La cabina sospesa a mezz’aria avanza oscillando dolcemente.

Sembra danzare nel ripetersi regolare della sua coreografia meccanica, che esegue con liturgica precisione. Vibra, sobbalza ed emette rumori ferrigni ogni volta che il cavo intercetta un pilone, interrompendo per qualche istante l’ipnosi indotta dal suono ovattato che pervade l’interno e anestetizza la parola di fronte alla vista.

Sono sensazioni familiari per chiunque sia mai stato in montagna, con l’unica differenza che, nonostante l’altissima quota, non ci si trovi stavolta a penzolare lungo il dorso di un pendio alpino. Al posto del consueto paesaggio boschivo, sotto ai piedi sfila infatti un’immensa città.

Case di mattoni forati e telai di cemento armato a facciavista appaiono tutte uguali a perdita d’occhio. La densità edilizia è spaventosa, così come è straniante - per quanto perfettamente logico, considerata l’ostilità orografica - che si sia scelto di affidare la mobilità urbana a un impianto funicolare degno di un moderno comprensorio sciistico. La Cordigliera delle Ande e il massiccio innevato dell’Illimani fanno da sfondo alla gigantesca conca naturale all’interno della quale il paesaggio costruito si dipana, assecondando anche i versanti più ripidi. Lo scenario che mi si presenta davanti, mentre sono dall’altra parte del mondo a bordo di una funivia fuori contesto, è a dir poco surreale e alimenta un incessante flusso di interrogativi mentali sulle bizzarrie urbanistiche di La Paz, con cui sto facendo la mia prima conoscenza.

Lo scossone sull’ultimo pilone mi riporta con i piedi per terra, letteralmente. La cabina rallenta, si avvicina alla stazione: è il momento di cambiare linea.
Mi trovo in Bolivia da qualche giorno e con me c’è Dante, la guida locale che mi accompagna da quando ho attraversato il confine a Copacabana, lasciandomi il Perù alle spalle.

Il giro sulla teleferica1 della capitale amministrativa più alta del mondo è, a quanto pare, un immancabile rito turistico, sia per godere del panorama mozzafiato, sia perché costituisce l’unica alternativa utile per aggirare il traffico caotico e superare i vertiginosi dislivelli. Raggiungiamo dunque agilmente il percorso azzurro in direzione di El Alto: ex periferia ovest di La Paz e, dal 1988, città autonoma che si estende sull’Altopiano Andino a oltre quattromila metri sopra il livello del mare.

La funivia, il cui cavo è ormai orizzontale, sorvola l’affaccendata Avenida 16 de Julio2 ed è proprio qui che la monotona distesa di edifici fatiscenti, lasciati al grezzo, inizia a regalare qualche sorpresa inaspettata. Imponenti facciate dai colori sgargianti e apparati decorativi sopra le righe punteggiano, prima sporadicamente, poi a decine, il fitto tessuto urbano, conferendo ai fabbricati un’estetica che potrebbe essere frettolosamente liquidata come kitsch o huachafa3, per usare una parola imparata da poco a Lima.

Il mio sguardo incuriosito si posa su una di queste eccentriche strutture. Dante immediatamente lo intercetta:

«quello è un cholet. Perché in Bolivia ci sono la generazione bianca e l’indigena. Quella indigena che è venuta in città non vuole più essere considerata indigena, ma allo stesso tempo non appartiene nemmeno all’altra società. Allora loro sono i cholos. Qui abitano praticamente tutti loro. E siccome queste case non si possono chiamare chalet, allora le chiamiamo cholets».

Apprendo che quella che stiamo percorrendo è la Ruta de los Cholets, itinerario aereo privilegiato per osservare questi edifici ‘neo-andini’ che caratterizzano El Alto, giovane città satellite4 di prevalente etnia Aymara. La spiegazione di Dante, seppur in un italiano elementare, tradisce una questione di razza e di classe irrisolta alla base del fenomeno architettonico; a catturare la mia attenzione è soprattutto la ‘discriminante’5 radicata nel neologismo. Cholet è infatti la crasi linguistica tra chalet (vocabolo svizzero che indica l’omonima tipologia residenziale) e cholo (termine spagnolo utilizzato in Sud America per indicare gli individui meticci dai tratti marcatamente indigeni), ed è evidentemente rivelatrice di una tendenza la cui recentissima diffusione6, tutt’altro che trascurabile, incarna il legittimo tentativo di appropriazione culturale, autorappresentazione ed emancipazione da parte della nuova borghesia Aymara, la quale, visti gli esiti, sembrerebbe aver definitivamente trovato la propria cifra.

Alti dai tre ai sette piani e disposti l’uno accanto all’altro, i cholets occupano interi lotti e concentrano la propria unicità espressiva sul fronte strada, dove prospetti policromi e geometrici reinterpretano liberamente, in chiave stilizzata e moderna, i caratteri dell’architettura tihuanacota, l’iconografia andina, gli intrecci dei vivaci tessuti boliviani e altri variegati orpelli o artefatti che riflettono il gusto, le origini e l’identità dei committenti. All’interno, dal piano terra alla sommità, trovano rispettivamente collocazione spazi commerciali, sontuosi saloni per feste ed eventi, ambienti residenziali (di solito destinati ai principali membri della famiglia) e, naturalmente, lo chalet, ossia l’abitazione dei proprietari. Ne deriva un programma funzionale che si avvita agli interessi economici e alle usanze conviviali locali, rivolgendosi espressamente alla comunità alteña7 mediante un linguaggio architettonico che sfugge all’interpretazione del forestiero. Oltre al substrato sociale da cui il caso cholet è germogliato, è infatti opportuno osservare il contesto urbano in cui si inserisce (sostanzialmente refrattario al senso del luogo, privo di norme o di vincoli) attingendo di volta in volta a repertori diversi in base ai desideri dei singoli soggetti coinvolti.

Dante mi tira fuori dall’impasse di una lettura formale più approfondita8 - prevedibilmente destinata a lasciare il tempo che trova - distillando in poche parole ciò su cui continuo a rimuginare da circa un’ora:

«qui la gente costruisce come sente. È un modo libero. Sai, spontaneo e spensierato... senza tutta quella pianificazione».

Da un’esperienza di viaggio.
La Paz - El Alto, Bolivia
Agosto 2019

Bibliografia

Continillo, Maria Chiara (2019). Ways of Seeing Architecture: Learning from El Alto. Tesi Magistrale in Storia e Teoria dell’Architettura. Politecnico di Milano

Bomholt, Marius (2024). Huachafo architecture between kitsch and aesthetic innovation. Instituto Universitario de Investigación Ortega y Gasset, UCM, Madrid

Non sono una grande frequentatrice di YouTube, ma ogni tanto mi capita di guardare qualche video a tema viaggi, moto e corse.
E «come mai non video di architettura?», domanderebbe qualcuno.
«Beh, perché ‘quella‘ mi intrattiene tutti i giorni, tutto il giorno, in tutte le salse», risponderei io.
Ciò non toglie, però, che io la ami moltissimo e che, anche nei momenti di svago e distrazione, l’occhio finisca inevitabilmente per cadere - in fallo - su qualche edificio strano che compare sullo sfondo o su qualcosa che, anche solo trasversalmente, riguardi il costruire.
In sostanza, io cerco di prendermi una pausa dall’architettura e lei, giustamente, mi rincorre e mi riagguanta lungo la via.

Ebbene, succede la seguente cosa.

Incappo in un video di Nicolò Balini (Human Safari) dedicato ad Ashgabat, capitale del Turkmenistan. Intorno al decimo minuto non posso fare a meno di notare le familiari strutture a fungo che sorreggono la copertura di un mercato. E non uno qualunque: si tratta infatti del Gülistan, uno dei mercati coperti più grandi e architettonicamente importanti del Paese.

Ed eccola lì, l’architettura: puntuale, appostata dietro a un un ignaro Balini mentre si appresta ad assaggiare e a documentare tutte le spezie e i prodotti tipici del market, e pronta a rovinare anche questo - mio - tentativo di evasione.

Lei mi scruta, io faccio la vaga ma nel giro di pochi secondi la curiosità ha già vinto: il video è in pausa ed eseguo la prima googlata (ancora innocente, almeno nelle intenzioni). Apprendo così che il mercato è stato progettato e costruito, tra il 1965 e il 1982, dall’architetto russo Vladimir Vysotin nell’ambito del “Programma di ricostruzione di Ashgabat del 1970-1980” e che il complesso occupa il sito dello storico bazar sorto nei pressi della fortezza russa, attorno alla quale, dal 1881, ha iniziato a svilupparsi la città moderna. All’epoca il mercato era il luogo più frequentato della nuova Ashgabat; i mercanti provenienti dai paesi vicini, soprattutto dalla Persia, vi portavano le loro merci, ma i trasporti commerciali e l'approvvigionamento erano in gran parte gestiti dai molocani, una comunità cristiana russa insediata nell’area. Da qui il nome Russian Bazaar, rimasto nell’uso comune anche dopo la costruzione, iniziata nel 1972, del “mercato coperto № 4” denominato “Gülistan” solo nel 1996.

