: monumenti, chiese ecc. Me la sono cavata abbastanza bene perché insieme abbiamo pubblicato parecchi volumi dal 1966 al 1986.

E per quanto riguarda invece l’architettura moderna?

Con l’architettura moderna, e soprattutto con l’archeologia industriale, che mi piaceva molto, ho imparato tutto da Gabriele Basilico, perché eravamo amicissimi, ci vedevamo quasi ogni sera. Tra di noi c'era un bellissimo rapporto, scherzavamo. Dicevo spesso che grazie a Gabriele avevo imparato a fotografare l’architettura, e lui, puntualmente, ribatteva: «Io, invece, ho imparato il reportage da Gianni!».

Tante volte siamo andati anche assieme. Lui col banco ottico. Io lo osservavo affascinato mentre fotografava e mi veniva voglia di provare anch’io a lavorare così. Poi mi dicevo: «No, è meglio di no. Che sennò dicono che copio Gabriele» (ride, ndr.). Anche se non ci sarei riuscito… con il banco ottico ho avuto un rapporto poco felice. L’ho usato un po’ per la Olivetti quando, nel 1960, insieme a Henri Cartier-Bresson, realizzammo il reportage sullo stabilimento di Pozzuoli (nel 1969 uscì anche un libretto con le foto di entrambi). Io ho sempre preferito lavorare con Leica e Nikon, con l’obiettivo decentrabile, perché volevo assolutamente che le case risultassero dritte. Non come le fanno quasi tutti oggi: tutte storte, che non si capisce da che parte vada l’architettura. (ride, ndr.)

Nei primi anni Cinquanta, quando iniziò a frequentare lo storico negozio Foto Record e il circolo La Gondola a Venezia, entrò in contatto con Paolo Monti - peraltro uno dei fondatori del circolo - al quale fece più volte da assistente insieme a Giuseppe “Bepi” Bruno. Monti ha documentato moltissima architettura…

Sì. Faceva molto ritratto e molto reportage. A Bologna, per il censimento, aveva fotografato praticamente tutto, talvolta esagerando secondo me: gli avevano tolto persino i segnali stradali, perché lui esigeva la massima purezza dell’architettura. Io non ero così, per niente, ma incontrarlo fu fondamentale per la mia crescita professionale.

Bepi Bruno è stato un grande amico. In quegli anni andavamo sempre in giro con la sua Fiat 500: a Bologna, a Firenze, scattavamo a Venezia insieme, parlavamo continuamente di fotografia. E poi, alla domenica, ci spostavamo a Spilimbergo a trovare Italo Zannier e altri amici fotografi del Gruppo Friulano per una Nuova Fotografia.

Nel 1958 intraprendeste insieme anche un viaggio nel Sud Italia a bordo di una giardinetta…

Era un’Italia completamente diversa, contadina, poverissima. Un altro mondo. Il Meridione, allora, era difficile da raggiungere: impiegammo due giorni percorrendo strade malmesse e fermandoci nei paesini che attiravano la nostra attenzione. Era il 1958. In occasione di quel viaggio ci fermammo a Senigallia per incontrare Mario Giacomelli, con il quale chiacchierammo a lungo.

Stranamente, Giacomelli regalava sue fotografie a tutti, tranne che a me. Mi diceva sempre: «Io ti stimo più di tutti». E io provavo a ribattere: «va bene, ma a maggior ragione se mi stimi… » e lui: «Tu non hai bisogno delle mie fotografie, tu hai la mia amicizia!». Abbiamo scattato qualche foto nella sua camera oscura: mi mostrò come trasferiva l’immagine dalla pellicola alla lastra e come poi forzava le fotografie. Lui sì che era un grande poeta, un grande interprete della realtà. Io, invece, sono l’opposto: voglio che la realtà sia quella e basta. Due punti di vista completamente diversi, ma una grande amicizia, quella con Giacomelli.

Come è iniziata la collaborazione con Renzo Piano? Lei è considerato il suo miglior fotografo.

È successo per caso. Un incarico che spettava al mio amico Luciano D’Alessandro, fotografo napoletano, passò a me: siccome lui non poteva occuparsene, disse a Renzo Piano di rivolgersi a Gianni Berengo Gardin. Si trattava di documentare un suo intervento per il risanamento del centro storico di Otranto. Io andai, feci le foto, e poco tempo dopo mi richiamò per un lavoro a Cagliari. In pratica avevo fatto una cosa ignobile: avevo rubato il cliente al mio amico Luciano (ride, ndr.), perché da allora in avanti ho realizzato moltissimi lavori per Renzo Piano. Fotografare per lui mi piaceva perché non mi chiedeva semplicemente di ritrarre l’edificio finito. Si cominciava già dal cantiere, dalla fasi di costruzione… così potevo affiancare all’architettura anche il lato umano, gli operai al lavoro, la vita che abitava l’opera. Ed era proprio questo ciò che mi interessava di più!

Con Renzo Piano siamo poi diventati amicissimi e, finché ho potuto, ho continuato a fotografare le sue architetture. Dopo sono arrivati anche tanti altri progettisti a cui sono molto riconoscente, tra cui diversi ex allievi di Piano che si erano messi in proprio, e naturalmente il lavoro industriale, per Olivetti, Fiat, IBM, Ansaldo, General Electric…

Anche con la Olivetti ha avuto una lunga collaborazione. Attraverso le sue fotografie ha raccontato l’innovazione tecnologica, le fabbriche progettate dai grandi nomi dell’architettura, ma soprattutto la vita e il lavoro dei dipendenti.

Sì. Ho lavorato molto per loro, per 12-13 anni. Una volta al mese andavo a Ivrea e godevo di grande fiducia: mi lasciavano fotografare quello che volevo io e quello che volevano loro. Non c’era alcun controllo né censura: mi permisero di fotografare persino progetti in corso, macchine ancora in fase sperimentale. Avrei potuto rivendere quel materiale a un concorrente e guadagnarci molto, cosa che naturalmente non ho mai osato fare. E quindi, questo è stato il lato più commerciale del mio lavoro. Però, potendo metterci dentro l’uomo, chiaramente mi piaceva moltissimo e mi interessava.

Lei è un cittadino del mondo. Ha vissuto a Santa Margherita Ligure, Venezia, Roma, Parigi, Lugano, Milano e i suoi reportage l’hanno portata in Australia, Cina, America, Canada, India... Cosa le ha insegnato questa vita in viaggio?

Dalla vita e dai viaggi ho imparato tutto, perché, le dico la verità, ero un pessimo studente. Ho sempre avuto poca memoria: studiavo, studiavo, alla sera sapevo tutto e il giorno dopo in classe non ricordavo più nulla. E così ho cominciato a odiare la scuola. Poi me ne sono pentito, però, non so come, fotografando ho imparato tantissimo: sulla vita, sui posti, sulla gente. E poi, non so se si può dire, ho avuto “un gran culo”, perché potevo permettermi di scegliere i lavori. Se non mi piacevano, li rifiutavo. Tanti non commissionati li facevo di mia iniziativa, a mio rischio, poi li proponevo e magari ci saltava fuori un libro. Perciò tutti i lavori che ho fatto mi sono piaciuti, mi hanno insegnato qualcosa e mi hanno entusiasmato.

I due anni trascorsi a Parigi sono stati fondamentali per la mia formazione e la mia cultura. Lì ho conosciuto, tra gli altri, Robert Doisneau, Édouard Boubat, Edith Piaf, Jean-Paul Sartre… fu una combinazione non cercata. Mio suocero mi aveva consigliato di andare a trovare una sua amica, Madame Dubreuil, che nella sua casa di Rue de Rivoli aveva un salotto frequentato da molti intellettuali. Io andavo, rimanevo zitto in un angolo e li osservavo parlare (ero timido e il francese lo masticavo ancora poco). Un giorno, Sartre parlava, parlava, parlava e a un certo punto mi notò, lì nell’angolino. Si avvicinò e mi disse: «Ma io la vedo sempre qui in silenzio, ma cosa fa?». Gli spiegai che ero lì perché mio suocero era amico della proprietaria, e così iniziammo a parlare e scoprimmo di avere una passione comune per Ernest Hemingway. Poi il discorso cadde sul cinema: «Anch’io ho la passione del cinema!”, mi confessò, ma non ho mai capito perché gli piacessero tanto i film western. Forse non voleva far sapere ai suoi amici intellettuali che guardava quei film di cowboy un po’ scemi? Ogni tanto allora veniva da me e diceva: «Gianni, on va?» (au cinéma, ndr). Io con quell’inconfondibile “on va?” capivo che voleva andare a vedere un film al cinema e che sicuramente si sarebbe trattato di un western. Ho avuto la fortuna di conoscere questo personaggio enorme. All’epoca non avevo ancora piena coscienza di chi fosse davvero Sartre… non era ancora il “grande Sartre”, ma era pur sempre Sartre!

Insomma, lei ha accompagnato al cinema uno dei filosofi e pensatori più importanti del Novecento!

Sì, siamo andati una decina di volte al cinema insieme. Ma non ho mai capito perché, a dirle la verità (ride, ndr.). In seguito ho letto tutti i suoi libri.

Parlando di libri, e nello specifico di volumi fotografici: ne possiede una vasta collezione e ne ha dati alle stampe altrettanti.

Di volumi fotografici ne ho pubblicati 264 e ce ne sono ancora due in uscita quest’anno. Vede, i giornali non mi facevano lavorare, ad eccezione de Il Mondo, diretto da Mario Pannunzio, con cui ho collaborato ininterrottamente dal 1954 al 1966. Dagli altri andavo, offrivo le mie foto… non so, era difficile far accettare alle redazioni il proprio modo di fotografare. Così mi sono buttato sull’editoria, perché allora era ben sponsorizzata e c’era un discreto guadagno: anch’io dovevo pur vivere. Poi ho conosciuto, oltre ad architetti, anche intellettuali, tra cui Bruno Zevi, Federico Zeri, Mario Soldati, Cesare Zavattini, molti dei quali hanno scritto i testi dei miei volumi fotografici. È stato questo, come dire, a “reclamizzarmi”, a farmi fare tante cose belle. Ho imparato molto anche dai libri degli altri, da quelli dei grandi maestri americani e francesi… ho accumulato negli anni una collezione vastissima! Il confronto è sempre stato fondamentale per me: dal lavoro altrui c’è sempre qualcosa da apprendere.

Tra i tanti reportage di denuncia sociale che ha realizzato, quali ricorda con maggiore soddisfazione?

Morire di classe, il reportage pubblicato nel 1969 sulla condizione manicomiale in Italia, è stato un lavoro importantissimo che ho fatto per Franco Basaglia. Anche conoscerlo è stato fondamentale. Insieme a Carla Cerati, fotografa de L’Espresso, abbiamo denunciato non la malattia in sé, ma il degrado e le condizioni disumane in cui erano costretti a “vivere” i malati… molti dei quali abbandonati in quelle terribili strutture dai parenti che si vergognavano di loro. Non era come in un ospedale, dove si va a trovare i propri cari portando giornali o arance… e questo abbandono, mi diceva Basaglia, loro lo sentivano moltissimo: peggiorava la loro condizione. Solo lui riuscì a fargli abbattere le inferriate con le loro stesse mani. E quei pazienti, finalmente liberi, erano felicissimi! Ho poi seguito molti di loro dopo la Legge 180 (la Legge Basaglia ndr.): erano persone finite in manicomio per eredità o perché i parenti volevano appunto sbarazzarsene. Con la 180, per farle qualche esempio, uno di loro divenne direttore di un’agenzia di viaggi (e per dirigere un’agenzia di viaggi non puoi certo essere tanto matto), un altro aprì una bellissima libreria a Biella, un altro ancora faceva il fiorista. Erano attività normali, portate avanti da persone normali.

In seguito, ho affrontato diversi altri temi sociali: dagli ex carcerati di Genova reinseriti nel lavoro, alle grandi navi nella laguna di Venezia. Avevo degli amici nel comitato No Grandi Navi e decidemmo di organizzare una mostra a Palazzo Ducale, ma ci fu proibita. Alla fine riuscii comunque a farla, presso il Negozio Olivetti in Piazza San Marco, e fu un grande successo. Io, da fotografo, ero condizionato soprattutto dall’impatto visivo, ma i danni di quelle navi erano enormi. Rischiavano di andare a sbattere, smuovevano la sabbia sotto, consumavano quantità enormi di gas e petrolio, più delle automobili… provocavano un inquinamento enorme! Quando poi ho pubblicato con Contrasto il libro Venezia e le grandi navi (2013), arrivavano addirittura dodici navi al giorno: sei che entravano e sei che uscivano. Era un via vai continuo. Fortunatamente, da allora qualcosa è cambiato. A Venezia è proibito costruire case più alte di quattro piani, e quelle navi erano come palazzi di otto-dieci piani che spuntavano all’improvviso: una visione orribile.

Che idea si è fatto del digitale e come giudica la direzione che sta prendendo oggi la fotografia? C’è qualche fotografo contemporaneo che ammira in modo particolare?

Ce ne sono tanti, ma non faccio nomi, altrimenti rischierei di fare un torto a qualcuno. Ne vedo più nell’ambito dell’architettura, che seguono la strada aperta da Gabriele Basilico, piuttosto che nel reportage. Perché, bene o male, di riviste di architettura ce ne sono ancora, mentre il reportage non lo vuole fare più nessuno: lo pagano pochissimo. Una volta mi davano 200 euro per una foto, oggi me ne offrono 15. Da 200 a 15! Come può un giovane cominciare a fare reportage se vuole vivere di fotografia?

Con lo smartphone e con Photoshop si fa di tutto oramai: si pubblica il buono e il cattivo, si altera qualsiasi scatto. Ma se in post-produzione aggiungi, per esempio, un’automobile, quella non è più una fotografia, è un’immagine. E allora, se si dichiara “questa è una mia interpretazione di questo luogo”, mi sta bene, altrimenti no. Perché chi la guarda è portato a credere che rappresenti ciò che il fotografo ha visto, mentre in realtà è stata costruita la sera davanti al computer. Quanto all’intelligenza artificiale, invece, credo ucciderà definitivamente la fotografia.

Io scatto ancora su pellicola e dico ai giovani di continuare a usarla. Certo, il digitale ha dei vantaggi: poter fare una foto e un minuto dopo inviarla ovunque è un vantaggio. Ma scattare a mezzanotte col buio e ottenere un’immagine che sembra fatta a mezzogiorno mi lascia dubbioso. La pellicola ha una sua plasticità. Il digitale è freddo, metallico, direi quasi un po’ angosciante: troppo perfetto.

Con il digitale si tende ad apprezzare di meno il momento dello scatto. Una volta c’era l’incertezza di essere riusciti a catturare un’istante, una posa… e non ci si poteva permettere di riprovare all’infinito.

Ricordo un periodo in cui una nota marca di macchine fotografiche aveva tappezzato le strade con enormi manifesti, dieci metri ciascuno, con lo slogan: “Non pensare, scatta”. Io ai miei ragazzi dico invece: “prima pensa, poi, semmai, scatta”. Se merita, scatti, altrimenti lasci perdere. Una massima di Cartier-Bresson era: «Massimo tre scatti. In tre scatti o fai la foto buona, o non la fai». Oggi, con il digitale, si fanno migliaia di foto sperando che ne salti fuori una buona. E non solo: le macchine ormai sono talmente perfette che fanno tutto da sole, pensano loro al posto tuo. Tu non pensi più. È cambiato tutto. Non so se in meglio o in peggio, non sta a me dirlo, ma è cambiato tutto.

C’è poi un aspetto ancora più pericoloso: con il digitale cambieranno i mezzi di lettura? Cambieranno i materiali? Non sappiamo cosa succederà fra cent’anni. Con la pellicola, invece, è dimostrato che gli archivi resistono oltre un secolo. Il vantaggio di avere un archivio su pellicola è enorme. Io possiedo due milioni di negativi, con dentro un po’ di tutto: del buono, del cattivo, anche dello “schifoso”. Può capitare di ritrovare fotografie che all’inizio non consideravo convincenti e che, col passare degli anni, mi appaiono invece interessanti.

Le mie foto migliori le ho fatte rendendomi conto solo dopo che erano buone, in alcuni casi non me ne sono nemmeno accorto io.

📚 Libri di architettura

Scritto di notte

Di Ettore Sottsass, Adelphi, 2010 | Brossura €25,00 | eBook €13,00 | Lingua italiana

Per lungo tempo siamo stati costretti a sospettare che i progetti, i disegni, gli oggetti, le fotografie, le riviste di Ettore Sottsass, oltre a stupire e a innovare, raccontassero una storia. Poi, alla fine della sua lunga vita, Sottsass quella storia ha cominciato a scriverla – partendo da molto lontano. E così, in queste schegge di un'autobiografia pensata, all'inizio degli anni Duemila, come testamento, Sottsass manovra una scatola ottica di cui lui solo sembra conoscere il funzionamento, e la usa per proporre al lettore, in un ordine solo apparentemente capriccioso, le immagini della sua infanzia e della sua giovinezza. La materia di cui il racconto è fatto – i primi anni in Austria, l'arrivo a Torino, le retrovie e il fronte di una guerra a metà orrenda e a metà farsesca, e la Milano del dopoguerra, e l'America, e la nascita del design contemporaneo – basterebbe a giustificarlo. Ma a colpire, e subito a incantare, è il fuori campo con cui Sottsass accompagna ogni rievocazione: una voce ironica, beffarda, sorniona, che sembra sempre condurre a una conclusione già scritta, ma all'ultimo momento scarta verso il paradosso – riuscendo, ogni volta, a sorprendere. Chi tiene fra le mani questo libro, dice Sottsass in una sua breve introduzione al testo, tiene fra le mani (forse) un uomo nudo. La parentesi – e non potrebbe essere altrimenti – autorizza dunque un dubbio: per scioglierlo, non resta che cominciare a leggere.

Contro l’architettura

Di Franco La Cecla, Bollati Boringhieri, 2008 | Brossura €14,00 | eBook €6,00 | Lingua italiana

Mai come adesso l'architettura è di moda. Nelle riviste, nei quotidiani, in televisione le opere delle super-star dell'architettura sono oggetto della curiosità di lettori che prima erano completamente digiuni in materia. Eppure mai come adesso l'architettura è lontana dall'interesse pubblico: incide poco e male sul miglioramento della vita della gente, a volte ne peggiora le condizioni dell'abitare. Questo accade perché l'architettura è diventata un gioco autoreferenziale, incentrata sulla "firma", sulla genialità del singolo architetto, genialità che è quotata nella borsa della moda al pari di un qualunque brand. Gli architetti si rifiugiano in una artisticità che li esclude da qualunque responsabilità. Purtroppo spesso viene affidata loro la trasformazione di interi pezzi di città, trasformazioni che spesso compiono con incompetenza, superficialità e convinti che si tratti di un gioco formale. Ma le città funzionano diversamente: sono il territorio profondo su cui agisce l'inconscio collettivo, sono il luogo delle appartenenze e dei conflitti. Questo libro invita ad abbandonare le "archistar" al loro egoismo e ad accettare che l'architettura abbia esaurito la sua funzione. Oggi c'è bisogno di altro, soprattutto nella situazione di emergenza in cui le città e l'ambiente rischiano di diventare sempre più inabitabili.

L'umano e l'inumano.
Filosofia dell'architettura come filosofia della natura

Di Ettore Rocca, Carocci, 2025 | Brossura €23,00 | eBook €12,00 | Lingua italiana

Mai come oggi architettura e natura appaiono in conflitto insanabile. Per quanto si sforzi di diventare sostenibile, l'architettura continua a essere la più umana tra le arti, quella che più afferma il possesso umano sulla natura. Il libro sovverte questa idea, sostenendo che, se pensata filosoficamente, l'architettura è invece la più inumana fra le arti, quella maggiormente consegnata all'altro dall'umano, la natura. Anzi, l'architettura può mettere in opera la natura e aprire a un nuovo epos del non-umano. Il volume argomenta questa tesi intrecciando differenti tradizioni di pensiero: lo spazio in Platone con lo zimzum nella qabbalah ebraica, la concinnitas in Alberti con lo spazio indicibile di Le Corbusier, il non-altro in Cusano con lo spazio potenziale di Winnicott, il pensiero della rovina in Simmel con la natura di città di Stig L Andersson. In ogni capitolo la teoria dialoga con singole opere artistiche e architettoniche, dalla cui lettura emergono elementi inediti, ribaltando talvolta interpretazioni consolidate. "L'umano e l'inumano" propone una nuova e paradossale teoria dell'architettura che si fonda sul ritrarsi per donare spazio, e trova il suo compimento in una filosofia del gioco. È nel gioco che infine l'umano si salda all'inumano, la filosofia dell'architettura alla filosofia della natura.

Cos’è un designer

Di Norman Potter (a cura di Marco Rainò, traduzione di Sergio Orrao), Codice Edizioni, ed. 2024 | Brossura €22,00 | eBook €5,00 | Lingua italiana

Testo di riferimento per più generazioni, "Cos'è un designer" si rivolge agli "studenti di ogni età" che si avvicinano alla progettazione e al design con l'intento di comprenderne le ragioni più profonde e le implicazioni sociali più urgenti. Pubblicato per la prima volta nel 1969 e subito consacrato come un classico, è un esempio eccellente di testo in grado di "autorinnovarsi": rivisto dall'autore nel 1980 e nel 1989, poi riproposto nel 2002 dopo la sua scomparsa, è una finestra spalancata sulla visione, la fede e le speranze di un Norman Potter innovatore ispirato, entusiasta e radicale come solo i grandi maestri o gli autentici profeti sanno essere. "Cos'è un designer" definisce l'essenza del "buon design" come processo utile a migliorare la qualità della vita degli individui, introducendo per primo l'accezione ad ampio spettro di design, disciplina inclusiva in grado di connettere distinti ambiti del sapere e favorire relazioni realmente collaborative.

In parole povere. Immagini, ricordi e incontri.

Di Gianni Berengo Gardin, Contrasto, 2020 | Brossura €22,00 | Lingua italiana

“Se si è veramente fotografi si scatta sempre, anche senza rullino, anche senza macchina”. La fotografia come scelta: l’autobiografia con immagini di Gianni Berengo Gardin, raccolta dalla figlia Susanna, rintraccia il filo di questa passione e lo dipana attraverso una vicenda biografica lunga, piena di incontri, di viaggi, di storie, di immagini colte e da cogliere. Piena, soprattutto, di quella sensibilità attenta al reale, alla società, alla gente, che da sempre rappresenta il principale bagaglio di cui si deve dotare un fotografo di reportage. Il mondo di Berengo Gardin, recentemente scomparso, è il nostro mondo. Con una lettera all’amico Gianni, scritta da Ferdinando Scianna, e una conversazione sulle fotografie fatte e quelle da fare tra Gianni Berengo Gardin e Roberto Koch.

Andare per l’Italia razionalista

Di Fabio Isman, Il Mulino, 2024 | Brossura €14,00 | eBook €10,00 | Lingua italiana

Molte nostre città vantano qualche edificio razionalista, riconoscibile per le forme «pure» e l'uso di cemento armato e vetro. Il razionalismo, durato solo dal 1925 al 1940 e ispirato dalle esperienze del Bauhaus, di Mies van der Rohe, Gropius e Le Corbusier, opera una propria originale rivoluzione estetica: fa scaturire la forma del costruito dalla sua funzione e abolisce ogni decorazione. Il nuovo stile «littorio» e il regime fascista, con le sue grandi opere pubbliche, ne oscurerà le novità e la memoria. L'itinerario muove dalle «piccole capitali» dove il movimento esordisce (Milano, Como, Roma), per raccontare piccoli gioielli anche di provincia, come Tresigallo, Sabaudia, Ivrea, Torviscosa, Cosenza e molti altri poco conosciuti che vanno riscoperti.

La città dei ricchi e la città dei poveri

Di Bernardo Secchi, Laterza, 2013 | Brossura €14,00 | eBook €10,00 | Lingua italiana

Nelle culture occidentali la città è stata a lungo immaginata come spazio dell'Integrazione sociale e culturale. Luogo sicuro, protetto dalla violenza della natura e degli uomini, produttore di nuove identità, sede privilegiata di ogni innovazione tecnica e scientifica, culturale e istituzionale. Nella città occidentale ricchi e poveri si sono da sempre incontrati e continuano a incontrarsi, ma sono anche sempre più resi visibilmente distanti. Oggi più che in passato, nelle grandi aree metropolitane, le disuguaglianze saltano agli occhi e strategie di distinzione ed esclusione sono state spesso favorite dallo stesso progetto urbanistico. Bisogna tornare a riflettere sulla struttura spaziale della città, riconoscere l'importanza che nel costruirla ha la forma del territorio. Tornare a conferire agli spazi urbani una maggiore e più diffusa porosità, permeabilità e accessibilità; disegnarli con ambizione, tenendo conto della qualità delle città che ci hanno preceduto e ragionare di nuovo sulle dimensioni del collettivo.

Architettura e potere

Di Deyan Sudjic (traduzione di Daniele Germinario), Laterza, 2013 | Brossura €20,00 | Lingua italiana

In ogni cultura, per poter realizzare le proprie creazioni, gli architetti hanno dovuto stabilire un rapporto con i ricchi e i potenti. Nessun altro ha infatti le risorse per costruire. E il destino geneticamente predeterminato degli architetti è fare qualsiasi cosa pur di costruire, così come quello dei salmoni migratori è di compiere l'ultimo viaggio per deporre le uova prima di morire. Gli architetti non hanno altra alternativa che scendere a compromessi con il regime al potere, qualunque esso sia. Ma quando il calcolo politico si mescola alla psicopatologia, l'architettura non è più solo un problema di politica pratica, essa diventa un'illusione, e perfino una malattia che consuma le sue vittime. Esiste un parallelo psicologico fra il marcare un territorio per mezzo di un edificio e l'esercizio del potere politico. Entrambe le cose dipendono da un atto di volontà. Vedere affermata la propria visione del mondo in un modello architettonico esercita di per sé un certo fascino e ancora più attraente è la possibilità di imporre fisicamente il proprio volere a quella stessa città rimodellandola così come Haussmann fece a Parigi. L'architettura alimenta l'ego nei soggetti predisposti. Essi ne diventano sempre più dipendenti al punto che l'architettura si trasforma in un fine in sé che attrae i fanatici e li induce a costruire sempre di più su di una scala sempre più vasta.

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È giunta al termine la seconda stagione di Dannati Architetti Speciale Tall Buildings, serie di episodi realizzata in collaborazione con la società di ricerca Guamari. Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, tenutosi il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, le puntate hanno raccolto interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Ecco le ultime tre uscite.

Qualche settimana fa, via Instagram, ho chiesto alla community che cosa ne pensasse di The Brutalist, il film diretto da Brady Corbet che ha dominato la stagione dei premi 2024/2025: Oscar per il miglior attore protagonista (Adrien Brody), miglior fotografia e colonna sonora; Leone d’Argento alla regia alla Mostra del Cinema di Venezia; Golden Globe come miglior regia, miglior film e attore drammatici. Ebbene, tra giudizi tranchant e osservazioni più misurate - comunque indicative di visioni profondamente divergenti - si è confermata l’intuizione iniziale: The Brutalist è un film divisivo e al tempo stesso stimolante, capace di alimentare un acceso dibattito all’interno della nicchia! 🔥 🔥 🔥

L'entusiasmo sembrerebbe infatti arrivare più dai non addetti ai lavori, mentre molti architetti - forse sedotti dal titolo - si sono detti delusi o spiazzati: speravano in qualcosa di diverso. A questo punto, sarebbe legittimo chiedersi cosa ci si aspettasse davvero. Del resto, non che il cinema pulluli di protagonisti architetti! Il primo che mi viene in mente, su due piedi, è Howard Roark, interpretato da Gary Cooper ne La fonte meravigliosa, pellicola del 1949. A parte gli scherzi, ve ne saranno sicuramente di più recenti, ma questo film, tratto dal romanzo di Ayn Rand e diretto da King Vidor, meriterebbe una newsletter a sé per l’influenza che ha esercitato sull’immaginario dell’architetto-genio, misantropo e inflessibile. Di questo stereotipo, che riecheggia anche in The Brutalist, cominciamo forse a essere un po’ stanchi, perché non fa onore alla categoria (da qui i “pruriti” di molti), restituendo un’immagine parziale e superata di una professione che, oggi, è molto più sfaccettata e plurale.
O almeno, così dovrebbe essere.

Tornando ai feedback ricevuti, alcuni utenti hanno apprezzato in The Brutalist la forza visiva, sottolineando ad esempio la capacità di “sintetizzare la materia architettonica”, anche attraverso “i primi piani quasi ipnotici delle mani che accarezzano le superfici”. Altri, al contrario, lo hanno trovato angosciante o inutilmente lungo, osservando come il brutalismo funzioni più come richiamo evocativo - efficace per un titolo catchy e d’impatto - che come movimento realmente indagato (più di una persona ha fatto giustamente notare come l’architettura scompaia progressivamente, lasciando spazio al dramma interiore).

Mi verrebbe da dire che il riferimento al brutalismo nel film non si manifesti o consumi né nell’estetica, cui non viene dato particolare risalto (anche in considerazione di un budget piuttosto contenuto), né tantomeno nel tentativo di raccontare le origini del movimento (i tempi storici sarebbero probabilmente incongruenti). Piuttosto, viene evocato come metafora di una dura condizione esistenziale e di un periodo storico di transizione, entrambi cupi e ruvidi come il cemento. Se è vero, come osservava Reyner Banham in The New Brutalism: Ethic Or Aesthetic?, che questo linguaggio architettonico affondi le sue radici nella sincerità e nell’onestà nel trattamento dei materiali, nel film si presenta esclusivamente come dispositivo narrativo, una lente attraverso cui mettere a fuoco dinamiche e tensioni: tra l’architetto e il committente, tra l’individuo discriminato e il sistema capitalistico ostracizzante, tra l’architettura segnata dal passato (e dal conflitto) e la visione progettuale emergente, proiettata in avanti. Un approccio ottimista che, inevitabilmente, deve fare i conti con il contesto storico-culturale del dopoguerra, con un’America ancora saldamente ancorata al neoclassicismo e pertanto restia a lasciarsi influenzare dalle avanguardie europee.

A traghettare il modernismo oltreoceano - e con esso anche l’utilizzo del béton brut, in forme più o meno esplicite - saranno alla fine prevalentemente architetti emigrati negli States, fra cui Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe, Richard Neutra, Rudolph Schindler, Louis Kahn e Paul Rudolph (allievo americano di Gropius). Corbet, in The Brutalist, ne rielabora la parabola umana e professionale attraverso la traiettoria turbolenta e tormentata dell’architetto immaginario László Tóth.

La storia, in breve

Il protagonista, László Tóth (Adrien Brody), è un architetto ebreo ungherese, formatosi al Bauhaus e sopravvissuto al campo di concentramento di Buchenwald. Approdato nel dopoguerra a Filadelfia, finisce per guadagnarsi da vivere spalando carbone dopo aver lavorato, per un breve periodo, presso il negozio di mobili del cugino; qui si cimenta con piccoli progetti di interni e nel design di nuovi arredi (le sedute, con struttura cantilever in tubolare metallico, ricordano quelle di Marcel Breuer). La svolta avviene quando il magnate Harrison Van Buren (Guy Pearce) lo nota grazie all’audace trasformazione - commissionata a sorpresa dal figlio Harry Lee Van Buren (Joe Alwyn) - del suo vecchio studiolo in uno spazio arioso, con scaffalature in legno alte fino al soffitto che, aprendosi simultaneamente a 45º, nascondono i numerosi volumi, un tempo disordinatamente sparsi nella stanza. La luce naturale, filtrata anche da un lucernario circolare in copertura, cade come un occhio di bue su una chaise longue da lettura posizionata al centro.

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Inizialmente incompreso da Van Buren per la sua modernità, questo lavoro segnerà l’inizio di una collaborazione che porterà Tóth alla costruzione, lunga e travagliata, del monumentale Van Buren Institute: centro culturale, collocato su una collina, che diventerà l’ossessione del protagonista.

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Il film, in parte ispirato al libro Architecture in Uniform di Jean-Louis Cohen, affronta l’architettura come sublimazione del trauma seguito alla guerra e all’Olocausto. Corbet non sceglie tuttavia la strada della biografia e, al posto di narrare le gesta di un architetto realmente esistito (cosa che, per quanta valga, ho francamente apprezzato) crea un alter ego storicamente plausibile, mescolando frammenti di vita e di progetti di figure come i già menzionati Breuer, Kahn e Rudolph, e affidandosi alla scenografa Judy Becker (la stessa di Carol e American Hustle) per realizzare edifici credibili, benché totalmente fittizi.

Il film si chiude alla 1ª Biennale di Architettura di Venezia del 1980 (The Presence of the Past) - una scelta non necessariamente fuori luogo, ma certamente straniante nel contesto del racconto - dove il protagonista, ormai anziano e sulla sedia a rotelle, assiste in silenzio alla retrospettiva sul suo lavoro. La nipote Zsófia (Raffey Cassidy) legge un discorso in sua vece, su come avesse progettato l'Istituto ispirandosi ai campi di sterminio dove lui e la moglie Erzsébet (Felicity Jones) erano stati rinchiusi, allo scopo di esorcizzare il trauma dell'Olocausto e la loro separazione. Conclude con una frase che lo zio soleva ripeterle:

«Qualunque cosa gli altri cerchino di inculcarti,
conta la destinazione, non il viaggio».

La mia opinione

Personalmente, non saprei dire se The Brutalist mi sia piaciuto o meno. Di certo non mi ha lasciata indifferente. È un film lungo (tre ore e mezza, suddivise in prologo, due parti, intervallo ed epilogo) e a tratti disturbante (alcune scene le ho trovate evitabili). Ma è anche un’opera potente, capace di restituire con grande intensità la fatica fisica e psichica del costruire, il rapporto conflittuale con la committenza, l’isolamento dell’architetto e le conseguenze, spesso devastanti, della dedizione assoluta, mossa da una passione quasi disperata, dal desiderio cieco e ostinato di lasciare un segno.

Nel film, anche la tossicodipendenza - lascito della guerra - assume un ruolo significativo; il protagonista sembra quasi ritrovare un fragile equilibrio solo in cantiere, come se quel luogo, al pari delle sostanze, sia l’unico capace di attenuare il dolore che lo affligge. Fare architettura diventa così una forma di sopravvivenza, l’unico modo per contenere (e illudersi di elaborare) un trauma mai davvero risolto.