Vi chiederete a questo punto dove voglia andare a parare.
O forse no, visto che il titolo e le immagini potrebbero (o dovrebbero) avervelo già suggerito.

Ecco il punto: l’incredibile somiglianza del mercato coperto con Damiano dei Manes1… pardon, con il Palazzo del Lavoro di Pier Luigi Nervi, ovviamente.
L’edificio costruito tra il 1959 e il 1961 a Torino per ospitare la mostra «L’uomo al lavoro», curata da Gio Ponti, nell’ambito dell’Esposizione Internazionale indetta per celebrare il primo centenario dell’Unità d’Italia.

Urge affinare la ‘googlata’.

Inizio a cercare informazioni su questo Vysotin, architetto a me sconosciuto. I risultati sono pochi e gli omonimi moltissimi, ma alla fine, copiando e incollando parole a caso in cirillico, atterro sulla pagina Wikipedia russa a lui dedicata. Scopro così che il suo nome completo è Vladimir Nikolaevič Vysotin (Высотин Владимир Николаевич) e quanto segue relativamente al mercato coperto Gülistan:

L’opera più significativa è il centro commerciale Gülistan, situato nella parte storica del centro di Ashgabat, la cui immagine architettonica, ancora oggi priva di analoghi, costituisce uno degli elementi dominanti del paesaggio urbano. Per l’originalità della composizione, l’unità tra soluzione architettonica, strutturale ed espressiva, l’interpretazione contemporanea delle tradizioni nazionali e la maestria nell’impiego delle qualità plastiche del cemento armato monolitico, Vysotin ricevette il Premio del Consiglio dei ministri dell’URSS nel 1984.

L’originalità del paragrafo in questione, si intende, supera di diverse lunghezze quella dell’opera, dichiaratamente ‘ispirata’. Inizio quindi a cercare notizie che correlino Vladimir Vysotin a Pier Luigi Nervi e, dopo svariati tentativi, spunta un interessante articolo sul magazine Orient del quale riporto i passaggi salienti.

Durante un viaggio giovanile in Italia, nel 1965, Vladimir Vysotin rimase profondamente colpito dal Palazzo del Lavoro di Torino, costruito adottando il linguaggio del Modernismo. In particolare, fu affascinato dalle numerose mensole metalliche che si diramavano dalle colonne e riprese questa soluzione nel progetto del mercato di Ashgabat. Vysotin non realizzò una copia, ma reinterpretò creativamente il progetto dell’ingegnere italiano Pier Luigi Nervi, riuscendo ad attribuire alla struttura i caratteri della simbologia nazionale. Alzando lo sguardo verso il reticolo di nervature che sostiene la copertura, si può infatti osservare come le sedici travi a sbalzo che si diramano da ciascuna colonna siano irrigidite da elementi trasversali, formando lungo il profilo esterno una stella a otto punte2.

Lo sbalzo in cemento armato monolitico, lungo quasi dieci metri, sembra sospeso nell’aria e poggia su una possente colonna. Dieci di questi giganteschi ombrelli strutturali, accostati tra loro, formano una copertura sopra il complesso commerciale, proteggendolo dal sole e dalle precipitazioni. Una soluzione costruttiva tanto audace fu sapientemente calcolata dall’ingegnere capo del progetto, Aleksej Belov. I suoi meriti appaiono ancora più rilevanti considerando che la struttura fu realizzata in una zona ad alta sismicità.

Su chi fosse questo Aleksej Belov è purtroppo mistero fitto. Sul web non sono riuscita a reperire alcuna informazione né su di lui né sul suo operato (sì, ho provato anche in cirillico). Una cosa, però, sembra abbastanza chiara: plagio, citazione, ‘prestito creativo’ che sia - stabilirlo credo lasci oggi il tempo che trova - per reinterpretare la concezione strutturale del Palazzo del Lavoro, ricorrendo esclusivamente al cemento armato, l’ingegnere non doveva essere certo l’ultimo arrivato.

A questo punto non mi resta che mettere da parte Google e riordinare i pochi tasselli a disposizione per tentare almeno un confronto architettonico e dimensionale tra le due opere.

Quanto sarà utile farlo da uno a dieci? Mi rispondo da sola con un convinto «sì» e procedo comunque con l’esame. Per chi non avesse voglia di sorbirsi la carrellata di dati - ci sta, non mi offendo - ci rivediamo al “Tiro le somme”.

Il Palazzo del Lavoro di Torino, completato nel 1961, si sviluppa all’interno di una pianta quadrata di 158 metri per lato. La copertura è articolata in sedici moduli identici e autonomi, i cui ‘riquadri’ con lato di 38 metri, disposti in una griglia 4 × 4, coprono una superficie di 25.000 metri quadrati. Ciascun ombrello è sostenuto da un pilastro di cemento armato gettato in opera, alto 20 metri e caratterizzato da una sezione variabile, cruciforme alla base e circolare in sommità. Qui sbalza una raggiera di venti mensole d’acciaio montate in serie, mentre fasce continue di lucernari, larghe 2 metri, separano un elemento dall’altro. Il padiglione espositivo, alto complessivamente 26 metri, è chiuso lungo il perimetro da una facciata continua vetrata e comprende gallerie con solai a nervature isostatiche.

Nel mercato Gülistan di Ashgabat lo stesso principio viene adattato a una configurazione rettangolare, ridotta nelle dimensioni: dieci ombrelli monolitici di cemento armato, disposti in due file da cinque moduli, identici e indipendenti, formano una copertura lunga indicativamente 126 metri e larga 50. Come anticipato, ogni modulo è composto da sedici travi collegate da elementi trasversali che disegnano lungo il bordo una stella a otto punte.

La superficie coperta dai dieci riquadri di 24 metri per lato - comprensiva degli interstizi tra un ombrello e l’altro, occupati da elementi di copertura metallici sopraelevati che consentono l’ingresso della luce solo ai lati e proteggono dalla pioggia - dovrebbe aggirarsi intorno ai 6.300 metri quadrati. A questa si affiancano i corpi più bassi destinati a negozi e servizi, disposti attorno alla struttura e organizzati secondo un impianto a ‘U’, e il piano interrato adibito a scarico e stoccaggio attraversato da 8 pilastri su 10. I due ombrelli “liberi” si trovano sul fronte principale, animato da una vasca d’acqua con fontana allineata al piano strada.

A differenza del padiglione espositivo torinese, il mercato turkmeno rimane aperto sui lati, così da favorire la ventilazione naturale. Le poche fonti disponibili non riportano tuttavia l’altezza delle colonne che, meno plastiche e raffinate nel disegno rispetto a quelle progettate da Nervi, presentano un fusto lineare scandito da scanalature verticali e orizzontali, e una rastremazione che conserva invariata, alla base e in sommità, una sezione a stella ancora una volta a otto punte.

L’unico dato utile per stimare l’altezza delle strutture ad albero è fornito dal Bullettin n. 34 dell’International Institute for Central Asian Studies che, a pagina 94, indica in 9,5 metri l’altezza della scultura Persian Gazelle’s Cup, realizzata dall’artista turkmeno Klych Yarmamedov e collocata all’interno dell’edificio. Il confronto con le piante - visionabili qui - consente di ipotizzare che l’intradosso della copertura si trovi a una quota di circa 17 metri rispetto al basamento incassato del complesso (ossia dalla quota del piano interrato) e a circa 12 metri dal piano principale, dove si trova l’opera e viene allestito il mercato (nella foto di seguito).

Tiro le somme. (E bentornati saltatori di dati).

Il confronto, pressoché inutile ma al quale non sono riuscita a sottrarmi, restituisce due edifici molto diversi per scala e, in parte, per materiali. Se questo lo si capiva già dalle fotografie, ecco le proporzioni: il Palazzo del Lavoro copre una superficie quasi quattro volte superiore a quella del Gülistan, mentre il riquadro di un singolo modulo a ombrello ‘torinese’ è circa due volte e mezzo più grande del corrispettivo ‘turkmeno’.

Vysotin riprende evidentemente il principio strutturale e l’immagine architettonica elaborati da Nervi, riducendone le dimensioni (che rimangono tutto sommato generose), sostituendo alle mensole d’acciaio articolate nervature di cemento armato e adattando la matrice quadrata a una pianta rettangolare sufficientemente ampia per accogliere un mercato coperto liberamente attrezzabile e attraversabile.

Ed eccomi qui, giunta quasi alla fine di questo pezzo con la sensazione di aver prodotto una non-notizia, anzi, il perfetto prototipo della non-notizia: una storia sconclusionata che si esaurisce nel proprio cortocircuito (e probabilmente, dopo essermi addentrata e contestualmente persa nei meandri della versione russa di Google, anche nel mio, di cortocircuito) e la cui scarsa notiziabilità dipende dall’impossibilità oggettiva di approfondire, almeno sul web.

Per carità, si potrebbe aprire una parentesi sulle strutture dei mercati coperti o delle rimesse industriali che spesso adottano sostegni fungiformi e altre soluzioni creative in calcestruzzo per ovviare al problema degli ingombri a terra (mi vengono in mente gli ombrelli iperboloidi di Giorgio Baroni, per dirne una), soffermarsi sugli esiti brutalisti dell’architettura sovietica… ma si sconfinerebbe ulteriormente oltre il merito.

Al di là dell’evidente analogia, gli elementi a disposizione sono insufficienti per imbastire una qualche inchiesta architettonica (si scherza, naturalmente) e troppo circoscritti per attribuire alla vicenda del Palazzo del Lavoro turkmeno un peso e una rilevanza che vadano oltre la mera curiosità (forse solo quella della sottoscritta). Lungi da me, dunque, sollevare un caso, celebrare un processo postumo a Vladimir Vysotin - scomparso peraltro molto giovane, a soli 56 anni - o pronunciare sentenze sul suo operato. Mi limiterò all’ironia, che è un po’ la cifra di questo non approfondimento, lasciando che sia il già menzionato cortocircuito a chiudere il cerchio, accompagnato dalla seguente riflessione.

Nel trasporre il sistema del Palazzo del Lavoro alla maniera sovietica, affidandosi esclusivamente al cemento armato, Vysotin e Belov ottennero una struttura più massiccia, più articolata e - presumibilmente - più complessa da calcolare.
Il paradosso? È nel modello scelto, il quale rappresenta un’eccezione nella prolifica parabola di Pier Luigi Nervi: l’ingegnere più famoso del mondo che fondò il proprio linguaggio sulla plasticità del calcestruzzo, sulle volte sottili, sull’economia dei tavelloni di ferrocemento e delle nervature isostatiche, sulla corrispondenza biunivoca nonché poetica tra forma strutturale e forma architettonica.

Il padiglione torinese, per quanto maestoso e al contempo essenziale nelle sue linee, è infatti una delle pochissime opere realizzate da Nervi mediante l’impiego di acciaio - determinante in questo caso per resa grafica, leggerezza e tempi ridottissimi di montaggio in opera - e progettata insieme al figlio Antonio Nervi e a Gino Covre, all’epoca autorevolissimo ingegnere nel campo delle costruzioni metalliche.

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Quando arrivarono le lastre della facciata, Corrado Malvesi era già lì.
Settantadue anni, bastone da passeggio in una mano, martelletto nell’altra, giunse in cantiere di buon mattino, camminando nervosamente a passo svelto nonostante la gamba malandata. Fece sistemare due cavalletti e, a una a una, esaminò le lastre di travertino appena scaricate osservandole in religioso silenzio. Se c’era anche solo un’irregolarità - una stonatura cromatica1, qualche piccola macchia inattesa, o peggio, un’incrinatura - lui le spaccava.

Perché, spiegava, «se gli dico che non va bene, il capomastro risponde: “Sì, sì, la scartiamo!” … poi la mette da parte e non appena giro le spalle la monta comunque! E una volta che è in opera non la si può più togliere, perché vanno giù anche le altre»2.

Così Malvesi le rompeva senza pietà col martelletto portato da casa, per assicurarsi che in cantiere se ne trovasse almeno uno (il suo).

Era severo, ma aveva ragione: «gli architetti devono essere così!»

14 giugno 1935

Oggi ne ho fatte fuori tre. Tutte maledettamente difettose, con crepe qua e là. Avevano poi venature troppo calde e scure… impastavano col cielo. Le altre, più omogenee, possedevano il giusto tono. Le farò montare sul fronte longitudinale sinistro.

Il colonnato anteriore è tuttavia sempre lì, impiantato come una minaccia sui lucidi dell’ultima variante. Loro dicono che è “per la patria”. A me sembra solo un’impalcatura scenografica.

Corrado Malvesi stava lavorando alla sua ultima commessa. La più importante, nonché la più difficile da accettare. Si trattava del Palazzo delle Esposizioni e dei Ricevimenti di Vetrania, cittadina di quarantamila abitanti, incastonata tra le colline e i rilievi montuosi dell’Appennino Tosco Emiliano, dove lo stesso architetto era nato. Sapeva già che quell’edificio, destinato a ospitare eventi, mostre, congressi e cerimonie ufficiali, sarebbe servito al regime come mezzo di propaganda, e che il linguaggio architettonico, unitamente alla sua libertà individuale, avrebbero dovuto piegarsi a una narrazione ideologicamente orientata. Il MIAR3, del resto, si era sciolto e, sebbene una certa attenzione per la nuova architettura si fosse manifestata a seguito della vittoria del Gruppo Toscano di Giovanni Michelucci nel concorso per la Stazione di Firenze, il Neoclassicismo di Stato - essenzializzato, per quanto monumentale e romanissimo - si stava facendo strada dovunque, spazzando via con un’ondata di retorica banalità il sogno logico e funzionale dei razionalisti. Malvesi, benché di qualche generazione più anziano rispetto agli architetti che fondarono il movimento e vi aderirono, condivideva le loro stesse idee. Accettò l’incarico perché credeva fermamente che fosse possibile costruire un edificio celebrativo senza riferimenti scontati alla tradizione o appellandosi alla figurazione, dunque attraverso le aperture, le forme primarie, le relazioni astratte. Non aveva nulla da perdere nel tentare di dimostrarlo e avrebbe fatto tutto il possibile per convertire i vincoli imposti in un’architettura moderna, o parzialmente tale.
Neanche a dirlo, lo scoglio più grande da aggirare (quasi equivalente allo sforzo di conciliare l’inconciliabile), fu l’ordine perentorio, giunto a cantiere già avviato, di sostituire i semplici pilastri previsti sul fronte d’ingresso con un fastoso colonnato dorico. Una soluzione che - oltre a quella che avrebbe dovuto trovare per rimediare al “problema” - lo tormentava a tal punto da non farlo dormire la notte.
Non che negli ultimi anni gli riuscisse granché, a dire il vero ...
Abitava a poche centinaia di metri dal cantiere, in una casa indipendente su due piani all’ombra di un leccio secolare. Da quando Lea Martini se n’era andata, Corrado Malvesi non aveva toccato più nulla tra quelle mura. Tutto era rimasto esattamente com’era e dov’era: i fiori secchi ancora nei vasi, i libri aperti sul tavolo del salotto, la camera da letto perfettamente in ordine, ma chiusa a chiave. Era come se la polvere depositatasi sugli oggetti e le tappezzerie ingiallite potessero cristallizzare il ricordo di tutti quegli anni trascorsi insieme, rammentandogli quotidianamente, tuttavia, che lei non c’era più. La prematura dipartita dell’adorata moglie, scrittrice molto conosciuta a Vetrania, spezzò il suo cuore… finì in mille pezzi, come quelle lastre di travertino colpevoli di essere imperfette al tocco del suo infallibile martelletto.
Vedovo da anni, Corrado non provò mai a rimettere insieme “i cocci”, a rifarsi una vita. Così, nell’inutile tentativo di sopprimere il dolore, trascorreva notte e giorno a lavorare rintanato nel suo piccolo studiolo: un’umile “cella progettuale” ricavata al piano terra, nel locale di servizio a fianco alla cucina. All’interno di quella stanzetta, allestita di fortuna nel periodo in cui Lea era costretta a letto e Corrado, per assisterla, vi aveva trasferito l’essenziale dallo studio, si trovavano un grande tavolo da disegno inclinabile, uno sgabello con poggiapiedi, una brandina - poco più che un letto da caserma - e una poltrona consunta sulla quale era solito acciambellarsi Ottone. L’architetto l’aveva eccezionalmente spostata dal tinello per averlo accanto mentre, instancabile, disegnava e sovrapponeva idee a idee, soluzioni a soluzioni, sempre con una sigaretta accesa tra le labbra. Era un grosso gatto grigio, Ottone, di stazza regale, con una lunga coda vaporosa; forse un incrocio con un Maine Coon, forse un adorabile scherzo della natura. Alternava i suoi pisolini tra il tavolo di Corrado, affollato di fogli sparsi di cenere e di residui di gomma, e quella che, tempo addietro, era proprio la poltrona da lettura di Lea. Una morbida seduta Déco, rivestita in velluto lavorato color glicine, che portava i segni del tempo e dei suoi artigli sulla spalliera. Nessuno poteva accomodarsi lì ad eccezione del gatto. Era senza dubbio il suo giaciglio preferito, perfetto per sonnecchiare, stiracchiarsi, “fare la pasta”… probabilmente perché Ottone percepiva ancora l’odore della sua padrona: un leggero profumo di rosa e cipria rimasto impigliato nel tessuto.