Il progetto, in cui Tóth riversa tutto il suo talento, tutto il suo genio, si rivela quindi una resa dei conti con sé stesso e la frase finale «conta la destinazione, non il viaggio» sancisce con forza la scelta deliberata di perpetuare il cliché dell’architetto visionario, solitario, instabile e insofferente ai compromessi, talmente devoto al proprio lavoro da sacrificare ogni cosa - affetti, salute, persino la dignità - pur di vedere ultimata la sua opera. Un’opera pensata, culla carta, per la collettività, ma che finisce per diventare un remoto monumento all’ego, alla mania, forse anche alla pazzia.
Glielo si perdona al film, perché, per quanto poco edificante, la visione volutamente esasperata che propone è coerente con l’individualismo e il gigantismo della società americana, con il passato tormentato del protagonista, altrettanto ingombrante, e con le esperienze di vita di alcuni tra i più noti architetti del Novecento. Basti pensare a Mies van der Rohe che, con il progetto della Farnsworth House di Plano, porta all’estremo l’estetica “pelle e ossa” del less is more, al punto da dimenticare - o quasi - che si trattasse di una casa da abitare (emblematica la causa intentata dalla committente, Edith Farnsworth).

Insomma, Nulla di nuovo sul fronte occidentale, per citare un altro film (e un’altra battaglia). Ancora oggi, non sono poche le “archistar” che faticano a capire che progettare non è - e non dovrebbe essere - un atto egoriferito, ma un processo collettivo orientato alla pluralità: un gesto di responsabilità, non di autoaffermazione. E che, più della destinazione finale e della firma, contano proprio il viaggio e le scelte che ne tracciano la direzione, segnando giorno dopo giorno le tappe di un complesso itinerario, fatto di relazioni e mediazioni.

Di questo, e di molto altro, ho parlato con Brady Corbet, regista di The Brutalist.

L’intervista a Brady Corbet

Brady Corbet è un regista, sceneggiatore e attore statunitense nato il 17 agosto 1988 a Scottsdale, in Arizona. Cresciuto in Colorado, ha iniziato la sua carriera artistica da bambino, recitando in film come Thirteen – 13 anni (2003) e Mysterious Skin (2004). Durante la sua carriera da attore, ha collaborato con registi di fama internazionale come Michael Haneke (Funny Games, 2007), Lars von Trier (Melancholia, 2011) e Olivier Assayas (Clouds of Sils Maria, 2014). Nel 2015, Corbet ha esordito alla regia con The Childhood of a Leader – L’infanzia di un capo, un dramma psicologico ambientato nel periodo post Primera Guerra Mondiale. Il film, interpretato da Bérénice Bejo e Robert Pattinson, ha ricevuto il Leone del Futuro e il Premio Orizzonti per la miglior regia alla Mostra del Cinema di Venezia. Nel 2018, ha diretto Vox Lux, un dramma musicale con Natalie Portman, che esplora la vita di una popstar emergente. Il film è stato presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia. Il suo ultimo lavoro, The Brutalist (2024), è un dramma psicologico ambientato nel mondo dell'architettura. Il film ha ricevuto il Leone d’argento per la miglior regia al Festival di Venezia, due Golden Globe (miglior film drammatico e miglior regista) e il BAFTA per la miglior regia. Corbet per questo film, come regista è stato anche candidato a tre premi Oscar: miglior film, miglior regia e miglior sceneggiatura originale. Oltre al cinema, Corbet ha realizzato il video Untitled (Hudson Yards) per il progetto Finite Rants della Fondazione Prada, un saggio visivo che esplora le implicazioni sociali ed economiche del controverso progetto di sviluppo urbano di New York.

M.C.V.: Come descriverebbe il suo cinema a qualcuno che non lo conosce?

B.C.: È molto difficile, c'è una famosa frase del regista Jafar Panahi di qualche anno fa che dice “se tu potessi descrivere un film sarebbe inutile doverlo girare”. Fino a questo momento, e non so se sarà così per sempre, direi che tutti i miei film - incluso il prossimo - hanno una “preoccupazione tematica” con la storia.

M.C.V.: In The Brutalist, l’architettura non è uno sfondo ma una presenza opprimente che influenza destini e plasma emozioni. Cosa l’ha spinta a scegliere il brutalismo come lente narrativa - più che stilistica - attraverso cui raccontare questa storia?

B.C.: Il film parla di immigrazione e riflettevo molto su come una comunità reagisca di fronte a qualcosa - o qualcuno - che le appare profondamente estraneo. La reazione più comune, in questi casi, è il rifiuto: ciò che è estraneo va abbattuto, oppure espulso. O, come accade in questo film, entrambe le cose. Ci sono poi anche motivazioni storiche: la vicenda è ambientata negli anni Cinquanta, periodo che coincide con la nascita del primo brutalismo in architettura. Mi è sembrata la giusta allegoria per raccontare questa storia.

M.C.V.: Pur trattandosi di un personaggio di finzione, la vicenda di László Tóth sembra richiamare quella di figure come Marcel Breuer: anche lui ungherese, modernista, emigrato. Quali architetti realmente esistiti sono stati di riferimento nella costruzione dell’identità, della psicologia, della visione del mondo del protagonista?

B.C.: Il personaggio è in realtà un’amalgama di molti architetti. Penso, ad esempio, a Marcel Breuer, a Paul Rudolph o a László Moholy-Nagy, ma in lui ce ne sono davvero tanti. Inoltre, sono cresciuto con un architetto in famiglia: mio zio ha vissuto con mia madre e me mentre studiava a Taliesin West, quando la scuola era diretta da Olgivanna Lazović, ormai vedova di Frank Lloyd Wright.

Tutti i miei film sono in un certo senso delle “storie virtuali”. I personaggi sono sempre fittizi perché, semplicemente, non sono molto interessato alle biografie. Le biografie seguono una struttura narrativa, ma raccontare davvero cosa si dicono, per esempio, un marito e una moglie a letto è impossibile. E io preferisco non fingere di saperlo. Mi sembra un “contratto” più onesto con lo spettatore.

M.C.V.: Nel 1972 un tale László Tóth, anch’egli ungherese, divenne noto alle cronache per aver danneggiato la Pietà di Michelangelo. Perché assegnare lo stesso nome al protagonista del suo film? È una semplice coincidenza?

B.C.: È una coincidenza fortunata (utilizza l’espressione “happy coincidence”, ndr.), ma resta una coincidenza. Dire László Tóth è come dire Jim Thompson in America. A Budapest tutti si chiamano László e Tóth.

M.C.V.: Nel film emerge un tema che, probabilmente, colpisce più gli architetti che il pubblico generalista: il distacco tra il protagonista e coloro che dovrebbero fruire delle sue opere. L’impressione è che The Brutalist privilegi un approccio autoriale, legato all’espressione individuale, piuttosto che l’architettura come servizio alla collettività. Nel suo lavoro, come concilia la propria visione personale con quella che potremmo chiamare una “responsabilità” nei confronti dello spettatore, intesa come attenzione al messaggio che si trasmette?

B.C.: Penso sia un mix delle due cose. E credo valga tanto per il personaggio quanto per qualsiasi artista che crea qualcosa. Anzi, per chiunque. Spesso mi chiedono quanto tenga in considerazione il pubblico mentre realizzo un film. La verità è che, da un lato, non puoi non pensarci: stai cercando di raccontare una storia in modo abbastanza chiaro da non risultare pedante, ma anche abbastanza aperto da lasciare tracce, indizi, che permettano allo spettatore di interpretarla a modo suo.
Dall’altro lato, però, non penso mai davvero al pubblico. Come potrei anticipare il giudizio di milioni di persone su ciò che faccio? Sarebbe una responsabilità immensa. E poi, insomma, non sono il presidente né il primo ministro di un paese (ride, ndr.). Non pretendo di sapere cosa sia meglio per tutti, né lo farò mai. Anzi, trovo piuttosto inquietante che qualcuno possa anche solo pensare di sapere cosa sia meglio per tutti. Io mi limito a fare il mio lavoro. È un’opera pubblica: le persone possono farne ciò che vogliono. Non sta a me dire loro come dovrebbero reagire.

M.C.V.: Capisco. Ma nel caso dell’architettura, costruire un edificio significa inevitabilmente imporlo agli altri: chiunque lo abiti, lo incontri o lo attraversi è costretto a farci i conti. Con un film è diverso: si può appunto scegliere di non guardarlo.

B.C.: Credo che una delle cose più sorprendenti dell’architettura contemporanea sia che gran parte di ciò che si costruisce oggi risulti esteticamente poco riuscito. Basta guardare Manhattan da Brooklyn o Brooklyn da Manhattan: lo skyline è sempre più caotico e privo di armonia. Il problema, in contesti come Manhattan, è che è molto difficile proporre qualcosa di radicalmente diverso. A differenza, ad esempio, del lavoro di Peter Zumthor, che si confronta con il contesto, lavora con i materiali del luogo e costruisce un dialogo con l’ambiente, in città come New York le possibilità sono limitate: i materiali dominanti sono cemento e vetro. E questo rende più complicato attingere a fonti creative alternative. Lo stesso accade a Londra: ogni volta che mi capita di attraversarla in auto, ho l’impressione che i nuovi edifici siano sempre più dissonanti, difficili da decifrare. È una questione complessa. Detto questo, sì, sono d’accordo: non può non esserci una responsabilità nel costruire, ma ho l’impressione che oggi non tutti la stiano prendendo sul serio. Molto spesso le scelte progettuali sono guidate dagli sviluppatori immobiliari, e in questo scenario la figura dell’architetto, il termine “architetto”, rischia di svuotarsi di significato.

M.C.V.: Nella sequenza finale vediamo l’architetto, ormai anziano e quasi assente, partecipare alla prima Biennale di Architettura di Venezia del 1980, The Presence of the Past. Non una biennale qualunque. Le immagini, filtrate dal tempo, sembrano riprese con una vecchia cinepresa. Che ruolo ha il cinema, secondo lei, nel modo in cui viene raccontata e percepita l’architettura?

B.C.: Sì, è vero. Per l’intera sequenza finale abbiamo alternato riprese in VistaVision a immagini girate con lo stesso tipo di macchina da presa usata per documentare quella mostra: delle videocamere Hi8 dei primi anni ’80. Le racconto un episodio curioso a riguardo: una delle prime recensioni statunitensi del film - pubblicata dopo la première a Venezia e le proiezioni per la stampa americana - era firmata da un critico che, con tono indignato, aveva dedicato due pagine a denunciare quella che credeva essere una mostra fittizia, intitolata The Presence of the Past, inventata ad arte per sostenere la tesi del film e rafforzarne il messaggio. Il nostro ufficio stampa ha dovuto contattarlo per spiegargli che si trattava, ovviamente, della ricostruzione di un evento reale, tenutosi davvero.

L’unica vera licenza creativa che ci siamo concessi riguarda il contenuto della mostra: quella Biennale, infatti, era dedicata al postmodernismo, e l’opera del protagonista non vi avrebbe trovato spazio. È stato l’unico vero “salto cinematografico” che ci siamo permessi di fare. Per quanto indubbiamente significativa e affascinante, The Presence of the Past era piuttosto discutibile sul piano delle opere esposte (si riferisce all’estetica posmodern, ndr.). Abbiamo quindi cercato di ricreare proprio quell’atmosfera un po’ kitsch (utilizza l’espressione “tacky sort of feeling”, ndr.) nella sala principale: quando la nipote di Tóth è sul palco, nella scena finale, è circondata da colonne neoclassiche dipinte di verde acqua e altri colori improbabili.

Ci sono pochissimi buoni film sull’architettura, e il motivo è semplice: l’architettura è inanimata, non si muove. È molto difficile renderla cinematograficamente interessante. Personalmente, adoro il documentario realizzato dal regista giapponese Hiroshi Teshigahara su Antoni Gaudí (è del 1984, si può guardare qui ndr.). Trovo sia un lavoro davvero straordinario, ma esempi di questo livello sono davvero rari.

M.C.V.: Chiudo chiedendole se le piace la storia dell’architettura, se ha interesse per i grandi architetti. Mi ha parlato di Taliesin, quindi immagino sia qualcosa che ha vissuto in prima persona, non una scoperta recente.

B.C.: Sì, esatto. Non è una novità per me: del resto, sono cresciuto frequentando Taliesin fin da piccolo.

M.C.V.: Una grande fortuna! L’architettura sarà presente anche nel suo prossimo film? Non necessariamente come “main character”, ma magari come sfondo forte e riconoscibile …

B.C.: Il mio prossimo film sarà interamente analogico (circa il 90% del girato sarà su pellicola da 65 mm). Sarà ambientato negli anni ’70, in una casa in stile César Manrique, o qualcosa di simile. Ma dipenderà da quello che riusciremo a trovare, perché non posso permettermi di costruirla da zero: sarebbe troppo costoso. Sto cercando di non essere troppo rigido con la produzione riguardo allo stile dell’abitazione, ma mi piacerebbe davvero evocare la fine degli anni ’60 e ’70, con quelle scale ellittiche così caratteristiche dell’epoca. Vedremo!

milanodascoprire

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Un cenno alla storia del Cinema Arlecchino, per chi non la conoscesse già.

Inaugurato nel 1948, lo storico monosala fu progettato dagli architetti Roberto Menghi e Mario Righini. Legato da sempre all’arte e al design meneghino, deve il suo nome al celebre mosaico realizzato da Lucio Fontana, autore anche del fregio in terracotta un tempo collocato sotto lo schermo. Oggi, nel foyer sono visibili i pannelli d’epoca di Piero Fornasetti sulla Scuola degli Arlecchini e all’ingresso è presente un arlecchino in ceramica realizzato da Ugo La Pietra. Purtroppo le due opere di Fontana (un mosaico e un fregio in terracotta), originariamente realizzate per la sala, non sono più presenti. Da maggio 2022, Cineteca Milano ne gestisce la conduzione offrendo un programma che include prime visioni, rassegne e festival internazionali.

Cineteca Milano Arlecchino
Via San Pietro all’Orto, 9 – 20121 Milano
www.cinetecamilano.it
@cinetecamilano

La lunga storia di GEZE include anche un curioso capitolo legato agli sport invernali: all’inizio del XX secolo, infatti, l’azienda iniziò a produrre attacchi da sci e nel 1936 alcuni atleti vinsero le Olimpiadi proprio con i “Kandahar” di GEZE; tuttavia, a partire dagli anni ’80, si è progressivamente ritirata da questo mercato concentrandosi esclusivamente sulle tecnologie a servizio dell’edilizia e soluzioni smart.

💬 Ospite della puntata

Alberto Rossi, Specifier presso GEZE Iitalia. Con un’esperienza maturata in più di 30 anni di lavoro sul campo, in diversi settori commerciali, collabora a stretto contatto con progettisti e professionisti, nonché costruttori e investitori che necessitano di capitolati tecnici, stime economiche e rispondenze a normative di riferimento per l’impiego di porte automatiche nei settori Retail, ospedaliero, trasporti, alberghiero, uffici ed edifici pubblici.

🏗 Edifici menzionati

L’Unipol Tower Group Headquarters, Milano - Mario Cucinella Architects, per il quale GEZE ha installato 3 porte girevoli tutto vetro in collaborazione con la società Yuanda Italy.

ℹ️ Per saperne di più

Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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A seguire i progetti menzionati nel corso di questa puntata-intervista a Patricia Viel, co-founder dello studio.

1221 Avenue of the Americas public plaza, New York. Come nuovo spazio condiviso e dinamico, la piazza pubblica di Rockefeller Group al 1221 Avenue of the Americas, a New York, funge da porta d’accesso a spazi commerciali, esperienze gastronomiche e attività culturali. Al margine del Theater District di Manhattan, a pochi isolati da Central Park, l’intervento comprende la riqualificazione di due aree interconnesse: la parte sopraelevata dell’East Plaza e la Concourse Plaza situata al livello inferiore. Un’ampia scalinata collega i due livelli, offrendo uno spazio all’aperto che arricchisce l’esperienza urbana di chi visita o lavora nella zona. I nuovi spazi commerciali e il miglioramento degli accessi stradali e alla metropolitana trasformano questo tratto di città in una vera e propria destinazione.

A2A Headqurters, Milano. La nuova sede della multiutility italiana A2A rappresenta un importante intervento di rigenerazione urbana, composto da una nuova torre alta 144 metri e dal riuso adattivo degli edifici esistenti dell’azienda, reinterpretati secondo un approccio progettuale contemporaneo. Il progetto darà vita a spazi di lavoro capaci di adattarsi alle esigenze in continua evoluzione delle persone, contribuendo al contempo a rivitalizzare il tessuto urbano locale con 6.320 mq di nuove aree verdi pubbliche. Il nuovo edificio in altezza ospiterà 1.500 persone in spazi flessibili, completati da un cortile verde condiviso con gli edifici esistenti, che verranno riqualificati. Verticalmente, la torre si articola in due blocchi di piani ufficio, suddivisi da un ampio atrio d’ingresso al piano terra, dallo Sky Garden a metà altezza e dal Belvedere in sommità, che offrirà viste panoramiche su Milano.

Nuovi sviluppi urbani a Taichung, Taiwan. Situato nel vivace 7° Distretto di Taichung, il Lian Palace sorge accanto all’iconica Taichung Metropolitan Opera House e si affaccia sull’ampio Charlotte Park. In fase di progettazione della torre residenziale di 39 piani, ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel ha ridefinito l’identità dell’area introducendo un nuovo volume verticale che crea continuità nel paesaggio urbano. Al piano terra, la torre alta 160 metri ospiterà una serie di spazi comuni impreziositi da pregiati marmi italiani e opere d’arte: reception, lobby, bar, biblioteca e una palestra all’avanguardia. I piani residenziali accoglieranno due unità da 110 metri quadrati ciascuna, con ampi balconi verdi che richiamano il carattere naturale di Charlotte Park. Oltre a offrire spazi esterni sostenibili e affacci panoramici sulla città, i balconi donano una qualità morbida e dinamica al volume dell’edificio. La loro disposizione alternata crea una facciata originale, con rettangoli orizzontali che disegnano la cornice dei terrazzi.