9 ottobre 1935

Volumi puri, spazi a doppia altezza, percorsi in quota, dinamismo spaziale, trasparenza. Le mie premesse razionaliste si intrecciano con un metodo di controllo formale che non può totalmente prescindere dalla derivazione classica, ma è attraverso una certa attenzione alle soluzioni spaziali e rarefatte che la monumentalità si stempera. Così il progetto mi è uscito dalle mani come un gesto doppio, in cui al “dovere”, all’accademismo, risponde, in controcanto, la voce del linguaggio moderno.

La facciata, con quelle maledette colonne, sarà chiara a tutti; l’interno si rivelerà solo a chi saprà davvero leggere lo spazio.

Mi manca Lea. Mi manca qualcuno che sappia perché insisto.

Nauseato dalla gratuità ornamentale e dal formalismo che ne derivava, Malvesi seppe elaborare una soluzione di compromesso: trasformò i pilastri del prospetto principale in colonne prive di capitello4, così da conferirgli un’astratta stilizzazione. Del resto, come limitare le conseguenze di quell’estetismo, così deliberatamente evocativo di precedenti classici, se non attraverso la semplificazione degli elementi tettonici tradizionali?
Era l’unica via, ma non la sola mossa che gli rimaneva.
All’interno la monumentalità retorica sarebbe stata solo apparente, un’illusione costruita ad arte per celare la vera natura dell’edificio.
Lo schema planimetrico era sviluppato attorno a un grande ambiente centrale di forma rettangolare, lungo il cui asse si susseguivano, al piano terreno, l’atrio principale, la sala delle esposizioni e l’auditorium. Longitudinalmente, a destra e a sinistra, erano distribuiti su due livelli le sale minori, gli ambienti di servizio e gli uffici, mentre trasversalmente, sul lato opposto all’ingresso e al di sopra dell’auditorium, trovava collocazione la sala dei ricevimenti: un grande stanzone dagli alti soffitti raggiungibile tramite due rampe di scale simmetriche e illuminato dalle ampie finestre della facciata posteriore. Era una sorta di salone d’onore, lo spazio di rappresentanza tout court del palazzo, e Malvesi vi aveva fatto appositamente installare, fissati alle pareti, dei robusti pannelli che avrebbero offerto supporto all’immancabile apparato decorativo imposto dall’autorità: solenni composizioni musive, affreschi allegorici, fasci littori lavorati in rame brunito e ossidato… arte di propaganda! Ogni pannello era tuttavia montato su un sistema a ribalta perfettamente occultato nel bordo della cornice grazie a perni a scomparsa e cerniere incassate. Un dispositivo molto ingegnoso, mimetico, che consentiva sia di rovesciarli - rivelando sul retro una superficie neutra - sia di smontarli, senza lasciare tracce visibili sulle pareti. Codificato nel linguaggio lungimirante della reversibilità, il marchingegno ideato dall’architetto permetteva, con pochi movimenti, di restituire alla sala la sua purezza spaziale e cromatica: un piccolo atto di resistenza che, eludendo ideologia e ornamento, culminava in un’architettura pervasa dalla luce e dominata dal bianco. Muri e soffitti erano rifiniti in stucco a base di calce naturale, i pavimenti in pietra chiara, l’esterno dell’edificio interamente rivestito di lastre di travertino. I lunghi prospetti laterali risultavano ciechi, ad eccezione di quello esposto a nord, dove una fila di finestre basse illuminava la rampa di collegamento che conduceva al padiglione destinato a deposito.
Strutturalmente autonomo e volutamente collocato in secondo piano, questo volume tecnico, unitamente ai suoi aspetti architettonici, non rientrava tra gli interessi della committenza, la quale lo considerava poco più che un pezzo sacrificabile sulla scacchiera del progetto. Ma per Corrado Malvesi, che nella partita ideologica contro il potere giocava con il bianco, quel fabbricato secondario era tutt’altro che marginale. Così, mentre il nero si illudeva di controllare la partita, lui era già tre mosse avanti.

22 dicembre 1935

Ottone è tornato a dormire sopra i disegni. Non sopporto quando lo fa. Ma non ho cuore di spostarlo. Sta lì, disteso a peso morto sulla sezione longitudinale della galleria. È in scala 1:20 ma la copre quasi tutta. Non sa che l’ho rifatta stanotte, per l’ennesima volta.

Poco importava la destinazione d’uso iniziale, ciò che contava davvero per Malvesi era lasciare un segno riconoscibile, razionale, capace di resistere al tempo. Desiderava progettare un'ambiente funzionale e flessibile, pronto a diventare, un giorno, una delle sale espositive più espressive dell’intero edificio.
Schizzo dopo schizzo, sigaretta dopo sigaretta, l’architetto era riuscito nel suo intento. O almeno così era sulla carta. Aveva disegnato uno spazio museale dichiaratamente moderno: una galleria composta da una grande navata priva di pilastri intermedi, sormontata da una copertura a volte sfalsate in altezza, disposte sopra e sotto un’asola luminosa longitudinale. Per realizzarla, tuttavia, sarebbero state necessarie una mente capace e una buona dose di cemento armato… impresa tutt’altro che semplice da affrontare mentre il governo si preparava a vietare l’importazione dei tondini d’armatura e a sacrificare i consumi civili di ferro. La politica autarchica avrebbe inevitabilmente colpito l’edilizia - il settore che, pur facendo largo uso di acciaio, rivestiva il minore interesse strategico per la macchina bellica - e di conseguenza condannato l’intero progetto della galleria alla rinuncia o, nella migliore delle ipotesi, a una drastica semplificazione. Ma Malvesi non era certo l’unico progettista a trovarsi in quella situazione, a interrogarsi su come costruire senza dipendere da materiali presto soggetti a rigide restrizioni. In quei mesi, il problema dell’approvvigionamento aveva acceso un ampio dibattito tecnico che coinvolgeva i migliori architetti e strutturisti del paese, tutti chiamati a proporre metodi costruttivi alternativi e “autarchici”, in grado di ridurre al minimo il consumo di ferro risparmiando sul cemento armato. Nell’ambito di questo laboratorio diffuso, in cui il fervore della sperimentazione era alimentato dall’urgenza di reinventare il costruire e la ricerca avanzava per necessità prima ancora che per ambizione, Malvesi si ricordò di un certo Gustavo Ferretti5, un giovane ingegnere che in una recente pubblicazione aveva illustrato un sistema innovativo, ancora pressoché teorico, basato su una sequenza di solai a volta e su un'intelaiatura in “calcestruzzo disarmato o quasi”. Una soluzione che prometteva di ridurre al minimo l’armatura senza compromettere la tenuta e la rigidezza di strutture caratterizzate da ampie luci.
Malvesi colse immediatamente il potenziale di quell’idea e decise di scrivergli.

5 marzo 1936

Gentile Ing. Ferretti,
ho letto con grande interesse il suo contributo sull’ultimo numero dell’Industria Italiana del Cemento. Le confesso che, per un progetto in corso qui a Vetrania, potrei aver bisogno proprio del suo originale metodo. Se le fosse possibile raggiungermi nei prossimi giorni, sarò lieto di accompagnarla in visita al cantiere. Mi auguro vorrà discutere con me della sua teoria e, se vi saranno le condizioni, metterla alla prova.

Cordialmente,
Arch. Corrado Malvesi

In alternativa ai solai laterocementizi, il sistema ideato dall’ingegnere proponeva l’impiego di volte sottili ribassate e spingenti, contrastate da una serie di tiranti estradossali - posti ad interasse variabile su dei cordoli - dei quali gli intermedi avrebbero potuto essere omessi. Per realizzare le volte si procedeva addirittura senza centine, eseguendo il getto su una fodera intradossale in mattoni; mentre ai pilastri perimetrali di calcestruzzo non armato si attestavano travi a intradosso leggermente arcuato ed estradosso piano che, generando una spinta moderata, avrebbero necessitato di un solo tirante di piccola sezione annegato nel getto. In questo modo, il quantitativo di ferro si riduceva drasticamente e quel poco che ne serviva incideva in misura del tutto trascurabile sul computo generale dei materiali… tanto più nel caso di un edificio come il Palazzo delle Esposizioni e dei Ricevimenti di Vetrania, concepito quasi interamente in muratura portante (al tempo la soluzione più economica e autarchica).

27 luglio 1936

Stasera Gustavo Ferretti è stato qui.
È arrivato con una copia del suo schema strutturale piegata in quattro, l’ha tirata fuori dalla tasca del cappotto come fosse una pistola.
Geniale! È un sistema davvero geniale!
Abbiamo parlato per ore davanti ai disegni della galleria, discutendo dei getti, degli appoggi, dei punti di spinta… Si può fare!

Ottone, di solito ombroso e guardingo, gli si è strofinato sulle gambe appena ha varcato la soglia dello studio. Si è fatto accarezzare. Ha persino fatto le fusa.

Credo sia la persona giusta.