Situato nello stesso 7° Distretto in rapida espansione, La Bella Vita unisce l’arte del vivere bene alla sostenibilità sociale, promuovendo relazioni armoniose con il contesto urbano e incentivando l’interazione tra le persone. Ispirato a un approccio italiano contaminato da influenze orientali, il grattacielo da 33.000 mq si distingue per i suoi volumi apparentemente disgiunti ma complementari: i quattro inferiori, composti da balconi impilati, evocano la matericità delle formazioni rocciose terrestri; il più alto (37 piani avvolti da una struttura a nido d’ape che filtra luce e riflessi) ha una tonalità ambrata e collega visivamente tutti gli altri corpi edilizi. Gli appartamenti, curati nei minimi dettagli, sono concepiti come spazi scultorei e flessibili, arredati con materiali e mobili di alta qualità.

Treasure Garden, sempre presso il 7° Distretto di Taichung, è infine una slanciata torre residenziale che, grazie all’orientamento architettonico originale, si apre verso il parco adiacente, regalando agli interni eleganti delle residenze ampie viste panoramiche sulla città. L’edificio introduce una nuova presenza architettonica e urbana, ispirata alle geometrie raffinate dell’architetto e designer italiano Gio Ponti. A differenza degli edifici circostanti, non si configura come una serie di volumi impilati, ma come un insieme di superfici leggere e sottili che accolgono funzioni residenziali, spazi pubblici, terrazze e paesaggio. La facciata e gli interni del Treasure Garden si distinguono per un’eleganza geometrica e flessibile, mentre il progetto paesaggistico definisce accessi ben riconoscibili, marcati da alberature selezionate che scandiscono l’ingresso pedonale e carrabile.

The Sky Taipei è una torre a uso misto a vocazione alberghiera situata nel centro di Taipei, Taiwan. Nel distretto di Xinyi, noto per il suo rapido sviluppo urbano, questo grattacielo si appresta a diventare un nuovo punto di riferimento e una destinazione di respiro internazionale. Il design dell’edificio riflette l’equilibrio unico tra modernità e tradizione che caratterizza Taiwan. I livelli inferiori della torre ospiteranno spazi commerciali, ristoranti e un centro per spettacoli, da cui si accede a due hotel: l’Andaz Taipei e il Park Hyatt Taipei, i cui interni sono firmati da ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel. Ispirato ai germogli di bambù locali e alle scanalature delle colonne greche — tra i più antichi elementi delle culture orientale e occidentale — The Sky Taipei si presenta come un grattacielo dalla bellezza armoniosa e inedita. La torre arricchirà lo skyline urbano con il suo profilo scintillante, mentre la base offrirà uno spazio pubblico accogliente e multifunzionale. L’edificio si candida a diventare un simbolo di innovazione, efficienza e sostenibilità per il Paese.

ENEL Headquarters, Roma. La ristrutturazione della sede Enel, situata in Viale Regina Margherita a Roma, punta a migliorare il benessere delle persone attraverso spazi di lavoro moderni e confortevoli, pensati per un’organizzazione più agile. L’intervento, che interessa un edificio di 80.000 mq, si ispira al concetto di Building-as-a-City sviluppato da ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel, riproducendo la complessità di un ambiente urbano per rispondere alle esigenze quotidiane, con servizi pensati per accompagnare l’intera giornata lavorativa: alla presenza di asilo nido, mensa e auditorium, si aggiunge una nuova palestra. Il progetto alterna spazi di smart working ad ampie aree verdi, sia interne che esterne, dove i dipendenti possono concedersi una passeggiata in un contesto rilassante. La facciata ad alte prestazioni garantisce efficienza energetica e comfort termico all’interno dell’edificio. Per l’attenzione alla sostenibilità ambientale e sociale, la nuova sede Enel è destinata a ottenere le certificazioni LEED e WELL di livello Gold.

Qui un approfondimento sul tema della progettazione biofilica.

💬 Ospite della puntata

Patricia Viel, Co-founder ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel.
Architetto di origine francese, si è laureata in Architettura al Politecnico di Milano nel 1987 e ha iniziato la sua collaborazione con Antonio Citterio nel 1986. Nel 2000 è entrata a far parte dello studio di interior design e architettura “Antonio Citterio and Partners”, assumendo la direzione della progettazione architettonica, con particolare attenzione all’integrazione dell’architettura nel paesaggio urbano. In qualità di co-founder di ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel, segue progetti di architettura e interior design, partecipando attivamente anche alla gestione dello studio. È stata membro del Board of Advisors dell’Istituto Nazionale di Architettura (InArch), a Milano. Oltre al lavoro in studio, Patricia partecipa come relatrice a tavole rotonde e conferenze internazionali.

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Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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Con la realizzazione del progetto La Forgiatura a Milano lo studio si impone all’attenzione nazionale ed internazionale: un progetto dalle dimensioni notevoli, sviluppato su una superficie di circa 30.000 mq. Oggi, il complesso de La Forgiatura, ampliato successivamente con l’aggiunta della sede di Econocom, è sicuramente una delle architetture più interessanti di tutta l’area milanese e vero esempio di rigenerazione urbana ed è considerato il progetto che ha dato il via alla creazione del dinamico Milano Certosa District.

Nel 2023 conclude con successo la rigenerazione urbana di via Varesina 204 a Milano, oggi sede Beko Europe, contribuendo allo sviluppo del nuovo distretto polifunzionale rigenerando un edificio insieme allo spazio urbano e adattandolo alle nuove esigenze dei cittadini. Questa ultima realizzazione nasce con l’obiettivo di rigenerare un edificio insieme allo spazio urbano che lo circonda in un perfetto dialogo tra l’importante pre-esistenza architettonica e le aggiornate esigenze di chi vive la città, tra spazio pubblico e spazio privato.

Tra gli altri progetti realizzati negli anni spiccano l’Arcadia Center, l’attuale headquarter di Volkswagen Leasing GmbH e Volkswagen Bank GmbH che sorge in via Grosio nella zona Gallaratese a Milano. Sviluppato in tecnologia BIM e dotato della certificazione LEED Gold per il basso impatto ambientale è uno tra i più significativi interventi di rigenerazione urbana che caratterizzano l’incessante processo di riqualificazione dell’area Nord Milano di questi ultimi anni.

Il “Refettorio”, a Venezia, è invece un progetto che si sviluppa quasi come una ricerca metafisica, un’indagine profonda sull’essere umano. Un ristorante d’eccellenza dove lo studio di Giuseppe Tortato si è occupato dell’interior design dell’intero locale, ideato e allestito con materiali ricchi di storia e totalmente custom made grazie ad una importante ricerca di forme e materiali con forti richiami storici alle architetture di Carlo Scarpa.

AB Medica Headquarters, sede della omonima azienda attiva nell’innovazione tecnologica in sanità a Cerro Maggiore (MI), è un edificio-landmark che coniuga gli aspetti funzionali e simbolici espressi dalla società committente, alla volontà di demarcazione e qualificazione di un contesto periurbano affiancato dal tratto autostradale della Milano-Varese. Un edificio “veloce” e funzionale ma al tempo stesso rappresentativo, nelle sue forme, delle attività che contiene e dell’azienda che racconta. Qui il libro dedicato a questo intervento.

Oggetto della puntata anche l’esperienza attualmente in corso a Lagos, in Nigeria, dove lo studio sta costruendo le torri residenziali Bourdillon 6 e Alexander Ave 11. I due edifici, alti rispettivamente 24 e 17 piani e nettamente diversi per linguaggio architettonico (il primo ha un profilo lineare il secondo sinuoso), integrano numerosi servizi e infrastrutture tecnologiche, dagli impianti di generazione autonoma ai parcheggi interrati, fino a interi livelli dedicati ad attività comuni per i residenti.

💬 Ospiti della puntata

Giuseppe Tortato, Architetto e Fondatore dello studio milanese Giuseppe Tortato Architetti. Nato a Venezia nel 1967 e laureatosi al Politecnico di Milano, si trasferisce al termine degli studi ad Amherst, nel Massachusetts, dove collabora con un allievo di Paolo Soleri alla realizzazione di edifici pubblici e privati secondo i principi dell’architettura bioclimatica. Rientrato a Milano, dopo un paio d’anni di collaborazione con Dante O. Benini, si associa allo studio Milano Layout fino a diventarne co-titolare; nei primi dieci anni del duemila è stato l’ideatore di importanti progetti in ambito Real Estate, dedicandosi alla progettazione di nuovi complessi edilizi e alla rigenerazione urbana. Nel 2012 fonda Polisfluxa Srl e Giuseppe Tortato Architetti, “nuovi contenitori” con cui proseguire la propria attività professionale, dedicandosi con un approccio multidisciplinare e ugualmente “sartoriale” a progetti di architettura ed interior design, per una committenza italiana e straniera sia corporate che privata. L’approccio alla progettazione nasce dalla ricerca sui temi dell’esperienza sensoriale e della sostenibilità, ponendo l’uomo e la natura come elementi centrali attorno ai quali sviluppare la propria architettura, portando gli elementi naturali all’interno degli spazi progettati. Attualmente, supportato da un team multidisciplinare di professionisti, svolge un’attività di ricerca e progettazione a livello nazionale ed internazionale nei settori terziario, residenziale, retail ed interior design.

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Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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📚 Libri di architettura

La costruzione del potere.
Perché l'architettura fascista non esiste

Di Gianni Biondillo, Marsilio Nodi, 2025 | €19,00 (€12,00 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

Uno sguardo nuovo, personale e politico, su qualcosa apparentemente sotto gli occhi di tutti, ma di cui, man mano che ci si avvicina, sfugge sempre l’essenza: l’architettura fascista. In questo enorme calderone infatti oggi rischia di rientrare di tutto. Come raccontare quel periodo senza cadere preda di banalizzazioni e pregiudizi? L’autore si addentra nelle vicende dell’epoca, segue carriere e destini di architetti, ricercatori, critici, designer, ingegneri, per lo più conosciuti solo agli addetti ai lavori. Da Roma a Milano, da Bolzano ad Asmara, da Como alle città dell’agro pontino, esplora tutti i risvolti di una foga edificatoria che ci ha consegnato un lascito enorme e problematico. Smontando i luoghi comuni e avanzando tesi spiazzanti, Biondillo racconta, con la competenza del saggista e la passione del romanziere, lo scontro generazionale tra i bolsi «accademici», sostenitori del monumentalismo, e la nuova generazione indomita dei talentuosi razionalisti.

Architettura Open Source reloaded.
Verso una progettazione aperta

Di Carlo Ratti, Einaudi Vele, 2025 | €13,00 (€6,00 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

Nel Novecento, l’architettura è stata spesso associata alla figura dell’architetto-eroe, capace di plasmare da solo intere città e stili di vita. Oggi, però, viviamo un momento di profonda trasformazione: l’approccio collaborativo sta riemergendo con forza. Con questa nuova edizione Reloaded del suo seminale testo Architettura Open Source Carlo Ratti – curatore della Biennale Architettura 2025 – propone una riflessione sul dialogo tra sistemi naturali e artificiali, esplorando i processi di co-evoluzione e adattamento che collegano l’Architettura Open Source ai meccanismi sia del mondo naturale, sia dell’Intelligenza Artificiale. È una rivoluzione che ci riguarda, ancora.

In cammino.
Viaggio nelle abbazie che raccontano il nostro futuro

Di Livia Pomodoro, Marsilio Specchi, 2025 | €18,00 (€12,00 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

Le abbazie e i monasteri che costellano l’Italia e l’Europa non rappresentano soltanto le vestigia di un glorioso passato. Sono spazi vivi, carichi di memoria e di futuro, in cui la storia ha lasciato tracce feconde, ancora in grado di suggerire modelli, ispirare gesti, sollecitare nuove visioni. È da questa intuizione che prende forma il viaggio qui narrato, un pellegrinaggio laico tra edifici e paesaggi, tra simboli e consuetudini, alla ricerca di ciò che rende attuali queste presenze secolari. Sotto la guida preziosa di Livia Pomodoro, seguiamo le orme dei viandanti che lungo le strade d’Europa si imbattevano in queste meraviglie: dal coro di Canterbury alla biblioteca di San Gallo, in Svizzera, da Orval e Scourmont, in Belgio, alle due Chiaravalle italiane, dall’hortulus di Fulda, in Germania, alle api di Morimondo, da Notre-Dame di Cîteaux, culla d’origine dei cistercensi, a Santa Maria di Follina, tra le colline trevigiane, dall’«abbazia verde» di Plankstetten, in Baviera, alla certosa di San Lorenzo di Padula e a Cisternino, nel Sud d’Italia.

La Gae. Gae Aulenti (1927-2012)

Di Giovanni Agosti, Electa, 2025 | €105,00
Copertina flessibile - Ediz. illustrata | Lingua italiana

La monografia, che nasce dall’esperienza della mostra tenutasi tra il 2024 e il 2025 presso Triennale Milano, è un ritratto inedito e sorprendente di Gae Aulenti (1927-2012). La mostra e il libro sono state realizzati in collaborazione con Archivio Gae Aulenti. La spina dorsale è costituita da una cronologia, che dal 1927 al 2012 segue l’architetto in un intreccio ininterrotto di testimonianze dove la vita personale e quella professionale sono inestricabilmente connesse. Il testo è affiancato, pagina dopo pagina, da un’iconografia totalmente rinnovata, la cui sequenza segue passo passo il filo delle parole, l’entrata in scena dei progetti, il farsi e disfarsi degli spettacoli, l’aprirsi e il chiudersi dei cantieri. Gli accostamenti alla protagonista cambiano nel corso delle pagine: ai primi piani si alternano scene di massa, dove lei è solo un elemento; alle zoomate fanno seguito i voli d’uccello, cosicché la maglia cronologica perde la sua rigidità e lascia il posto ad approfondimenti. Non mancano una cronologia degli scritti dell’architetto e un regesto degli oltre ottocento progetti.

Filippo Taidelli. Architetture scelte 2012-2024

A cura di Alessandro Benetti, Forma edizioni, 2025 | €20,00
Copertina flessibile | Lingua italiana e inglese

In un’epoca di grandi sfide sociali in cui in cui la sostenibilità è spesso ridotta a numeri e prestazioni, l’architettura si interroga sul proprio senso profondo: prendersi cura delle persone attraverso la qualità dello spazio. Nasce da questa riflessione la monografia dedicata all’Architetto Filippo Taidelli e ai progetti dello studio FTA, pubblicata all'interno della collana Progressive. Sezioni sull’architettura italiana di Forma Edizioni. Un viaggio per immagini tra ospedali, campus e residenze pensati per rigenerare corpo e mente. Sono healthy building: spazi empatici e contemporanei, capaci di mettere al centro l’essere umano. In dialogo con l’autore, nomi di riferimento del mondo dell’architettura, accademico e dell’editoria come Luca Molinari, Laura Andreini, Alessandro Benetti, Maurizio Carones e l’artista Adrian Paci.

Riabitare Roma-Revivre Rome.
Palazzina LIVE

A cura di It's Architettura, Fotografie di Francesca Iovene, LetteraVentidue, 2025 | €25,00 | Copertina rigida - Ediz. illustrata | Lingua italiana e francese

Partendo dal progetto per la palazzina LIVE, una nuova architettura residenziale all’EUR, lo studio IT’S attraversa la città e il quartiere con le parole di diversi autori e lo sguardo fotografico di Francesca Iovene, per ricostruire un ritratto contemporaneo di Roma e del suo portato di città moderna sullo sfondo di un paesaggio urbano, metafisico e naturale che diventa un’inedita declinazione per riabitare Roma.

Il disastro urbano e la crisi dell’arte contemporanea

Di Serge Latouche, Elèuthera, 2025 | €13,30 (€6,99 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

In questa riflessione a tutto campo che riprende le considerazioni su arte e società di molti precursori della decrescita come Baudrillard o Castoriadis, Latouche analizza in parallelo il disastro urbano e l’insignificanza dell’arte, ripercorrendo le tappe di un declino che ha le medesime origini. Con la cosiddetta globalizzazione si è infatti assistito a una esplosione dell’urbano che è andata di pari passo con una omnimercificazione del mondo. Tutto è diventato commerciabile, persino il corpo umano, il sangue, i geni. Si è passati da una società che ha un mercato a una società di mercato, da una società che ha una crescita a una società di crescita che con la sua pervasiva artificializzazione della vita lacera il territorio, divora lo spazio, rode il senso dei luoghi, disintegra il tessuto sociale. È stata così distrutta ogni capacità di meravigliarsi, a favore di quella replica infinita dello stesso che è il segno distintivo dell’arte contemporanea. Ed è qui che il progetto della decrescita, con i suoi valori etici ed estetici, può fornire gli strumenti – e l’immaginario – per ricostruire non solo il tessuto locale e urbano, ma anche il senso del bello. E re-incantare il mondo.

Frei Otto: Building with nature

Di Joaqun Medina Warmburg e Anna Maria Meister, Prestel Publishing, 2025 | €56,00 | Copertina rigida - Ediz. illustrata | Lingua inglese

Pubblicata in occasione del centenario dalla nascita, questa monografia illustrata rende omaggio alla carriera di Frei Otto, tra i più influenti architetti del Novecento. Il volume, frutto di ricerche recenti e dell’accesso esclusivo a materiali d’archivio, ripercorre le tappe fondamentali del suo lavoro pionieristico: dalle strutture leggere e autoportanti all’applicazione di principi biologici all’architettura, fino all’utilizzo di materiali sperimentali e tecniche costruttive non convenzionali. Attraverso saggi critici e una selezione tematica delle sue opere principali, il libro racconta come Otto abbia anticipato l’architettura sostenibile, tracciando una via verso edifici efficienti, armoniosi e in dialogo con la natura. A completare il volume, un ricco apparato iconografico.

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Libri che mettono in discussione tutto: capitale, patriarcato, dominio. Ne scrive Elide Pantoli, fondatrice del progetto Modern Cinderellas Italia e autrice del libro Cenerentole Moderne, per chi sogna la liberazione totale.

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Novità! Da aprile ho iniziato una collaborazione con la rivista online Geopop.it. Nei miei articoli - che trovate qui o direttamente sul mio sito - trovate approfondimenti a tema architettura e ingegneria, storie di edifici e curiosità, oltre a fenomeni socio-culturali e altri argomenti correlati che vale la pena esplorare. Qui sotto trovate i primi pezzi pubblicati.

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La Schindler House, la ‘prima casa moderna’ dove visse anche Richard Neutra su Living.Corriere.it

Esperimento di shared living e fucina del modernismo californiano, la casa di Kings Road a West Hollywood fu teatro della breve e turbolenta collaborazione (e convivenza) tra Rudolph Schindler e il grande architetto viennese

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🎧 Ultimi episodi del podcast

Torna Dannati Architetti Speciale Tall Buildings, serie di episodi realizzata in collaborazione con la società di ricerca Guamari. Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale. Ecco le prime due puntate della seconda stagione.

💬 Ospiti della puntata

Alessandro Sudati, ingegnere e amministratore delegato di Conteco Check. Esperto in Project e Construction Management, con esperienza ultradecennale si occupa della definizione e del raggiungimento degli obiettivi strategici aziendali e del rapporto con i clienti in Italia e all’estero.

🏗 Edifici trattati

Torre Libeskind a Milano CityLife

Torri Garibaldi a Milano

Torre Intesa Sanpaolo a Torino

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Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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💬 Ospiti della puntata

Aldo Norsa, direttore scientifico di Guamari. Già professore ordinario di Tecnologia dell’architettura all’Università IUAV di Venezia, è esperto del processo e dell’industria edilizia, editorialista/pubblicista in Italia e all’estero.

Dario Trabucco, advisor scientifico di Guamari. Professore associato di Tecnologia dell’Architettura all’Università IUAV di Venezia, è research manager del CTBUH (Cuncil on Tall Buildings and Urban Habitat).

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📚 Libri di architettura

American Icons. Volume 2
The futurability of cultural places

Di gestalten & Sam Lubell, Gestalten, 2025 | €60,00
Copertina rigida | Lingua inglese

Dopo il successo del primo volume, Gestalten torna con American icons, “coffe table book” da più di 300 pagine in uscita il 29 aprile e disponibile in preorder. Il libro raccoglie 80 progetti emblematici, raccontati attraverso fotografie d’autore e approfonditi da quattro saggi dedicati all’International Style e al modernismo della metà del secolo. Imperdibile per chi, come me, ama l’architettura americana e ha un tavolino in salotto da riempire :)

Gulliver alla ricerca di Lilliput
La dimensione ibrida dell’architettura

Di Roberta Gironi, Quodlibet, 2025 | €18,00
Brossura | Lingua italiana

A distanza di vent’anni, il concetto di bigness sembra entrare in crisi in corrispondenza con la depressione economica dei primi anni del nuovo millennio. Le opere contemporanee svelano l’intenzione di declinare l’insegnamento della bigness a una scala più piccola, per così dire della smallness, concepita come reintegrazione delle opere nel contesto e come capacità dell’architettura di costituirsi come sistema relazionale. Il testo apre una riflessione sul binomio grande-piccolo, analizzando le trasformazioni che si registrano nella produzione contemporanea attraverso una lettura delle relazioni che l’architettura instaura con le discipline del paesaggio e delle infrastrutture, ampliando i suoi confini disciplinari.

Il nuovo brutalismo
Etica o estetica?

Di Reyner Banham. A cura di Guglielmo Bilancioni, Simona Pareschi, Pendragon, 2025 | €40,00
Brossura | Lingua italiana

Se Reyner Banham è il più “rock” degli storici, Il Nuovo Brutalismo è il più “hard” dei suoi libri: dove la materia che in esso risuona – si tratti di cemento, metallo o mattone – è sempre e comunque trattata con la massima sincerità e onestà. È questo il tratto distintivo di un movimento che è emerso dalla crisi dell’architettura moderna degli anni ’50 come un fondamentale messaggio etico, piuttosto che semplicemente estetico. Un messaggio che oggi, in un momento in cui il Brutalismo conosce un’inedita popolarità, torna a farci da monito attraverso il libro che meglio e più di ogni altro ne ha fatto la storia.

Vite stravaganti di architetti

Di Manuel Orazi, Giometti & Antonello, 2025 | €17,00
Brossura | Lingua italiana

Anche la stravaganza esistenziale, quando il mondo sembra sconvolto da epocali mutazioni naturali, economiche e geopolitiche, può aprire all’architettura una strada da percorrere per reagire all’impatto vorace di altre discipline. Ecco dunque quarantuno biografie di architetti che proprio nella divagazione e nell’ars combinatoria hanno trovato nel corso dei secoli le risorse per ideare e modulare concetti in grado di dare nuova vita all’antica arte dell’architettura, riconducendo la disciplina alla sua funzione essenziale di vettore della modernità. E del moderno in architettura queste quarantuno vite sono un piccolo compendio, libero dall’ossessione per la rilevanza, eccentrico alla tirannia dell’opera, nella consapevolezza che, come ha scritto Bruno Pedretti, «il laboratorio delle vite, anche nelle sue zone d’ombra private, va avanzando sempre più crediti nei confronti delle opere finali». Da Francesco di Giorgio a Frank O. Gehry, da Jean-Jacques Lequeu a Italo Rota, una galleria di ritratti che rende omaggio allo scarto, al sentiero non tracciato.

Ukrainian Modernism

Di Dmytro Soloviov, FUEL Publishing, 2025 | €37,00
Copertina rigida | Lingua inglese

Dagli edifici più noti, come il Crematorio di Kyiv e l’Hotel Salut, sino a strutture finora mai documentate, come il terminal dell’aeroporto di Uzhhorod o la stazione di polizia di Novoarkhanhelsk, il fotografo e guida turistica di architettura Dmytro Soloviov ha percorso la sua Ucraina natale immortalando esterni, interni e opere monumentali che brillano per la straordinaria sintesi di funzionalità, estetica d’avanguardia e ingegnosità progettuale. In un momento in cui l’attenzione del Paese è comprensibilmente rivolta a ben altre urgenze, il suo lavoro restituisce visibilità e dignità al Modernismo ucraino, uno dei periodi più trascurati dell’architettura sovietica, nel tentativo di lasciare una testimonianza preziosa e di salvaguardare un patrimonio in via di estinzione. Il volume, in uscita il 24 aprile, introdotto dal celebre critico Owen Hatherley e accompagnato da un repertorio di immagini d’epoca, raccoglie oltre 120 edifici in 240 pagine.

Museum Seed
The futurability of cultural places

Di Ico Migliore e Mara Servetto, Electa, 2024 | €29,00
Brossura | Lingua italiana e inglese

lo studio Migliore+Servetto distilla anni di ricerca e progettazione per proporre una nuova visione degli spazi culturali. Attraverso il concetto di “seme”, il museo viene interpretato come un organismo vivo, in continua evoluzione, capace di germogliare in forme inedite di accessibilità, inclusione e partecipazione. Il volume raccoglie le riflessioni di quindici protagonisti del mondo della cultura - tra cui direttori, curatori, collezionisti, accademici, architetti, designer e psicologi - offrendo un dialogo corale sul futuro dell’architettura e del design degli interni per i luoghi della cultura. Completano il libro immagini di musei e installazioni firmati dallo studio a livello internazionale, oltre al racconto del convegno “Museum Seed: the Futurability of Cultural Places”, tenutosi a Seoul nel 2023. Una tappa importante di una ricerca che guarda avanti, tra tecnologia, neuroscienze e intelligenza artificiale.

Ignazio Gardella
Persistenza dell'architettura

Di Claudia Cavallo, Mimesis, 2025 | €35,00
Brossura | Lingua italiana

Un’indagine sull’architettura di Ignazio Gardella che mette in luce la sua capacità di dialogare con il contesto esistente attraverso una progettualità sensibile e relazionale. Con uno sguardo angolato che esplora, attraverso alcune opere, il rapporto che l’architettura instaura con il mondo circostante, Claudia Cavallo restituisce l’immagine di una architetto che non ha mai teorizzato in modo sistematico, ma ha espresso i suoi principi attraverso edifici che comunicano e si inseriscono nel costruito con consapevolezza e misura, per vocazione dialettica. Il testo segue un percorso che va dalla scala urbana agli interni, rivelando processi creativi, incertezze, invenzioni e riflessioni intime. L’architettura emerge così come esperienza emotiva e non puramente razionale, capace di rispondere a bisogni profondi. In questo ritratto sfaccettato, Gardella appare come figura complessa, antidogmatica e ancora attuale per la sua capacità di dare forma a un’architettura profondamente umana.

Architettura tre cinema e letteratura

Di Gianfranco Guaragna, Il Prato, 2025 | €15,00
Brossura | Lingua italiana

Com’è noto, esiste uno stretto legame tra cinema e architettura, così come tra cinema e letteratura, tuttavia, in tale contesto l’architettura occupa sicuramente un ruolo centrale. Detto in altri termini, il rapporto tra cinema e letteratura, difficilmente può ignorare il ruolo di cerniera che l’architettura viene ad assumere in questa triade, poiché il legame tra il film e il romanzo, sicuramente non può prescindere da essa. Sappiamo che lo scenario è ciò che di solito consente alle storie di avere uno svolgimento, e il rapporto tra scenario e azione è stretto quanto quello tra palcoscenico e opera teatrale, scrive Amitav Gosh. Di conseguenza, che sia descritta nelle pagine di un libro o ripresa nelle sequenze di una pellicola, l’architettura, in quanto scenario per eccellenza, rappresenta senza dubbio un elemento indispensabile alla narrazione. Infatti, quando il racconto ci viene restituito attraverso la tecnica cinematografica, mostra in tutta la sua evidenza come essa rivesta oggettivamente un ruolo assolutamente inderogabile.

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“Un'architettura che spalanca le pareti verso il sole, il verde, la luce, la natura". A Como, il 22 e 23 marzo, un'occasione unica per riscoprire uno dei capolavori del progettista che superò i confini del Razionalismo

Nella collina, sulla collina. Le case di Innocenzo Prezzavento su Living.Corriere.it

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🎧 Ultimi episodi del podcast

Il nuovo format “Talk” del podcast Dannati Architetti si avvia alla sua terza puntata, in uscita a inizio maggio. Dopo i primi due episodi, che hanno inaugurato questa serie di “chiacchierate biografiche”, tra riflessioni personali, scelte progettuali e traiettorie professionali, la rubrica continua a crescere e a suscitare interesse.
Di seguito, le prime due puntate da (ri)ascoltare.

Lo confesso: ho un debole per le chiese brutaliste - quei santuari imponenti in cemento grezzo che molti trovano brutti, spiazzanti, difficili da amare - e per tutte quelle architetture sacre un po’ strane ed eccentriche, ancor meglio se dimenticate o mai entrate nei radar della critica. Mi affascinano perché, pur così lontane dall’immaginario canonico del luogo di culto, riescono a raccontare storie complesse fatte di materia, luce e tensione spirituale. Alcune ricordano bunker, altre somigliano ad astronavi atterrate nel cuore di un quartiere qualunque, altre ancora sono dei veri e propri esperimenti scultorei. Eppure in ciascuna, si respira - in modo sempre diverso e soggettivo - il tentativo di dare forma all’invisibile. Il Concilio Vaticano II (1962–1965) ha rappresentato una svolta epocale per l’architettura sacra, cambiando radicalmente il modo di concepire lo spazio liturgico. Le riforme introdotte in quegli anni hanno promosso una visione più partecipativa del culto: l’altare si è avvicinato all’assemblea, la comunità è diventata protagonista, lo spazio non più solo da contemplare ma da abitare. Per gli architetti è stata un’occasione d’oro per esplorare nuove forme, materiali e linguaggi, liberati dai vincoli formali della tradizione. Alcuni si sono spinti verso il brutalismo, modellando chiese come masse scolpite in cemento grezzo e geometrie ardite, altri hanno esplorato soluzioni espressioniste, organiche moderniste … dimostrando che la spiritualità può manifestarsi anche attraverso superfici spoglie in acciaio e cemento, e che un edificio sacro non ha necessariamente bisogno di marmi preziosi e vetrate istoriate per parlare all’anima.

In questo articolo ho raccolto dieci architetture religiose del secondo Novecento, disseminate in diversi paesi del mondo. Dall’Italia al Giappone, dal Canada alla Finlandia, sono edifici sacri progettati da figure che vale la pena riscoprire. Alcuni nomi saranno familiari, altri no - e forse, proprio per questo, vi sorprenderanno.

1) Walter Maria Förderer - Chiese di San Clemente a Bettlach e di San Nicola a Hérémence, Svizzera (1962-1971)

Negli anni ’60, Walter Maria Förderer (1929 - 2006) progettò otto chiese in Svizzera e Germania, diventando uno dei principali esponenti dell’architettura neo-espressionista di matrice brutalista. I suoi edifici religiosi, costruiti in cemento armato faccia a vista, si distinguono per piante poligonali, volumi complessi e intrecciati, geometrie totemiche e un uso sapiente della luce indiretta. Ispirato da Le Corbusier, come dai collage di Kurt Schwitters e dall’architettura gotica, Förderer elaborò un linguaggio architettonico personale, capace di fondere spiritualità, astrazione e forza materica. Le chiese di San Clemente a Bettlach (1963-1969) e di San Nicola a Hérémence (1962-1971) si presentano come sculture abitabili, articolate in volumi drammatici che paiono crescere dal terreno. San Nicola, in particolare, appare come una cascata di blocchi scolpiti, dove la composizione architettonica sfida la chiarezza per abbracciare la complessità visiva, in un richiamo alle grandi cattedrali gotiche. San Clemente, invece, afferma la propria monumentalità attraverso l’alternanza di pieni e vuoti, un dinamismo reso ancora più teatrale all’interno dalla luce che scivola sulle superfici grezze del cemento. L’attività architettonica di Förderer si concentra in un arco relativamente breve - circa vent’anni - il che contribuisce alla coerenza espressiva del suo corpus progettuale. Prima e dopo quel periodo si dedicò alla scultura, confermando il suo interesse costante per la materia e la forma.

📍 Rue de l'Eglise, 1987 Hérémence, Svizzera

2) Fritz Wotruba - Chiesa della Santissima Trinità, Vienna, Austria (1965-76)

Situata a Liesing, nel ventitreesimo distretto di Vienna, e progettata dallo scultore austriaco Fritz Wotruba in collaborazione con l'architetto Fritz Gerhard Mayr, questa chiesa-scultura fu costruita tra il 1974 e il 1976 su iniziativa di Margarethe Ottillinger, che desiderava trasformare l'area precedentemente occupata da una caserma dell’aviazione tedesca in un luogo di culto significativo. L'edificio, caratterizzato da uno stile architettonico estremamente dissonante dalla bellezza austroungarica della capitale austriaca, è composto da 152 blocchi di cemento grezzo di dimensioni variabili, alcuni dei quali raggiungono i 64 metri cubi di volume e un peso di 141 tonnellate. Le fessure lasciate tra gli elementi, disposti in modo apparentemente casuale, permettono alla luce naturale di penetrare all’interno.

📍 Ottillingerpl. 1, 1230 Wien, Austria

3) Gottfried Bohm - Chiesa di Maria Regina della Pace, Neviges, Germania. 1963-68

La chiesa di Maria Regina della Pace (in tedesco Maria, Königin des Friedens) è un santuario cattolico sito nella località di Neviges, frazione della città tedesca di Velbert e meta di pellegrinaggi. Realizzata da Gottfried Böhm sul finire degli anni Sessanta a seguito di un concorso, l'edificio si distingue per la sua struttura in cemento faccia a vista e per il tetto irregolare la cui silhouette ricorda le cime frastagliate di una montagna. L'interno è concepito come una grande piazza coperta: la navata principale può ospitare fino a 6.000 persone.

📍 Elberfelder Str. 12, 42553 Velbert, Germania

4) Claude Parent, Paulo Virilio. Chiesa di Sainte-Bernadette du Banlay, Nevers, Francia (1963-1966)

Costruita nel 1966, questa chiesa incarna la teoria dell’architettura obliqua, movimento fondato da Claude Parent e Paul Virilio nel 1964 e che aveva come principio cardine l'eliminazione dell'ortogonalità e l'organizzazione spaziale della città su piani inclinati accessibili e continuamente vivibili in tre dimensioni. L’edificio religioso esprime in modo potente il concetto di frattura e ribaltamento, di unità e discontinuità dello spazio, attraverso due masse pesanti a sbalzo che si incontrano su un pilastro centrale. L'interno, totalmente ermetico e caratterizzato da piani inclinati e ambienti che sfidano la percezione tradizionale dell'architettura sacra, vuole anche essere una rappresentazione architettonica della grotta dove la santa Bernadette Soubirous ebbe le sue prime visioni. L’estetica riprende, soprattutto in facciata, quella delle casamatte e dei bunker del Vallo Atlantico: fortificazioni militari che furono al centro delle ricerche di Paul Virilio (Bunker Archéologie, 1958–1975).