I lavori proseguirono e i mesi scivolarono via.
Malvesi continuava a presentarsi ogni mattina in cantiere per seguire personalmente i getti delle volte della galleria. Il sistema ideato da Ferretti funzionava: la struttura cresceva silenziosamente e a ritmo serrato, mentre il resto dell’edificio veniva rifinito e arredato.
Gli spazi cerimoniali erano pronti, la mostra inaugurale in fase di allestimento. Nessuno prestava attenzione a quel padiglione defilato, che avrebbe ospitato l’insignificante deposito e, solo potenzialmente, una splendida galleria.
Meglio così!
Mancava pochissimo all’apertura.
Poi, una mattina di settembre Corrado non giunse in cantiere.
Non era mai accaduto prima.
Gustavo, preoccupato, si precipitò a casa sua.
Suonò più volte il campanello, senza ottenere risposta.
Alla fine forzò la porta.
Lo trovò riverso sul tavolo da disegno, piegato sui lucidi, tra squadre, matite e una tazza di caffè ormai fredda. Accanto a lui, Ottone miagolava senza sosta, strofinandosi sul suo braccio, come a volerlo svegliare. Inconsolabile.
Un malore improvviso, con ogni probabilità un infarto, gli era stato fatale.
Pochi giorni prima, l’architetto aveva annotato sul suo diario:

3 settembre 1938
Sono giorni che mi sento stanco, affaticato. Ho il fiato corto e la gamba mi fa più male del solito.
Qualcosa in me si è spento, e ho la sensazione che non tornerà più.
Forse il mio tempo sta per finire?
Lo scrivo qui, non si sa mai.
La casa e Ottone vanno all’Ing. Gustavo Ferretti, che ha capito tutto senza che io dovessi spiegarglielo.
Lui saprà cosa fare.

Il Palazzo delle Esposizioni e dei Ricevimenti di Vetrania fu inaugurato pochi mesi dopo la scomparsa di Corrado Malvesi.
Ad eccezione del Salone d’Onore, accolto con giubilo e celebrato dalla stampa di partito, il resto dell’edificio passò quasi inosservato e sotto silenzio. Troppo “algido”, troppo essenziale per essere davvero compreso e trascinare gli entusiasmi delle masse. Per quanto notevole nella mole e nelle potenzialità d’uso, venne utilizzato solo in parte. Nel frattempo, all’orizzonte, la guerra si faceva sempre più vicina.
E quando inesorabilmente scoppiò, tutto d’un colpo precipitò.
Il palazzo venne chiuso, reso inservibile.
Le sue sale, ormai spoglie, ospitarono per breve tempo un comando territoriale, prima di essere definitivamente abbandonate e consegnate all’oblio.

Solo dopo il conflitto, quando il paese avviò la ricostruzione, Gustavo Ferretti tornò a Vetrania. Congedato dalle armi vi si stabilì e riprese a esercitare la professione. Casa Malvesi e il Palazzo delle Esposizioni si erano incredibilmente salvati dai bombardamenti, riportando solo qualche lieve “acciacco”, dovuto più al tempo e al disuso che agli eventi bellici. Anche Ottone era sopravvissuto: prima di partire, Gustavo lo aveva affidato alle cure della perpetua del parroco.
Fu così che il giovane ingegnere ricominciò la sua vita.
Aveva una casa, un lavoro, una città che chiedeva di essere rimessa in piedi e, accanto a sé, quel caparbio gattone che sembrava aver attraversato la guerra senza dimenticare nulla del proprio cerimoniale quotidiano.
A ben vedere, non gli mancava niente.
Rimaneva solo un importante debito da saldare: rendere giustizia a Corrado Malvesi.
Con pazienza e determinazione Gustavo riuscì a ottenere l’incarico per restaurare il Palazzo e farne un museo d’arte contemporanea. Un vero museo.
Recuperò così i disegni originali dell’architetto, custoditi tra i documenti perfettamente catalogati dello studio, e fu allora che scoprì il meccanismo nascosto dei pannelli decorativi applicati alle pareti del salone dei ricevimenti. Di quel dettaglio Malvesi non gli aveva mai fatto parola. Parzialmente danneggiati e razziati, l’ingegnere li fece smontare e ripulire a uno a uno; poi ne dispose la reinstallazione, ribaltandoli sul lato bianco. Lo spazio, finalmente, parve respirare di nuovo.
Ovviamente anche la galleria, cuore vivo e moderno dell’intera costruzione rimasto celato per anni dietro le mentite spoglie del deposito, tornò alla luce.
Le volte ribassate, nonostante il carattere sperimentale del metodo costruttivo applicato, non mostravano segni di cedimento6 e l’ambiente, nel complesso, si conservava in discreto stato. Attendeva il suo momento da decenni, e quel momento era giunto, infine, in tempi maturi. L’elasticità dinamica e viva della struttura, le proporzioni misurate, la luce radente che filtrava generosa dall’alto… tutto contribuiva a creare un’atmosfera sospesa, rarefatta, di grande intensità.
Era uno spazio con un’identità precisa: la presenza architettonica, non neutra, non anonima, possedeva la qualità rara di accogliere l’arte senza sovrastarla e senza al contempo annullarsi.
La Galleria Malvesi avrebbe ospitato le mostre più importanti, le più attese. Ultima tappa del percorso espositivo del museo, rappresentava la conclusione ideale: una chiusura in bellezza.
Poco prima di varcarne la soglia, lo sguardo dei visitatori si posava su una sobria targa in ottone che recitava:

Architetti che non sono mai esistiti, ma avrebbero potuto.
Figli della fantasia quanto della conoscenza, prendono vita tra le pieghe della storia e le pagine dei tanti volumi che affollano la mia libreria.
Le loro personalità, così come le loro vicende, sono esito di un mix di frammenti: pezzi di biografie di figure più o meno celebri, ricordi di progetti realizzati o rimasti sulla carta, reminiscenze ed esperienze variegate, inciampi e piccole ossessioni personali.

Storie di architetti immaginari nasce all’improvviso, un giorno qualunque. È la risposta a un bisogno primario e ostinato: tornare a scrivere, per il piacere di scrivere.
Per il gusto di dare forma a storie inedite e per concedermi, ogni tanto, di andare a briglia sciolta e vedere dove mi porta la penna.

Bibliografia

Roma. Guida all’architettura moderna 1909-2000, Rossi P. O., Editori Laterza, 2003.

Giuseppe Terragni. Vita e opere. Saggio A., Editori Laterza, 2005.

Il Moderno attraverso Roma. 200 architetture scelte. Remiddi G., Greco A., Bonavita A., Ferri P. Groma Quaderni, 2000.

Il calcestruzzo debolmente armato tra autarchia e ricostruzione in Italia. Capomolla R., in «Rassegna di Architettura e Urbanistica» 84/85, pp. 98-108, 1995.

Enciclopedia dell’architettura. AA.VV., Garzanti, Milano, 1996.

L’architettura moderna dal 1900. Curtis W.J.R., Phaidon Italia, Milano, 2006.

Architettura, movimenti e tendenze dal XIX secolo a oggi. Molinari L., Skira, Milano, 2015.

Storia dell’architettura moderna. Benevolo L., Laterza, Roma-Bari, 1960.

Storia dell’architettura occidentale. Watkin D., Zanichelli, Bologna, 1990.

Architetti che non sono mai esistiti, ma avrebbero potuto.
Figli della fantasia quanto della conoscenza, prendono vita tra le pieghe della storia e le pagine dei tanti volumi che affollano la mia libreria.

Le loro personalità, così come le loro vicende, sono esito di un mix di frammenti: pezzi di biografie di figure più o meno celebri, ricordi di progetti realizzati o rimasti sulla carta, reminiscenze ed esperienze variegate, inciampi e piccole ossessioni personali.

Storie di architetti immaginari nasce all’improvviso, un giorno qualunque.
È la risposta a un bisogno primario e ostinato: tornare a scrivere, per il piacere di scrivere. Per il gusto di dare forma a storie inedite e per concedermi, ogni tanto, di andare a briglia sciolta e vedere dove mi porta la penna.

Il primo racconto della serie:

📚 Libri di architettura

Eileen Gray. Una biografia illustrata

Testi di Gisella Bassanini e Giovanna Canzi - Illustrazioni di Beppe Giacobbe | Marinonibooks, 2026 | Copertina cartonata in tela €40,00 | Edizione bilingue italiano-inglese

Creatura elegante, fiera e indomabile, distaccata da tutto ciò che è banale e frivolo, Eileen Gray– architetta, designer e artista – è la protagonista della seconda monografia della collana «Fuori dall’ombra» di marinonibooks, dedicata alle pioniere dell’architettura e del design europeo del Novecento. Le curatrici del progetto editoriale, Gisella Bassanini e Giovanna Canzi, dopo Charlotte Perriand, scelgono d’indagare un’altra figura a lungo dimenticata, resa ancora più intensa dalle immagini di Beppe Giacobbe, tra i più significativi illustratori italiani.

Gio Ponti

Di Oscar Duboÿ | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2026 | Brossura con immagini a colori €20,00 | Lingua italiana

Poliedrico e instancabile, in oltre sessant’anni di carriera Gio Ponti (1891-1979) ha ridefinito lo spirito del design italiano, attraversando tutti i settori dell’arte applicata: dall’architettura residenziale agli interni, dalla ceramica al vetro, all’arredamento e oltre. La sua creatività senza confini gli ha permesso di esplorare e reinterpretare i più diversi gusti del XX secolo, dal Novecento al Razionalismo, sempre alla ricerca del bello in ogni sua forma. Come fondatore e direttore della rivista Domus, ha recepito e diffuso idee internazionali e stabilito i canoni della “casa all’italiana” – uno spazio dove tutte le arti si incontrano e convivono in armonia – contribuendo a esportare il Made in Italy. Oggi Ponti è celebrato non solo per capolavori come il grattacielo Pirelli a Milano, villa Planchard a Caracas e l’hotel Parco dei Principi a Sorrento, emblemi della modernità, ma anche per arredi iconici che continuano a essere rieditati e a ispirare nuove generazioni di designer in tutto il mondo.

Donne e progetto. Figure dell’architettura e del design nell’Italia contemporanea

A cura di Caterina Tantillo, Luciano Antonino Scuderi, Simona Gervasio, Marina Lo Re | Qudlibet, 2025 | Brossura olandese con illustrazioni a colori €35,00 | Lingua italiana

Il volume indaga il ruolo delle donne nell’architettura, nel design e nell’urbanistica italiana dall'inizio del '900 a oggi. Attraverso i saggi, selezionati da un comitato scientifico multidisciplinare, emergono oltre cento protagoniste del progetto, attive in Italia e all’estero. Un lavoro corale che restituisce visibilità a percorsi individuali e collettivi rimasti a lungo ai margini della narrazione disciplinare, ma spesso centrali nella costruzione della cultura architettonica contemporanea. L’articolazione del libro in ambiti tematici corrisponde alla pluralità dei ruoli assunti dalle donne nella cultura del progetto: dalle aule universitarie, dove le prime architette hanno intrecciato formazione, insegnamento e pratica professionale, al mondo dell’editoria specialistica e della curatela di mostre, in cui hanno orientato il dibattito e promosso nuove idee; dai percorsi internazionali di chi ha trovato riconoscimento oltre confine, all’impegno sul territorio, nella progettazione urbana, nella cura del paesaggio e nella tutela del patrimonio. Chiude la pubblicazione un’appendice bio-bibliografica che raccoglie dati anagrafici, riferimenti archivistici e una bibliografia ragionata sulle professioniste indagate.

Corpo Urbano: dalla scultura alla città. Scritti polemici (1970-1982)

di Francesco Somaini, a cura di Fulvio Irace | Johan & Levi, 2026 | Brossura con immagini a colori e bn €23,00 | Lingua italiana

Questo volume raccoglie i principali scritti dello scultore Francesco Somaini (1926-2005), che dedicò una delle sue stagioni creative più felici al tema della città. Pioniere dell’arte urbana in Italia e in Europa, Somaini ha portato avanti la sua ricerca superando le tradizioni artistiche precedenti, influenzato soprattutto dall’architettura americana a partire dagli anni sessanta e settanta. Le sue trattazioni teoriche, veri e propri manifesti, criticano apertamente la modernità e il simbolismo asettico dell’International Style, con le sue utopie megastrutturali e la devastazione del territorio antropizzato sotto la spinta dell’industrializzazione. Somaini auspica, non senza una certa urgenza, che la scultura compia finalmente l’atto decisivo e diventi critica sociale, con l’obiettivo di una ri-sacralizzazione degli spazi pubblici.
Affida così le sue idee progettuali a dichiarazioni di poetica, lezioni, convegni, ma anche a disegni di grande forza immaginifica e ai fotomontaggi, medium d’elezione per le sue proposte di intervento plastico urbano. Attraverso un’accurata selezione di testi, appunti e schizzi inediti, Fulvio Irace offre una sintesi e una contestualizzazione del percorso originale del maestro lombardo e del suo contributo al dibattito internazionale sul futuro delle città.

Le Corbusier

Di Guillemette Morel Journel | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2026 | Brossura con immagini a colori €20,00 | Lingua italiana

Le Corbusier (1887-1956), nato Charles-Édouard Jeanneret, ha dedicato la sua vita alla progettazione di edifici divenuti simboli del Movimento moderno. Dalla villa Savoye a Poissy, passando per l’utopia della Cité radieuse di Marsiglia, fino al progetto della città di Chandigarh in India, i suoi lavori lo hanno reso una delle figure più importanti dell’architettura nel XX secolo. Teorico instancabile, quando non poteva realizzare le sue idee, le esprimeva attraverso libri, conferenze e lezioni in tutto il mondo. I “cinque punti dell’architettura moderna” e l’idea della casa come “macchina per abitare” hanno lasciato un segno indelebile nella disciplina. Visionario e a tratti provocatore, deve molte delle sue intuizioni alle ore passate a dipingere e disegnare, lasciandoci una ricca produzione artistica che, ancora oggi, attende il giusto riconoscimento.

La sedia del sadico. Il design sul corpo delle donne

Di Chiara Alessi | Editori Laterza, 2026 | Brossura €16,00 | Lingua italiana

Negli ultimi cento anni abbiamo visto cambiare i sedili delle auto e l’attrezzatura sportiva, gli uffici e le cucine trasformarsi, le tecnologie evolversi per risolvere bisogni o migliorare l’esperienza d’uso. Possiamo dire lo stesso per ciò che è stato pensato, progettato, prodotto intorno ai corpi delle donne?

Carlo De Carli. Corollario

A cura di Marta Averna e Lola Ottolini | Araba Fenice, 2025 | Brossura con illustrazioni €32,00 | Lingua italiana

Carlo De Carli Corollario affianca l’omonima mostra tenutasi al Politecnico di Milano nel 2025, con l’intento di far riscoprire a un ampio pubblico il pensiero e i progetti di Carlo De Carli, figura integrale di progettista e teorico, maestro dell’architettura e del design italiano del secondo Novecento. Attraverso contributi critici e materiali inediti, il volume ricompone la sua riflessione progettuale in una serie di “corollari” tematici che ne mettono in luce la straordinaria attualità: dall’idea fondativa di Spazio Primario, dove solo il gesto umano di relazione dà senso a oggetti e ambienti, agli scritti, dal disegno del mobile all’architettura, dall’insegnamento alla pittura, in un profondo intreccio che restituisce la coerenza e la contemporaneità della sua opera.

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Fotosensibile di Monica Poggi

La newsletter che ogni lunedì mattina ti racconta la storia della fotografia, l’invenzione che ha cambiato per sempre il modo di guardare e raccontare il mondo.

✦ Ho scoperto Fotosensibile incappando in questo articolo, che vi consiglio assolutamente di leggere!

nulla di preciso di Luigi Prestinenza Puglisi e Francesca Olivieri

Una newsletter di architettura, critica e comunicazione.

✦ Dopo la storica presS/Tletter, l’approdo del grande Prestinenza su Substack non può che far piacere a chi (vedi la sottoscritta) ne ha seguito per anni le riflessioni.

Spiccioli per il filobus di Eugenio Cigorin

Insolite bazzecole.

✦ Saranno anche insolite bazzecole, ma irresistibili da leggere.

Quello che volete di Assia Neumann Dayan

Un box domande con le risposte più lunghe.

✦ Da Le belle cosine, pezzo uscito su Linkiesta nel 2022, l’ho amata e non ho più smesso di leggerla. Una penna formidabile!

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La casa-albero del Vietnam dove si può soggiornare: come è fatta la Crazy House Hằng Nga di Da Lat su Geopop.it

Progettata dall’architetta Đặng Việt Nga e situata a Da Lat, in Vietnam, la Crazy House Hằng Nga è una guesthouse non convenzionale: una casa-albero abitabile, con stanze a tema e forme organiche ispirate alla natura e all’arte di Gaudí, che la rendono una delle strutture più bizzarre al mondo.

Il ritratto per immagini di Eileen Gray, pioniera dell’architettura moderna su Living.Corriere.it

La vita e le opere della designer irlandese nel nuovo volume illustrato di Marinonibooks, con i disegni di Beppe Giacobbe e i testi di Gisella Bassanini e Giovanna Canzi.

Dentro il palazzo di via Solferino, sede storica del Corriere della Sera, in occasione dei 150 anni su Living.Corriere.it

Il progetto di Luca Beltrami, l'ampliamento di Gregotti, la mitica Sala Albertini: l'edificio nel cuore di Brera accompagna da oltre un secolo la storia del quotidiano e dell’informazione italiana.