📍 29 Rue Claude Parent, 58000 Nevers, Francia

5) Douglas J. Cardinal - Chiesa di Santa Maria, Red Deer, Alberta, Canada (1965-68)

Consacrata nel 1968 a Red Deer, Alberta, la Chiesa di Santa Maria segnò l'inizio della carriera di successo di Douglas Cardinal. L'architetto fu incaricato di tradurre in forma architettonica la liturgia cattolica recentemente rinnovata dal Concilio Vaticano II e, per trovare ispirazione, si rivolse alle prime comunità cristiane, anteriori alla diffusione delle basiliche a pianta a croce latina. Il risultato fu un edificio in mattoni e cemento le cui forme organiche riecheggiano le dolci colline delle praterie canadesi. All’niterno, un grande spazio centrale e un oculo posizionato sopra l'altare a canalizzare la luce naturale. Il soffitto amorfo è stato modellato in funzione dell’acustica, per diffondere la voce all’interno della chiesa senza l’ausilio di microfoni.

📍 6 McMillan Ave, Red Deer, AB T4N 5X8, Canada

6) Walter A. Netsch Jr. - Cappella dell'Accademia dei cadetti dell'Aeronautica Militare, Colorado Springs, USA (1956 - 62)

Progettata da Walter A. Netsch Jr., di Skidmore Owings & Merril, in netto contrasto con le forme basse e rettilinee del resto del campus, la Air Force Academy Cadet Chapel è divenuta simbolo dell’aeronautica statunitense. Le sue 17 guglie in alluminio e vetro che si innalzano per 46 metri verso il cielo; ciascuna è composta da 100 tetraedri e i pannelli di vetro colorato che li rivestono consentendo alla luce diffusa di penetrare all’interno dell’edificio.

📍 2306 Sijan Dr, Air Force Academy, CO 80840, Stati Uniti

7) Vittorio Gigliotti, Paolo Portoghesi - Chiesa della Sacra Famiglia, Fratte, Italia (1969-73)

La chiesa viene commissionata a Vittorio Gigliotti, ingegnere salernitano, e a Paolo Portoghesi, suo socio nello studio di progettazione a Roma, dai Padri Trinitari, in sostituzione di una omonima, espropriata in occasione della realizzazione del raccordo autostradale. Situata nella zona industriale di Fratte, ai margini della città, la chiesa nasce con l’intento di diventare un nuovo centro aggregativo in un’area isolata dalla ferrovia e dall’autostrada. L’edificio si distingue per le sue forme circolari e plastiche, dominate da tre grandi calotte gradonate che si intersecano sopra lo spazio dell’altare, modellando ambienti interni concavo-convessi. All’esterno, setti curvilinei e volumi cilindrici articolano i percorsi e tentano di instaurare una relazione con il contesto urbano. Il progetto riflette le esigenze liturgiche rinnovate dal Concilio Vaticano II, integrando riferimenti all’architettura barocca con un uso espressivo del cemento armato faccia a vista.

📍 Via Nicola Buonservizi, 2639, 84135 Salerno SA

8) Timo e Tuomo Suomalainen - Chiesa di Temppeliaukio, Helsinki, Finlandia (1961-69)

​La Chiesa di Temppeliaukio, nota anche come Chiesa nella Roccia, è una chiesa luterana situata nel quartiere Töölö di Helsinki. Progettato dai fratelli-architetti Timo e Tuomo Suomalainen e consacrato nel 1969, l'edificio religioso è scavato nella roccia granitica e presenta una cupola circolare in rame, attorniata da un suggestivo lucernario composto da 180 finestre che permettono alla luce naturale di penetrare all'interno. La formazione rocciosa, preservata come richiesto dal bando di concorso, costituisce le pareti dell’edificio e non solo conferisce alla chiesa un’estetica unica, ma garantisce anche un’acustica straordinaria, rendendola una sede privilegiata per concerti. Oggi è una delle attrazioni turistiche più visitate di Helsinki, con oltre 900.000 visitatori registrati nel 2019.

📍 Lutherinkatu 3, 00100 Helsinki, Finlandia

9) Takenaka Kōmuten Corporation - Tempio Reiyukai Shakaden, Tokyo, Giappone (1972-75)

Il Tempio Reiyukai Shakaden è un complesso religioso situato nel quartiere di Azabudai, nel cuore di Tokyo, completato nel 1975 dopo quattro anni di lavori. Progettato dalla Takenaka Corporation, il tempio funge da sede principale per il movimento buddhista laico Reiyūkai, fondato nel 1925 da Kakutarō Kubo e Kimi Kotani. L'architettura è notevole per il suo design futuristico, spesso paragonato a una nave spaziale o a una piramide moderna. La struttura è rivestita in granito nero e acciaio inossidabile scuro, con una copertura che si estende per un'area di 50x100 metri, ispirata ai tetti tradizionali dei templi giapponesi. All'interno, il tempio ospita una sala principale con una capacità di 3.500 persone, oltre a sale conferenze, una caffetteria, un asilo nido e un'infermeria. Oltre alle colonne massicce e al particolare sistema di illuminazione che caratterizza gli ambienti, elemento caratteristico è la presenza di un grande serbatoio sotterraneo di acqua potabile, destinato all'uso in caso di emergenze o disastri naturali.

📍 1 Chome-7-8 Azabudai, Minato City, Tokyo 106-0041, Giappone

10) Guðjón Samúelsson - Chiesa di Hallgrímur, Reykjavík, Islanda (1945-83)

La Hallgrímskirkja è una chiesa luterana situata nel centro di Reykjavík, in Islanda, progettata da Guðjón Samúelsson nel 1937 e costruita tra il 1945 e il 1986. Alta 74,5 metri, è l’edificio religioso più imponente del paese. Il suo stile espressionista si ispira alle formazioni basaltiche naturali islandesi, in particolare alle colonne laviche di Svartifoss. Realizzata in cemento armato, presenta una facciata monumentale scandita da elementi verticali che evocano la geologia del territorio e si innalzano verso il cielo. Il design richiama l’espressionismo architettonico, con chiari rimandi alla Chiesa di Grundtvig a Copenaghen (1940) e alla Kirche am Hohenzollernplatz di Berlino (1933), frequentemente citate come riferimenti stilistici. All’interno, la chiesa adotta una pianta a tre navate con volte a crociera e archi a sesto acuto, elementi di chiara derivazione neogotica, reinterpretati in chiave moderna attraverso scelte compositive improntate all’essenzialità: pareti intonacate di bianco, spazio sobrio e luminoso, privo di decorazioni.

📍 Hallgrímstorg 1, 101 Reykjavík, Islanda

«Per me è impossibile scindere la mia vita privata da quella professionale. Tutte le scelte che racconto hanno seguito la voce dell’architettura. Posso confermare che l’architettura allena lo sguardo e alimenta la curiosità e questo ha fatto sì che la ricerca e l’amore per la conoscenza diventassero il motore di tutto ciò che faccio. Arte, architettura, design rispondono ad un’unica chiamata che è il progetto».

Eleonora Castagnetta

Eleonora Castagnetta vive e lavora in Svizzera. Nata a Palermo nel 1980, eredita dalla cultura siciliana la magia delle contaminazioni e la sensibilità all’arte e alla bellezza. Nel 2005 consegue la laurea magistrale cum laude in Architettura a Palermo dopo aver trascorso l’anno di tesi all’Accademia di Architettura di Mendrisio, in Svizzera, grazie al premio Francesco Borromini vinto all’Accademia di San Luca di Roma. Lavora tredici anni nello Studio Mario Botta Architetti occupandosi di progetti di varie tipologie architettoniche e di grande valore culturale come il Teatro dell’Architettura di Mendrisio. Nel 2018 dà vita allo Studio AnD – Arts n Design, che si occupa di design e interior. Parallelamente lancia il brand di gioielli contemporanei AnD – Swiss, in cui fonde il linguaggio delle geometrie del mestiere di architetto con la creatività artistica e il senso del bello che anima i suoi progetti. Impegnata con successo nel design per l’abitare e per la persona, le sue opere – firmate Eleonora Castagnetta – sono spesso esposte in importanti mostre e pubblicate su prestigiose riviste, italiane e internazionali. Dal 2023 frequenta il secondo Master in “Storia e teoria dell’arte e dell’architettura” dell’Università della Svizzera italiana.

🌐 Il sito web di Eleonora Castagnetta
🌐 Il sito web di AnD Swiss, i gioielli ispirati all’architettura di Eleonora Castagnetta
🌐 Eleonora Castagnetta su Instagram
🌐 AnD Swiss su Instagram

🎙 Il format

Dannati Architetti Talk è il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Saranno loro a raccontare in prima persona il proprio viaggio, condividendo esperienze, momenti di svolta, cadute e successi che, passo dopo passo, hanno lasciato un segno sul loro cammino.
Perché dietro ogni grande progetto c’è la storia di una vita che merita di essere ascoltata.

Music: Trailer e background con Suno AI. Ending track: Remember September, Freedom Trail Studio (royalty free music).

🎧 Il primo episodio del Talk

Ascoltare, attraversare, abitare con lo sguardo il territorio. È quello che fa l’artigiano e designer Marco Ripa con Scatti di Marca, progetto fotografico che intreccia design, arredo e paesaggio costruito, raccontando architetture rilevanti e poco conosciute delle Marche attraverso oggetti e visioni contemporanee. Dopo una prima tappa a Ca’ Romanino nel 2024, residenza progettata da Giancarlo De Carlo a Urbino nel 1968, il viaggio prosegue nell’entroterra ascolano, dove l’incontro con l’opera dell’architetto Innocenzo Prezzavento, sfortunatamente poco conosciuta e ricordata (la racconterò in una prossima newsletter), accende una nuova narrazione. Un piccolo faro sull’attitudine, condivisa dai due marchigiani, di modellare la materia con precisione, rispetto e poesia. Che sia ferro o sia cemento, insomma, è su questo terreno comune che si incrociano il lavoro di Ripa, artigiano del metallo, e l’architettura di Prezzavento che, scrive l’arch. Luca Di Lorenzo Latini in Mappe °15. Luoghi percorsi progetti nelle Marche,

È un’architettura in cui i confini tra natura e artificio, tra passato e futuro, sbiadiscono in uno spazio indefinito e liquido il cui massimo comun denominatore è il cemento, malleabile e fedele compagno di viaggio. Lontano del gusto brutalista ‘a priori’ e della ricerca formale fine a sé stessa, per Prezzavento il cemento è solo un mezzo: un sostegno utile e altamente manipolabile. Grigio, grezzo e consunto, è trattato senza pudicizia e senza timori reverenziali, lasciandolo in balìa del tempo, dell’acqua e della vegetazione.

Nasce così un progetto a più livelli: un racconto per immagini, un dialogo tra epoche e poetiche, una produzione inedita che collega due sguardi affini sul paesaggio e sulla materia.

La Villa Di Giambattista, denominata la “Casa nella collina” e realizzata ad Acquasanta Terme (AP) nella prima metà degli anni Settanta, e Villa Fioretti, chiamata anche la “Casa sulla collina” e risalente al 1978, incarnano la poetica di Innocenzo Prezzavento e sono le architetture scelte da Marco Ripa per il servizio fotografico dedicato alle sue ultime collezioni India (tavoli per interni ed esterni in alluminio parzialmente riciclato e interamente riciclabile, design Atelier Ferraro), Coimbra e Chiodo.

La prima villa sembra crescere direttamente dalla terra, trasformando il pendio in cui è inserita in una sequenza di vassoi in cemento armato e aperture vetrate. «La strada del borgo, la improvvisa scarpata, il breve pianoro sovrastante, il fianco cespuglioso della collina, il ripido sentiero ai pascoli alti, alla caccia e ai tartufi; il luogo stesso si è fatto casa e forse architettura», così la descriveva Innocenzo Prezzavento sui suoi taccuini mentre “scolpiva” il paesaggio fino a renderlo “casa”. Le curve di livello vengono assorbite dall’abitazione e si trasformano in terrazzi sovrapposti, la ripida mulattiera diventa una scalinata, la pozza d’acqua - un tempo l’abbeveratoio del pascolo - si fa piscina. I materiali da costruzione sono quelli del luogo: terra, rocce, acqua, alberi, cespugli, prati. Unici elementi artificiali sono il vetro e il cemento armato, impiegato per la struttura. Anche i colori rimandano alla materia stessa: il grigio delle rocce, il verde dei cespugli e dei prati, il giallo della sabbia, il verde chiaro dell’acqua. La villa si sviluppa su quattro piani: dal basso verso l’alto si trovano la zona giorno, la zona notte e quella per gli ospiti. Nel basamento si collocano garage e scuderie.

La seconda abitazione - la “Casa sulla collina” - diluisce ancora di più il gesto architettonico: due solai ridisegnano la cima del colle, mentre giardini pensili e volumi sospesi, sovrapposti senza gerarchie nella composizione, dissolvono il confine tra architettura e paesaggio. La villa, scrive Prezzavento, «è costruita con la terra e la vegetazione, il cemento funge solo da supporto strutturale; le ultime curve di livello della sommità della collina sono state modellate ad abitazione: l’edificio, senza dimensione, è sfumato nel territorio e non c’è alcun confine definibile tra artificiale e naturale». Anche la distribuzione degli spazi risulta atipica: funziona per piano, ma ognuna delle bolle cilindriche di cui si compone l’architettura è autonoma e corrisponde alle diverse camere. Al piano terra, prendono posto la sala da pranzo con due cucine, tre camere da letto, i locali di servizio e il garage. La sala da pranzo e le due camere principali sono trattati come elementi autonomi che dialogano direttamente con il piano soprastante attraverso tre scale a chiocciola indipendenti che portano rispettivamente al soggiorno, allo spazio studio-gioco e all’uscita diretta sul verde. Tra spazio interno e vista esterna vi è solo un nastro vetrato che corre lungo tutto il profilo fluido dell’edificio, schermato all’occorrenza da pannelli mobili, per creare, su richiesta della committenza, un luogo che fosse «letteralmente senza pareti per i momenti dell’ottimismo, del sole e della festa, e una casa bunker per i momenti di timorosa solitudine», spiega ancora il progettista.
Il cemento di Prezzavento, modellato con sensibilità paesaggistica addomesticando le curve di livello, lavorando per sottrazione fino a dissolvere il confine tra artificio e natura, trova una controparte nel metallo di Ripa, che viene piegato, sagomato, levigato in profili sinuosi fino a perdere ogni traccia di fatica manuale. Materiali ed esiti progettuali rivelano un’idea di forma sospesa tra rigore e leggerezza, tra struttura e immaginazione.

Nelle immagini di Matteo Bianchessi, gli spazi non fanno da sfondo: sono presenze attive, che sembrano attendere gli oggetti per completarsi a vicenda.

Un ingegnoso sistema di tavoli

La collaborazione tra Ripa e Prezzavento va oltre la fotografia. L’intesa tra i due, e il desiderio dell’architetto, oggi ottantaseienne, di veder realizzato un proprio oggetto industriale - il primo -, dà origine a Triangolo, un sistema modulare di tavoli che era stato disegnato nel 1971 proprio per la “Casa nella collina”. Riemerge dall’archivio del progettista, curato da Luca Di Lorenzo Latini, che curiosamente non conserva traccia delle opere completate ma solo dei progetti ancora da realizzare. Ripa e Prezzavento decidono così di produrre in serie Triangolo, dando finalmente forma a un’idea rimasta sulla carta per oltre cinquant’anni. Verrà presentato in occasione della ormai prossima Milano Design Week (Convey, 7–13 aprile 2025).

Triangolo è una collezione in divenire e rivela oggi una sorprendente attualità: si compone, si scompone, entra in relazione con l’ambiente, reinventando spazi e funzioni. Alla base c’è un modulo triangolare che può essere aggregato per creare configurazioni potenzialmente infinite: regolari, come rombi ed esagoni, o più libere e spontanee. Può diventare tavolino singolo o a due posti, ampio tavolo da sei, scrivania, soluzione angolare o parte di una struttura più articolata. E quando serve, sa restare al suo posto senza ingombrare: è infatti anche impilabile. Ma non in modo ordinario: impilato, si trasforma in una scultura domestica che nasconde la sua funzione di tavolo per dissimulare eventuali carenze di spazio. Dietro l’aspetto giocoso Triangolo nasconde in realtà un’identità ingegneristica. Spiega Prezzavento: «Ho cercato con serietà d’individuare la giusta porzione di spazio necessaria al comfort, la giusta misura per l’uomo». L’architetto applica al tavolo lo stesso principio di modularità che, negli anni Settanta, iniziava a essere esplorato nel design degli imbottiti. Obiettivo: accogliere tanto una singola persona quanto un numero potenzialmente illimitato di ospiti, attraverso configurazioni flessibili e personalizzabili, adatte a diverse funzioni e anche ad ambienti ridotti. Dopo una lunga fase di sperimentazione e sviluppo, RIPA ha ingegnerizzato il progetto, sostituendo il legno del prototipo originario con lamiere compatte di alluminio e riducendo gli spessori da due centimetri a soli quattro millimetri. Il risultato è una soluzione leggera, agile e stabile, adatta non solo alla casa, ma anche agli spazi pubblici e al contract, sia indoor che outdoor. In Triangolo, anche il colore diventa strumento compositivo: si possono scegliere moduli della stessa tonalità tra le dieci disponibili, oppure accostare cromie diverse per accentuare i singoli elementi.