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Zaha Hadid, Vitra Fire Station - Video racconto per la rubrica Grandi Classici di Abitare

«Sebbene la carriera di Zaha Hadid fosse già da tempo avviata, soltanto nei primi anni Novanta la sua ‘architettura di carta’ riuscì a sollevarsi dal piano concettuale dei disegni per tradursi in realtà costruita o, più propriamente, decostruita. L’opera d’esordio, destinata appunto a diventare – in barba alle sue modeste dimensioni – manifesto del nascente decostruttivismo, fu la Vitra Fire Station, progettata per il complesso produttivo dell’omonimo brand di arredamento a Weil am Rhein, in Germania. A seguito del devastante incendio che nel 1981 aveva distrutto oltre metà dello stabilimento, Vitra decise di dotarsi di una caserma dei vigili del fuoco interna per prevenire nuovi disastri e, allo stesso tempo, di avviare un ambizioso programma di ricostruzione, commissionando edifici sostitutivi e nuove strutture a progettisti di fama internazionale. Negli anni questo processo avrebbe trasformato il sito in un campus produttivo e culturale: meta di pellegrinaggio per appassionati di architettura e design provenienti da tutto il mondo. Fra le molteplici attrazioni fa la sua parte, offrendo un’esperienza spaziale insolita a chi la visita, anche la piccola caserma, presto dismessa dalla sua funzione d’origine e adibita a ospitare mostre ed eventi del vicino – e altrettanto decostruttivista – Vitra Design Museum di Frank Gehry. L’assenza di colore e di angoli retti, insieme ai setti e ai solai inclinati in calcestruzzo armato a vista che si intersecano e scorrono l’uno sull’altro, modellano un’architettura dalla forma allungata e affilata, organizzata in spazi apparentemente interstiziali ma pienamente funzionali, in grado di accogliere gli automezzi, gli spogliatoi, l’area ristoro e la sala riunioni. Da questa composizione esplosiva deriva una sensazione di moto congelato, come se l’edificio fosse pronto ad azionarsi da un momento all’altro. Una tensione che richiama tanto la prontezza operativa e la tempestività dei vigili del fuoco, quanto la dinamicità dei primi dipinti della stessa Hadid ispirati alle avanguardie russe: opere d’arte degne di essere esposte e che fino ad allora in pochi avrebbero immaginato capaci di informare un’architettura concreta».

Trovate qui gli episodi precedenti

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🎧 Ultimi episodi del podcast

Niente di nuovo sul fronte occidentale, ma mai dire mai: è solo una questione di tempo, in tutti i sensi. Nel mentre tutte le ads moleste, finite misteriosamente in traccia a seguito del trasferimento hosting su Substack, sono state rimosse. Ci è voluta un’eternità a sovrascrivere manualmente ogni singolo episodio, ma ci tenevo a farlo per consentirvi un ascolto degno di questo nome, libero da imboscate pubblicitarie (ragion per cui, del resto, avevo deciso di cambiare servizio). Sebbene la serie rimanga disponibile su tutte le piattaforme podcast, consiglio vivamente l’utilizzo dell’ottima app Substack. Chissà che questa piattaforma non aiuti anche qualcun altro, oltre alla sottoscritta, a sottrarsi allo scrolling compulsivo sui social…

A presto!

Chiara

📚 Libri di architettura

Mendini + Alchimia. Allestire l’abitare

Di Isabella Giola | LetteraVentidue - Alleli | Research, 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana

Una nuova sfumatura del progetto domestico condotto da Alessandro Mendini, protagonista insieme con Studio Alchimia, gruppo d’avanguardia post-radicale, di una serie di allestimenti che mettono in luce una dimensione emozionale e performativa dell’interno italiano. Basato su ricerche d’archivio e interviste, il volume mostra come queste esperienze, eredi dell’architettura radicale e del postmodernismo, superino i confini del design industriale per diventare spazi poetici, narrativi e critici. Le installazioni realizzate tra gli anni Ottanta e Novanta restituiscono un decennio di sperimentazioni, riflessioni sul linguaggio del progetto e contaminazioni disciplinari, evolvendo da interventi concettuali e provocatori a spazi più consapevoli. Il percorso si chiude con un intervento autonomo del 2016 che rinnova la medesima tensione visionaria, offrendo una riflessione ancora attuale sull’abitare contemporaneo.

Satira dell’architetto. Controstoria di una professione attraverso la caricatura

Di Gabriele Neri | Casagrande - Lezioni di architettura (in coedizione con Mendrisio Academy Press), 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana

Dal Seicento ai nostri giorni caricature, vignette e cartoons pubblicati su giornali, riviste e oggi anche sui canali social, restituiscono un’immagine anticonvenzionale della professione architettonica lontana dai più noti ritratti celebrativi. Come scrive l’autore, «si tratta di un’immagine alterata: la caricatura distorce, estremizza, deforma il suo oggetto di riferimento. Ma proprio dall’esagerazione emergono tratti interessanti: tra attacchi ad personam e cliché estesi all’intera categoria, le innumerevoli varianti della satira grafica ci mostrano l’architetto da prospettive non convenzionali e poco battute dalla storiografia ufficiale». L’originale galleria di illustrazioni pubblicate in questo volume - ritratti umoristici degli architetti più e meno illustri, da Gaudí a Le Corbusier, da Frank Lloyd Wright a Zaha Hadid - dimostra senza dubbio ciò che Neri dichiara fin dal principio: la grande attenzione della satira verso l’architettura attesta l’importanza del ruolo pubblico e sociale di questa straordinaria professione.

Turisti a casa nostra. Tra le macerie invisibili del neoliberismo urbano

Di Antonio Di Siena | LAD Edizioni, 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana

Turisti a casa nostra è un viaggio dentro le macerie invisibili della città contemporanea. Atene è lo specchio, ma nel riflesso si riconoscono Napoli, Siviglia, Palermo, Porto, Salonicco e ogni altra città del Sud Europa. Quartieri popolari che diventano merce; case, piazze e comunità trasformate in prodotti da narrare, fotografare, consumare. Sfratti, affitti brevi, turistificazione: un racconto corale di ciò che resta della città quando viene riconvertita in rendita turistica. E dei suoi abitanti quando smettono di essere cittadini. Tra inchiesta, saggio e narrazione, Turisti a casa nostra intreccia esperienza diretta e analisi politica in un atlante del dopo crisi, una mappa del potere che colonizza lo spazio urbano e i nostri immaginari. Un libro che nasce in Grecia ma parla di tutte le città che abbiamo già perso. E di quelle che, forse, possiamo ancora difendere.

Il nuovo nell’antico. Architettura e paesaggio italiano

Di Paolo Zermani | La nave di Teseo +, 2025 | Brossura €22,00 | E-Book €12,00 | Lingua italiana

In Italia ogni metro quadrato di terra che noi scaviamo custodisce ciò che resta del corpo e degli atti di un uomo vissuto nei secoli precedenti. La terra è dunque sacra. Cosa ci autorizza a dimenticarlo? È a partire da questa considerazione propria alla condizione italiana ed estensibile al contesto occidentale europeo, che deve trovare ragione il lavoro dell’architetto. La deriva estetica ed etica in atto, che non risparmia l’architettura, ha origine da una dissoluta e strumentale interpretazione della modernità, una finta adesione alle tematiche ambientali, una impropria delega agli strumenti tecnologici e un asservimento acritico alle richieste dell’economia di mercato. Queste espressioni non danno vita ad alcuna condizione evolutiva, ma unicamente a pretestuose dichiarazioni di “appartenenza al proprio tempo”. Solo considerando la condizione attuale dell’architettura all’interno della processualità che ne ha determinato la secolare formazione, vicenda in cui l’Italia ha un ruolo centrale, si può confidare di vedere la luce di un nuovo inizio, espresso non in forma di rimpianto, ma di reimpianto.

Pier Luigi Nervi

Di Flavia De Sanctis Mangelli, illustrazioni di Ilaria Mancini | RAUM Italic - PICCOLI MAXXI, 2025 | Brossura €18,00 | Lingua italiana | Età di lettura: da 7 anni

Appassionato osservatore del mondo della natura, studente eccellente, inventore e progettista, poi pioniere nell’uso del cemento armato in Italia, Pier Luigi Nervi resta una delle figure più note del mondo dell’architettura. Il libro ripercorre la sua storia raccontando le opere più celebri: stadi, cattedrali, grattacieli, edifici industriali e palazzine private, un universo di progetti, tutti incredibili, per ispirare bambine e bambini curiosi. Un glossario illustrato alla fine del libro aiuta a comprendere le parole più tecniche usate nel testo, mentre un’attività ispirata al Palazzetto del Sport di Roma invita piccoli lettori e piccole lettrici a ricreare con il proprio corpo le sfide più affascinanti della progettazione.

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Linguetta di Andrea M. Alesci

Una lattina di parole da stappare

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La newsletter pucciosa sugli animali.

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Cinquantacinque sfumature di interni. Un nuovo libro analizza le palette cromatiche scelte da Gio Ponti, Gae Aulenti, Ettore Sottsass e gli altri progettisti del Novecento.

Le 10 architetture da ricordare del 2025 su Living.Corriere.it

Tra musei e grandi interventi di restauro, una lista di progetti, diversi per contesto e scala, che delineano nuovi modi di costruire, abitare e interpretare lo spazio pubblico.