Triangolo
Design: Innocenzo Prezzavento, 1971; collaboratori: Luca Di Lorenzo Latini, Sebastiano Carella
Realizzazione e produzione: RIPA, 2025
Misure: triangolo equilatero lato 73 cm, altezza 73 cm
Colori: Carta, Liquirizia, Pesca, Burro, Cielo, Seta, Oceano, Foglia, Argilla, Fuoco

L’intervista a Marco Ripa

RIPA è un marchio contemporaneo specializzato nella realizzazione di oggetti in metallo – sculture d’uso quotidiano, agili e minimali, componibili e versatili – che rispondono alle esigenze dell’abitare contemporaneo, con attenzione all’ambiente: sono parzialmente riciclati e interamente riciclabili. Ogni pezzo nasce dall’unione tra artigianato e sperimentazione, nel segno di un’estetica essenziale, solida e destinata a durare nel tempo, lontana da mode e tendenze. Marco Ripa, fondatore del brand, artigiano e designer, lavora il ferro e l’acciaio fin dall’età di 15 anni, sviluppando un rapporto diretto con la materia e le sue possibilità espressive. Dopo gli studi, apre la sua officina nel 2011 a Porto San Giorgio, nelle Marche, e si dedica a tempo pieno al laboratorio, scegliendo il ferro come materiale di riferimento per la sua resistenza e capacità di trasformarsi nel tempo. I suoi riferimenti spaziano da Alexander Calder, per l’uso delle forme e dell’equilibrio nel metallo, a John Ruskin e al movimento Arts and Crafts, per l’unicità dell’oggetto artigianale. Il suo lavoro evolve in una ricerca continua in laboratorio, dove il metallo – l’alluminio in particolare, negli ultimi anni – diventa linguaggio, e le superfici prendono vita. Agli strumenti e alle lavorazioni tradizionali, RIPA affianca la tecnologia: tutti i prodotti nascono in digitale, tramite software 3D, e vengono poi rifiniti a mano con cura. Le linee sono sempre geometriche, studiate come l’inizio di un gioco di incastri, per composizioni ogni volta diverse e personalizzabili.

M.C.V.: Come nasce il progetto Scatti di Marca?

M.R.: Grazie alla visibilità che il mio lavoro sta acquisendo, ho sentito il desiderio di restituire qualcosa al mio territorio. Scatti di Marca nasce proprio da qui, dalle Marche e dalla voglia di raccontare architetture significative, spesso dimenticate. Il primo episodio è stato quasi un colpo di fortuna: abbiamo scoperto Ca’ Romanino, la casa progettata da Giancarlo De Carlo a Urbino, e ci ha colpiti a tal punto che ci siamo detti: perché non continuare? Cercando altre architetture, ci siamo imbattuti nel Censimento nazionale delle architetture italiane del secondo Novecento. Così è venuta fuori la Villa Di Giambattista di Innocenzo Prezzavento. Quando l’ho vista dal vivo sono rimasto senza parole: è un’opera dirompente. Scatti di Marca è un progetto che vorremmo portare avanti nel tempo, anche se non nascondo le complessità legate alla ricerca e ai contatti. Non ci interessano interni patinati: vogliamo continuare a valorizzare luoghi autentici, che raccontino una storia.

M.C.V.: Com’è nata l’idea di collaborare con Innocenzo Prezzavento per dare vita al progetto Triangolo?

M.R.: Prezzavento ha chiaro un pensiero: l’architettura, se non viene curata, è destinata a svanire. Per questo ha voluto affidarsi al design, inteso come progetto riproducibile, per lasciare un segno più duraturo. Mi ha contattato con alcuni progetti che teneva nel cassetto fin dagli anni Settanta. Quando mi ha mostrato Triangolo, un sistema di tavoli ideato nel 1971, sono rimasto a bocca aperta: ho avuto la sensazione che fosse stato concepito oggi, perfettamente in linea con la mia visione. E invece è nato prima ancora che io nascessi! Lo presenteremo alla Milano Design Week 2025: sarà il primo oggetto di design di Prezzavento mai realizzato e prodotto in serie.

M.C.V.: Cosa rende speciale la collezione India?

M.R.: India nasce dalla collaborazione con Atelier Ferraro. Il progetto esprime i valori della terra da cui prende il nome: l’accoglienza nelle forme morbide, la leggerezza nella particolare lavorazione del metallo, la flessibilità nei quattro modelli progettati a partire da un’unica, originale base. A caratterizzare la serie sono infatti le quattro gambe - in tre diverse configurazioni - la cui forma a un quarto di circonferenza non è solo una scelta estetica che va incontro a un’idea di apertura e accoglienza, cardine del progetto, ma anche tecnica: la curvatura consente infatti di utilizzare uno spessore minimo garantendo al piano la massima stabilità. Così abbiamo ottenuto un oggetto leggero alla vista ma estremamente robusto. Dato che in ferro sarebbe stato ingestibile, abbiamo scelto l’alluminio sia per risolvere il problema del peso, sia perché è un materiale totalmente riciclabile: gli scarti vengono rifusi e riutilizzati.
Con India volevamo andare oltre l’oggetto “di tendenza” - alle ultime design week sono tornate di moda queste lamiere naturali in acciaio - il nostro invece è un design che non segue questo filone e non invecchia: si adatta a contesti e stili molto diversi, dalle architetture anni Settanta agli interni ultracontemporanei. C’è poi anche un aspetto ‘ecologico’ legato al riciclo: le gambe sono intercambiabili e universali per tutta la collezione, se le esigenze cambiano nel tempo, si può sostituire solo il piano, restituendo quello vecchio che viene reinserito nel ciclo produttivo. È un sistema pensato per durare e ridurre la produzione degli scarti di lavorazione, sprechi di materiale e risorse. Questo approccio, che abbraccia un po' la logica del riuso e promuove la trasformazione nel tempo, è molto attuale ma possiamo permettercelo noi artigiani che lavoriamo su piccola scala e controlliamo ogni singolo passaggio.

M.C.V.: Alla Milano Design Week presenterai anche il rebranding del marchio curato da Simple Flair. Cosa ha motivato questa scelta?

M.R.: Il nuovo brand si chiamerà semplicemente RIPA. Sentivo il bisogno di uscire dall’etichetta di “fabbro artista”, che era diventata un po’ cliché. All’inizio degli anni 2010 c’è stato un grande ritorno della figura dell’artigiano, anche in chiave moda: il “fatto a mano” è diventato un trend, anche per i grandi brand. Ma per noi non è una moda: è il nostro modo di lavorare. Nella mia officina ogni pezzo è davvero fatto a mano. Chi lavora con me segue un progetto dall’inizio alla fine, non ci sono linee di montaggio. Questo crea un legame profondo tra l’artigiano e l’oggetto. Io sono convinto che questa cura resti dentro la materia, in qualche modo. Magari è una mia fissazione, ma mi piace credere che un oggetto possa trasmettere l’entusiasmo di chi l’ha realizzato con passione. Con il nuovo nome voglio anche valorizzare la dimensione collettiva del nostro lavoro. Non sono solo io: c’è un team fatto di persone che credono nel progetto, da chi lavora ogni giorno in officina al direttore artistico, dalla social media manager ai grafici, sino all’ufficio stampa. RIPA sarà il contenitore di tutto questo.

marcoripa.it | instagram.com/ripa__design/

RIPA @ Milano Design Week 2025
7–13 aprile 2025
Convey
Via Rosolino Pilo, 14 | Porta Venezia
Press preview: 6 aprile, h 12–17

Tra le sue realizzazioni spiccano lo stabilimento Fiat di Melfi; il Training Center IVECO a Torino, con Gabetti e Isola; il ristorante Ferrari a Maranello; la torre di Lodi per gli uffici Zucchetti; il Campus Luigi Einaudi di Torino e il padiglione degli Emirati Arabi Uniti all’Expo di Milano, entrambi con Foster + Partners. Professore presso la Facoltà di Architettura del Politecnico di Torino e autore di svariate pubblicazioni, le opere di Marco Visconti sono documentate dalle più importanti riviste internazionali di architettura. Fondamentale caratteristica del suo lavoro è la ricerca della miglior relazione fra uomo, edificio e natura in una logica di rispetto, impiego e comprensione dell’ambiente circostante.

🌐 Il sito web di MVarchitects
🌐 MVarchitects su Instagram
📕 La monografia di MVarchitects: Valore umano e natura in architettura, Libria, 2020. Di Marco Visconti con la prefazione di Thomas Herzog e il contributo di Eija Tarkiainene.

«L’architettura deve essere pervasa dalle persone e dalla cultura, deve essere adattabile alle trasformazioni del mondo. Tutte le trasformazioni hanno inizio nell’immaginario e nella speranza, e sperare significa giocare d’azzardo puntando al futuro. L’architettura deve poter ospitare i luoghi di questo azzardo così come l’architetto deve poter interpretare il cambiamento nello spirito del tempo, con una procedura non gerarchica che privilegi l’ascolto, decentrata e radicata nella comunità. Io ho iniziato a credere che un altro mondo fosse realizzabile. Nella certezza di riuscire a fare qualcosa di buono, quando tutto era incerto. Convinto che il mondo di oggi sia migliore di quello di ieri»

Marco Visconti

🎙 Il format

Dannati Architetti Talk è il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Saranno loro a raccontare in prima persona il proprio viaggio, condividendo esperienze, momenti di svolta, cadute e successi che, passo dopo passo, hanno lasciato un segno sul loro cammino.
Perché dietro ogni grande progetto c’è la storia di una vita che merita di essere ascoltata.

🎶 Musica
Trailer e background con Suno AI. Ending track: Remember September, Freedom Trail Studio (royalty free music)

📚 Architettura, città e design in 7 volumi

Alvisi Kirimoto. Architetture scelte 2012-2025

A cura di Valerio Paolo Mosco per la collana Progressive. Sezioni sull’architettura italiana di Forma Edizioni diretta da Maurizio Carones, 2025 | €22,00 Brossura | Lingua italiana e inglese

Lo studio di architettura Alvisi Kirimoto presenta la sua ultima monografia pubblicata da Forma Edizioni come primo volume della collana Progressive. Sezioni sull’architettura italiana. Fondato nei primi anni Duemila a Roma da Massimo Alvisi e Junko Kirimoto, lo studio unisce sensibilità italiana e giapponese in un approccio che combina rigore metodologico e sperimentazione. In vent’anni di attività, ha realizzato opere di architettura, urbanistica, interni e design, privilegiando il dialogo con la natura e l’attenzione ai temi sociali. «Questa monografia è pensata per trasmettere il nostro approccio progettuale a un pubblico ampio e diversificato. Non si tratta solo di documentare i nostri lavori, ma di offrire uno spunto di riflessione su come concepiamo l’architettura; ogni progetto, dal più vecchio al più recente, racconta un processo che, andando oltre il mero aspetto materico dell’architettura, risponde alle esigenze del contesto e delle persone che vivono il luogo. Le nostre architetture sono pensate per durare nel tempo e per trasformarsi in armonia con l’ambiente e le persone che le abitano», racconta Massimo Alvisi, co-fondatore dello studio. Il tomo, in formato tascabile (15,5 x 22,5 cm, 165 pagine), raccoglie tredici progetti emblematici del periodo 2012-2025 accompagnati da schede tecniche, un ricco apparato iconografico, testi analitici e un saggio sulla metodologia progettuale dello studio a cura dello storico dell’architettura Valerio Paolo Mosco. L’introduzione generale è a cura dell'architetto Maurizio Carones, direttore della collana.

Contro la città usa e getta

Di Vittorio Magnago Lampugnani, Bollati Boringhieri editore, 2024 | €16,00 Brossura | Lingua italiana

Tra dieci anni quasi il 70% della popolazione vivrà in città, ma questa crescita incontrollata danneggia l’ecosistema, erodendo il paesaggio e sprecando risorse. L’architetto Vittorio Magnago Lampugnani denuncia il modello "usa e getta" dell’edilizia, che alimenta consumismo, obsolescenza programmata e costruzioni provvisorie, mentre la storia dell’architettura ci insegna parsimonia, riuso e resilienza. Oggi l’industria edilizia è una delle principali fonti di CO₂ e rifiuti; soluzioni come case passive e certificazioni risultano spesso dei palliativi se non greenwashing. È urgente un’inversione di rotta: edificare in modo durevole, con maggiore densità urbana e sfruttando al meglio ciò che già esiste, riducendo drasticamente le nuove costruzioni. Un piccolo libro-verità, da divorare in poche ore.

Oscar Niemeyer

Di Philippe Trétiack per la collana La biblioteca dell’amatore di Johan & Levi, 2025 | €20,00 Brossura | Lingua italiana

Pochi architetti hanno avuto il privilegio di dare forma a una città, per giunta una capitale, sfida che Oscar Niemeyer (1907-2012) ha portato avanti con audacia nella futuristica Brasilia, città dalle forme ondulate e sensuali. Da Rio de Janeiro, passando per Parigi e Milano, nel corso della sua lunga carriera questo maestro del cemento ha realizzato edifici che hanno imposto il suo stile, fatto di cupole, colonne sospese e colori primari, innestando la sua idea di Modernismo leggero e “tropicale” anche in mobili e oggetti di design. Architetto d’eccellenza corteggiato da illustri mecenati, è sempre rimasto fedele al pensiero comunista, nella piena convinzione che il suo lavoro fosse solo un pretesto: ciò che conta davvero è la vita, l’essere umano, con la sua anima, i suoi sentimenti e la sua perenne fame di giustizia e bellezza. Piccolo e tascabile, è un libro da collezionare insieme agli altri volumi biografici della collana edita da Johan & Levi.

Stefania Filo Speziale. Architetta

Di Chiara Ingrosso per la collana Femminile Singolare di LetteraVentidue Edizioni, 2025 | €18,00 Brossura | Lingua italiana

Stefania Filo Speziale (1905-1988) è una delle figure più interessanti dell’architettura italiana del Novecento, tanto importante quanto a oggi trascurata. Donna coltissima e tenace, non allineata, è stata autrice di oltre centocinquanta architetture, nonché un’importante docente universitaria che ha contribuito a formare intere generazioni di architetti. Il suo modo moderno di progettare, sempre precisissimo a livello tipologico, funzionale, strutturale e tecnologico, che scaturiva dal paesaggio napoletano, rappresenta un’altra declinazione, fortemente meridiana, di un lessico per troppo tempo visto come universale. Il volume a lei dedicato, racconta la sua storia, ma soprattutto le sue opere, approfondendo quattro progetti: il Palazzo della Morte (1951-57), il Grattacielo della Società Cattolica Assicurazione (1954-58), le palazzine in via Nevio (1954-1958), il condominio di Parco Grifeo (1955-59). Il libro inaugura anche Femminile Singolare di LetteraVentidue, nuova collana che raccoglie saggi dedicati alle figure femminili che hanno contributo a progettare architetture, città, oggetti e paesaggi contemporanei o hanno scritto su di essi. A partire da microstorie spesso trascurate, i volumi con taglio monografico intendono rovesciare il canone narrativo tradizionale, offrendo sguardi e prospettive nuovi e differenti, più inclusivi ed eccentrici che amplino le discipline del progetto.

Composing architecture through context, type and figure.

Di Riccardo Canella, FrancoAngeli, 2024 | €19,00 Brossura, € 16,00 E-book | Lingua inglese

Riccardo Canella propone un punto di vista empatico, emotivamente risonante e di parte, ma al contempo né settario né bigotto, navigando attraverso tutte le fasi critiche dell’emancipazione dell’architettura moderna. Il suo lavoro suggerisce che l’avvento di una modernità consapevole e critica, capace di affrontare le sfide contemporanee, debba ancora giungere, non essendo questa riuscita a oggi a superare i propri fallimenti e presunzioni. «Nella mia generazione, che non è più così giovane, sorge una domanda ricorrente: dobbiamo considerarci gli ultimi architetti del ventesimo secolo o i primi del ventunesimo? Lo scenario che ci si presenta, globalizzato e mondializzato, appare del tutto sproporzionato rispetto ai concetti e agli strumenti che ci sono stati trasmessi come qualcosa di certo e sicuro durante la nostra formazione. Come possiamo cercare di adattarli e renderli efficaci in relazione a uno sviluppo (e non necessariamente a un progresso) che appare ancora del tutto fluido?» L’autore offre una prospettiva generazionale sull’evoluzione attuale della composizione architettonica, la quale presenta numerose incertezze e, di conseguenza, solleva altrettante domande.

O Gavina, o niente

Di Marco Brunori, Silvana Editoriale, 2025 | €32,00 Copertina flessibile | Lingua italiana

Il volume rappresenta un omaggio corale a Dino Gavina (1922–2007), personalità vivacissima e poliedrica nel mondo del design e dell’imprenditoria italiana, da parte di amici, famigliari, professionisti e collaboratori di una vita. Fin dagli anni ‘50 le sue scelte hanno indirizzato la produzione industriale del mobile verso qualità, bellezza e poesia. Interessato ed appassionato di letteratura, arti visive e teatro, Dino Gavina si è occupato di una miriade di mondi, intrecciando la sua vita a quella dei maggiori progettisti, architetti e artisti del suo tempo, sia in campo professionale - nel settore dell’arredo, con le sue aziende Gavina, Flos, Simon, Sirrah - sia nel privato. Le testimonianze dirette, le riflessioni e gli estratti antologici qui raccolti ne restituiscono un ritratto a tutto tondo.

Big book of architecture. 20 architetti dagli esordi del moderno a oggi

A cura di Giovanni Leoni, 24 ORE Cultura, 2024 | €32,00 Brossura | Lingua italiana

Riprendendo la struttura e il concept del fortunato BBD di Andrea Branzi dedicato al design, un'essenziale storia dell'architettura del '900 e di inizio millennio attraverso 20 grandi autori, sistemati in 4 macrosezioni: i maestri del Movimento Moderno (Le Corbusier, Wright, van der Rohe, Gropius e Aalto), i grandi interpreti del suo superamento (Kahn, Tange, Tavora, Coderch e Aldo Rossi), la rilettura dei compiti dell'architettura da parte dei professionisti colti (Foster, Piano, Gregotti, Ando e Moneo), i protagonisti della generazione nata dopo la guerra (Koolhaas, Hadid, Souto de Moura, Kuma e Chipperfield). 4 controstorie ricostruiscono la complessa dialettica storica di ogni periodo, attraverso il racconto dell'apporto decisivo di figure e movimenti non inclusi nelle sintesi monografiche.

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🎧 Cosa bolle in ‘cuffia’?

È passato un po’ di tempo dall’ultima newsletter e mi ritrovo - un po’ impantanata a dire il vero - nell’apparentemente interminabile fase di “accasamento” post trasloco, quella in cui i lavori sono praticamente finiti ma non finiti finiti finiti, quella della polvere in ogni dove, degli scatoloni parcheggiati che puoi svuotare solo in parte e, nel mio caso, anche quella di una vita che ora si divide tra la libera professione e una nuova quotidianità, più consapevole, che prevede il prendersi cura dei propri cari. Questo è il motivo principale per cui sono tornata ad Ascoli Piceno dopo un lungo capitolo a Milano (chi è figlio unico e ha, o ha avuto, genitori anziani lontani, può sicuramente capire).

La nuova dimensione, tuttavia, mi affascina. Sto scoprendo, giorno dopo giorno, che la città in cui sono nata – sebbene non vi abbia, paradossalmente, mai vissuto stabilmente prima – in qualche modo mi somiglia. Adoro attraversare la rinascimentale Piazza del Popolo quando piove e si presenta deserta: il travertino, già levigato e lucidato dall’incessante passaggio delle persone, riflette come uno specchio la calda luce proveniente dalle logge, la facciata del Palazzo dei Capitani e quella di San Francesco, che fa da quinta romanico-gotica. Amo respirarla alla sera, quando l’odore della legna che arde nei camini penetra attraverso le fredde rue del centro. Esplorare un territorio che si estende dall’Appennino all’Adriatico, dove in 30 minuti di orologio si può decidere in inverno se sciare per qualche ora o fare una passeggiata rigenerante sulla spiaggia, è poi qualcosa di impagabile. Essere così fisicamente vicini alla natura e alle cose semplici, essenziali, immersi nella pace e nel silenzio di una piccolo centro abitato, rappresenta - in particolar modo per chi, come me, ha fatto della scrittura il proprio ‘adorato cruccio’ - una condizione quasi indispensabile. La prossimità si prende gioco di me, della mia percezione del tempo, che sembra quasi rallentare. E voglio crederci che rallenti per davvero, anche per alimentare la speranza di poter tornare a dedicare parte di quel tempo alla divulgazione, ai miei progetti … sebbene la natura imprevedibile della professione e gli attuali impegni familiari mi costringano a vivere un po’ alla giornata, rendendo spesso difficile pianificare.

La cosa che tuttavia amo di più del mio lavoro – e che considero un enorme privilegio – è la possibilità di incontrare, vuoi per servizi editoriali, vuoi per eventi o altre interazioni, personalità straordinarie del mondo dell’architettura. Fra queste c’è sicuramente Marco Visconti, progettista torinese, pioniere della sostenibilità e autore di opere importanti, fra cui lo stabilimento Fiat Stellantis a Melfi e il ristorante Ferrari a Maranello, per citarne giusto un paio. Grazie al suo spirito curioso, al desiderio di condividere cultura e alla sua affascinante storia, ho trovato il coraggio e l’energia per dare vita a un nuovo format di Dannati Architetti: serie podcast biografica che è sempre stata ‘a una voce’ (la mia) e all'interno della quale ho prevalentemente dedicato episodi ad architetti appartenuti al passato. Mi sono chiesta dunque, anche motivata dall’entusiasmo di Marco Visconti, che si è gentilmente prestato alla registrazione del primo episodio pilota, se non fosse giunto il momento di occuparmi anche del presente, o di un passato più recente, lasciando che fossero gli stessi protagonisti - donne e uomini attivi nel campo dell’architettura - a raccontarsi davanti al microfono, ripercorrendo il proprio percorso e i progetti realizzati, dagli esordi fino a oggi. Ebbene sì, era proprio arrivato il tempo di ascoltarsi. E di ascoltare.

La prima puntata di Dannati Architetti Talk, dedicata a Marco Visconti, sarà disponibile a partire dal 3 marzo 2025 su YouTube, Spotify e tutte le altre piattaforme audio (podcast/canale: Dannati Architetti). Gli iscritti a Substack riceveranno l’episodio via newsletter il giorno dell’uscita. Ulteriori informazioni e aggiornamenti relativi al format seguiranno anche su Instagram.

In anteprima, per voi, il trailer dell’episodio.

A risentirci, prestissimo!

Maria Chiara

📚 Libri di architettura, design … e moda!

Scritti scelti sull'architettura e la città 1956-1972

di Aldo Rossi, il Saggiatore, 2024 | €30,00 Copertina flessibile | Lingua italiana

Gli “Scritti scelti sull'architettura e la città” di Aldo Rossi sono i testi che più hanno plasmato l’idea contemporanea di pianificazione urbanistica. È il 1955 quando Aldo Rossi comincia a scrivere sulle pagine di Casabella. È ancora solo uno studente, ma in quei primi testi si intravede un ideale che prende forma riga dopo riga. Già nei suoi saggi giovanili sul neoclassicismo italiano, possiamo scorgere i concetti su cui Rossi fonderà la sua idea di architettura. La raccolta segue l'evoluzione della sua teoria, dal concetto di «città per parti», sino alla critica al «funzionalismo ingenuo» e all’interazione tra l’edificio e l’ambiente circostante. In un contesto urbano in cui i problemi spaziali sono sempre più evidenti, la voce di Rossi offre una visione che unisce poetica, tecnica, arte e pianificazione, suggerendo che solo guardando al passato si possa immaginare il futuro della comunità.

Pier Luigi Nervi. L'arte del costruire

di Gabriele Neri, Hoepli, 2024 | €51,00 Ebook - €60,00 Copertina flessibile | Lingua italiana

Per questo volume che mi sento davvero di consigliare a tutti gli appassionati di architettura, e di Nervi, come la sottoscritta, riprendo quanto scritto nel mio articolo pubblicato su Living Corriere.

Un’analisi critica e approfondita dell’opera completa di uno dei più grandi ingegneri del Novecento. Non solo un ritratto biografico, ma una lettura rigorosa che ne ripercorre l’intera carriera, dagli esordi alle opere più iconiche, mettendo in luce il connubio unico tra tecnica ed estetica che ha caratterizzato il suo lavoro e lo ha reso simbolo del made in Italy. Dal bel paese all’America, dall’Asia all’Africa sino all’Australia, attraverso dettagliate schede tecniche, documenti storici e fotografie d’archivio, il volume – frutto di anni di ricerca del bravissimo Gabriele Neri – offre una panoramica completa e visivamente ricca dell’opera nerviana. Particolare attenzione è riservata al tema, oggi più che mai attuale, della tutela dei suoi edifici, a dimostrazione di quanto l’eredità costruttiva di Pier Luigi Nervi rimanga straordinariamente viva e attuale, continuando, dal Novecento, a influenzare profondamente la cultura architettonica e ingegneristica.

Architecture meets fashion

di Andrea Capanna e Leone Spita, Marsilio Arte, 2024 | €29,42 Copertina flessibile | Lingua italiana e inglese

Il volume, frutto di una ricerca dell'Ateneo Sapienza, esplora il legame tra moda e architettura, analizzando come entrambe influenzino e riflettano identità sociali, culturali e personali. Attraverso saggi storici, analitici, interviste e progetti interdisciplinari, gli autori esaminano come moda e architettura siano stili di vita che modellano città, uno attraverso l’abitare dei corpi e l’altro attraverso la configurazione dei luoghi. Due sezioni aggiuntive approfondiscono la mappatura delle città della moda contemporanea e l'uso dell’intelligenza artificiale per esplorare gli spazi di esposizione, produzione e vendita. Il libro si propone come strumento per comprendere le trasformazioni sociali e urbane attraverso l’interconnessione tra questi due mondi.

Forgotten Churches: Exploring England's Hidden Treasures

di Luke Sherlock, illustrazioni di Ioana PioaruIoana Pioaru, Frances Lincoln, Marzo 2025 (preorder) | €17,08 Kindle - €20,00 Copertina rigida | Lingua inglese

Passando i fine settimana ad esplorare le storiche chiese immerse nella pittoresca campagna inglese – e condividendone la bellezza e la storia dimenticata sui social media – Luke Sherlock sta portando la storia dell’Inghilterra e il patrimonio della sua campagna rurale a un nuovo pubblico. L’Inghilterra è ricca di chiese straordinarie, che spaziano da piccole cappelle in pietra a capolavori romanici, da robuste costruzioni sassoni millenarie e monumenti gotici imponenti e tesori dell’epoca vittoriana. Questi luoghi speciali, spesso poco celebrati e trascurati, punteggiano il paesaggio inglese, raccontando, nel loro insieme, la storia della nazione. Viaggiando in ogni angolo dell’Inghilterra – dalle paludi del Kent alle lande del Norfolk, dalle colline dello Yorkshire ai sentieri del Somerset e oltre – Sherlock documenta con cura questi edifici unici, celebrandone le storie e decodificandone i significati nascosti. Riunendo 70 delle chiese più insolite, affascinanti e suggestive d’Inghilterra, Sherlock racconta storie di artigianato e comunità locali, ponendo questi edifici al centro della storia nazionale e svelandone i segreti dimenticati e il profondo significato culturale.

La voce del diavolo. L’arte contemporanea e la moda

di Fabriano Fabbri, Einaudi, 2024 | €17,00 Kindle - €44,00 Copertina rigida | Lingua italiana

Fabriano Fabbri esplora le profonde connessioni tra il mondo della moda e quello dell'arte, tracciando una storia che si snoda dalle origini del Neoclassicismo alla contemporaneità . Il libro svela le “spinte sotterranee” che nel corso del tempo hanno legato il design dell'abbigliamento ai movimenti artistici, come il Minimalismo, il Surrealismo, la Pop Art attraverso figure come Dalí, Schiaparelli, Mondrian e Saint Laurent. l’autore analizza, inoltre, come l'arte del vestire, dalla fine del Settecento sino agli anni Duemila, abbia liberato il corpo da convenzioni morali, disagi e inibizioni, e questo grazie a innovazioni tecnologiche e rivoluzioni culturali, come quella sessuale. Un racconto che intreccia moda e arte per raccontare una storia di libertà e trasformazione.

Visus. Storie del volto dall’antichità al selfie

di Riccardo Falcinelli, Einaudi, 2024 | €25,00 Copertina flessibile | Lingua italiana

«Cosa c’è di più facile del volto? Tutti ne abbiamo uno, e abbiamo a che fare con quello degli altri. Eppure, di tutte le cose che ci capita di guardare, il volto rimane la più enigmatica». Da Alessandro Magno a Rita Hayworth, da Elsa di “Frozen” al bambino della Kinder, dall’icona di Cristo fino alle foto sulle lapidi dei nostri nonni, Riccardo Falcinelli porta il nostro sguardo su qualcosa che diamo per scontato: le facce. Dopo Cromorama e Figure, l'autore approfondisce come i volti, da quelli dei sovrani rinascimentali a quelli ritratti nei selfie moderni, siano stati sempre modellati per attribuirvi valori di potere, bellezza o sacralità. Attraverso un'analisi che abbraccia l'arte, la semiotica, le neuroscienze, la storia, e con oltre 600 immagini a colori, Falcinelli inventa una sorta di "facciologia" e riflette su come il volto influenzi la nostra identità e la percezione sociale.

Carla Sozzani. Arte, vita, moda

di Louise Baring, L’ippocampo, 2024 | €39,90 Copertina flessibile | Lingua italiana

Carla Sozzani è una delle figure che hanno plasmato la moda, l’arte e il design degli ultimi decenni. Direttrice di Elle e dei numeri speciali di Vogue, ha lavorato fianco a fianco con stilisti come Azzedine Alaïa, Rei Kawakubo e Paco Rabanne. Nel 1990 ha fondato 10 Corso Como, uno spazio innovativo che mescola moda, arte, design e convivialità, esprimendo la sua visione pionieristica. Insieme alla sorella Franca, a lungo direttrice di Vogue Italia, ha avuto un impatto decisivo sulla moda globale. Questa biografia, ricca di fotografie e citazioni, celebra la sua figura vulcanica e infaticabile, che ha dato voce alla cultura contemporanea attraverso riviste, mostre, volumi e la Fondazione che porta il suo nome.

Equilibri instabili. Pensieri scritti in progressione. Raccolta completa di articoli e saggi dalla rivista Interni 1979-2023

di Andrea Branzi, Electa, 2024 | €45,00 Copertina flessibile | Lingua italiana

Il volume per amanti della scrittura e del design, che raccoglie per la prima volta circa duecento testi di Andrea Branzi, uno dei protagonisti indiscussi della riflessione sulla contemporaneità e sul ruolo del design come ambito di sperimentazione. Questa antologia di articoli e saggi - pubblicati sulla rivista Interni dal 1979 al 2023 e corredati da alcuni disegni autografi - ripercorre quasi mezzo secolo di riflessioni sul progetto e sui mutamenti della società, attraverso dialoghi, ritratti e interviste ai protagonisti del design e della critica, pensieri sull'architettura e sugli interni. Con il suo stile fluido e originale, Branzi “auto documenta” il suo pensiero in evoluzione: quello di una figura intellettuale poliedrica che ha contribuito a raccontare, e forse anche plasmare, la cultura del design negli ultimi quarant'anni.

Cini Boeri. Con assoluta autonomia

di Cristina Moro, Electa, 2024 | €12,00 Copertina flessibile | Lingua italiana

Cini Boeri, al secolo Maria Cristina Mariani Dameno, è stata una progettista milanese, ma anche una partigiana, una donna indipendente e curiosa, determinata e ironica. Il libro di Cristina Moro, frutto di un lavoro di ricerca nell'archivio privato e di numerose testimonianze raccolte, esplora la sua figura professionale e la sua vita, tra luoghi d'affezione come piazza Sant'Ambrogio e l'isola de La Maddalena, e il suo impegno nella progettazione di spazi e oggetti che promuovono l'autonomia e il benessere degli abitanti. Il volume fa parte della collana OILÀ, curata da Chiara Alessi, che racconta le storie di donne che, in ambiti tradizionalmente maschili, hanno lasciato un'impronta significativa nel panorama creativo del Novecento. Ogni libro della serie è pensato per una lettura rapida, di circa quarantacinque minuti. Il progetto grafico è a cura dello Studio Sonnoli.

Nike: Form Follows Motion

a cura di Mateo Kries e Glenn Adamson, Vitra Design Stiftung, 2024 | €65,00 Copertina rigida | Lingua inglese

Pubblicato in occasione della mostra autunnale del 2024 presso il Vitra Design Museum in Germania, questo volume esplora la storia del design di Nike, uno dei marchi sportivi più venerati al mondo. Il catalogo della mostra segue l’evoluzione dell’azienda, tracciando le tappe fondamentali, i prodotti iconici e le ispirazioni di design nell’arco di 50 anni. Esamina anche la ricerca scientifica di Nike, che inizia sempre con un’attenta osservazione del corpo in movimento, fondendo infine tecnologia, funzionalità ed estetica. Il libro presenta materiali inediti, tra cui rarità e pezzi unici risalenti ai primi anni '60, schizzi di design originali e prototipi di modelli iconici di sneaker, documenti storici e film, e i risultati delle collaborazioni con figure creative come Virgil Abloh e Marc Newson, e con atleti e stilisti.

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📗 Un nuovo capitolo da scrivere

Spero che questa selezione vi sia piaciuta e possa ispirarvi per qualche regalo dell’ultimo minuto. In attesa di risentirci a gennaio – con una novità podcast e tanti articoli qui – vi auguro un sereno Natale e un buon inizio d’anno, nella speranza che il prossimo sia migliore di questo, giunto finalmente alle battute finali.

Tirando le somme, il 2024 è stato per me un anno strano, sicuramente non positivo. Tuttavia, mi conforta sapere di essere sul punto di voltare pagina, e che un importante cambiamento avvenga, per coincidenza, proprio adesso. Scrivo infatti questa newsletter dal soggiorno di una casa ormai vuota, quella che per sette anni è stata il mio rifugio a Milano e che ora, spoglia e quasi irriconoscibile, sembra già appartenere al passato. Tra poche ore lascerò questa città per trasferirmi definitivamente ad Ascoli Piceno, il piccolo centro in cui sono nata, e dove – paradossalmente – non ho mai vissuto. Come sarà scrivere questo nuovo capitolo? Non vedo l’ora di scoprirlo e di lasciarmi sorprendere, pagina dopo pagina.

A presto e, ancora, buone feste a tutti e tutte voi. 🎄✨

Maria Chiara