Rubrica “Grandi Classici” di Abitare

Ogni mese un breve video, scritto e narrato da me, per i canali social della rivista Abitare - in collaborazione con Living Corriere - dedicato alle opere più significative della storia dell’architettura. Ecco tutte le uscite.

1. Frank Gehry, Guggenheim Bilbao (questo è il più bello 😭)

2. Renzo Piano, Richard Rogers, Gianfranco Franchini: Centre Pompidou

3. Mies van der Rohe: Padiglione di Barcellona

4. Jørn Utzon: Syndey Opera House

5. Oscar Niemeyer: Brasilia

6. Le Corbusier: Villa Savoje a Poissy

7. Eero Saarinen: TWA Flight Center

8. Frank Lloyd Wright: Guggenheim Museum New York

9. Kisho Kurokawa: Nakagin Capsule Tower

10. Louis Kahn: Salk Institute a La Jolla

11. Alvar Aalto: Biblioteca civica di Viipuri

Perché in Europa non si costruiscono grattacieli? Video scritto per Quota Zero

Perché in Europa si costruiscono pochi grattacieli? Mentre città come New York, Dubai o Shanghai puntano sempre più in alto, l’Europa resta sorprendentemente orizzontale. In questo video scopriamo le origini del grattacielo e capiamo perché le città europee non sono cresciute in verticale come invece è accaduto in molte metropoli americane e asiatiche. Dal grande incendio di Chicago del 1871, da cui risorge una città nuova, alla ricostruzione europea del dopoguerra, passando per la “brusselization” e arriviamo ad analizzare le città europee che oggi si proiettano verso l’alto. In particolare Londra, Parigi, Francoforte, Mosca e Istanbul, in cui i grattacieli convivono con secoli di storia senza cancellarla.

I più letti su Dannati Architetti

🎧 Ultimi episodi del podcast

Da più di qualche mese a questa parte, tra lavoro e incombenze familiari, faccio molta fatica a gestire il podcast e, a dirla tutta, anche questa newsletter. Avrei puntate già registrate da editare, articoli da scrivere, tante idee… ma il tempo a disposizione semplicemente manca. C’è però una novità: dopo anni ho deciso di cambiare l’hosting del podcast e di trasferirlo proprio qui, su Substack. Un’operazione delicata (if you know, you know), pensata per semplificarne la gestione futura e per riunire tutto l’universo di Dannati Architetti sotto il dominio dannatiarchitetti.com, ovvero la sua nuova casa, su questa piattaforma. Per voi, di fatto, non cambierà nulla: se siete abituati all’ascolto da un determinato player (come Spotify), potrete continuare a usarlo. La differenza è che, qui su Substack, ogni episodio sarà a tutti gli effetti un post, corredato da player audio/video, sottotitoli, immagini e approfondimenti testuali ‘all in one’. In attesa di nuove uscite - che spero possano arrivare nel 2026 - e ricordandovi che la suddetta newsletter è gratuita e fruibile anche via app, trovate tutte le puntate precedenti in questa sezione del sito.

Buon anno a tutte e tutti.

Chiara

📚 Libri di architettura

Charles e Ray Eames

Di Ivan Mietton | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2025 | Brossura €20,00 | Lingua italiana

Coppia di successo del design del XX secolo, Ray e Charles Eames lavorano fianco a fianco dal 1941, anno in cui si sposano, fino alla morte di Charles nel 1978. Grazie alla loro perfetta complementarità, padroneggiano diversi ambiti creativi, dall’architettura all’arredamento, dalle stampe tessili alla fotografia, dai film ai giochi per bambini. Sperimentatori delle infinite possibilità della materia e delle tecniche di produzione, non perdono mai di vista l’unico vero obiettivo del loro operato: «Produrre il meglio, per il maggior numero di persone possibile e al minor prezzo». Con l’idea di rivolgersi a un pubblico di massa, portano avanti la loro ricerca anche nella comunicazione attraverso videoproiezioni e allestimenti espositivi. Le loro lezioni sul design rimangono ancora oggi preziose testimonianze e i loro pezzi prodotti in serie fanno parte delle collezioni museali più importanti al mondo.

Eileen Gray

Di Cloé Pitiot | Johan & Levi - La biblioteca dell’amatore, 2025 | Brossura €20,00 | Lingua italiana

Figura enigmatica, avventurosa e sfuggente, Eileen Gray (1878-1976) ha lasciato un segno indelebile nella storia dell’arte decorativa moderna. Dalla campagna irlandese a Londra e poi a Parigi, si è imposta come pittrice, designer, architetta, ma anche gallerista – attività, quest’ultima, intrapresa sotto il conveniente pseudonimo di Jean Désert. Con i suoi paraventi laccati e i mobili in tubi d’acciaio, ha trasceso i confini delle arti e realizzato opere ricche di poesia, affermando con orgoglio la volontà di tornare a mettere l’essere umano e le sue emozioni al centro della ricerca plastica e spaziale. La villa E-1027, da lei costruita nel 1926 a Roquebrune-Cap-Martin per Jean Badovici, è considerata tra gli esempi più brillanti dell’architettura del Novecento.

Viaggio in italia 2. Itinerari di architettura contemporanea

A cura di Marcello Bacchini, Alessia Pagano, Martina Esposito | LetteraVentidue, 2025 | Brossura €22,00 | Lingua italiana

Una raccolta di progetti di giovani studi italiani, osservati attraverso un itinerario critico che si snoda, fuori dalle rotte consuete, lungo tutto il Paese. Questo libro intende raccontare come le nuove generazioni di architetti interpretano il contesto, il paesaggio e le esigenze sociali, realizzando opere radicate e sperimentali, spesso collocate in territori periferici o marginali.
Qui il primo volume della collana.

Torri e grattacieli in Italia. Un secolo di architetture verticali

Di Simona Talenti | Silvana Editoriale - Biblioteca di architettura, 2025 | Cartonato €22,00 | Lingua italiana

Dal sogno modernista dei primi grattacieli alle recenti architetture verticali, il volume racconta un secolo di slanci urbani italiani. Torri e grattacieli non solo come simboli di progresso, ma anche come segni di identità e sperimentazione architettonica in dialogo con il paesaggio. Un percorso che invita a riflettere sul valore della verticalità e sul suo ruolo nel ridisegnare il futuro delle città.

Louis I. Kahn. Pensieri sull’architettura. Scritti 1931-1974

A cura di Marco Falsetti | Einaudi Editorie - Piccola Biblioteca Einaudi, 2023 | Brossura €27,00 | E-Book €13,00 | Lingua italiana

Louis I. Kahn appartiene alla grande stagione dell’architettura del Novecento, i cui massimi protagonisti (tra i quali egli va senz’altro annoverato) sono stati in grado di manifestare la propria «visione del mondo» non soltanto mediante i progetti e le costruzioni che hanno realizzato, ma anche attraverso la creazione di un immaginario disegnativo e pittorico e – non da ultimo – attraverso l’elaborazione di un pensiero che si traduce in scrittura. Questo libro riunisce un’antologia di scritti – molti dei quali inediti in Italia - dai primi anni Trenta in poi: saggi pubblicati in volumi e in riviste di architettura, introduzioni, conferenze, e conversazioni con gli studenti.

The House of Doctor Koolhaas

Di Françoise Fromonot | Park Books - Gumshoe, 2025 | Brossura €19,00 | Lingua inglese

La serie Gumshoe di Park Books propone un nuovo modo di raccontare la storia dell’architettura, concentrandosi sui singoli edifici e adottando il tono avvincente del romanzo poliziesco. In questo primo volume, l’architetta e critica francese Françoise Fromonot indaga il caso della Villa dall’Ava, residenza privata situata a Saint-Cloud, sobborgo di Parigi, costruita da Rem Koolhaas nel 1991. Attraverso indizi, riferimenti cinematografici, letterari e storici, l’autrice conduce una vera e propria “inchiesta architettonica”, mettendo a fuoco ciò che ci si aspetta e ciò che sorprende, esplorando il progetto nei suoi spazi, nei dettagli e nei suoi slanci.

L’arte di perdersi. Storia dei miei traslochi

Di Lia Piano | Bompiani, 2025 | Brossura €16,15 | E-book €9,99 | Lingua italiana

“I sogni, soprattutto se molto belli, sono poco attendibili. E i risvegli possono essere bruschi.” Dopo Planimetria di una famiglia felice, Lia Piano torna in libreria con un romanzo abitato da personaggi indimenticabili, quelli “con l’espressione un po’ così” di chi è cresciuto stretto tra la montagna e il mare, ma anche quelli più silenziosi come i mobili e le piante di cui ci circondiamo. E ci guida a passo di danza attraverso un romanzo incantevole, malinconico ed esilarante, che nel raccontarci le fasi di una ristrutturazione ci parla della cura del cuore umano, e seguendo la sua protagonista alle prese con le difficoltà della vita ci ricorda che spesso è necessario perdersi per potersi ritrovare.

Bumerang. La nuova indagine del commissario Del Gaudio

Daniele Sanzone | La nave di Teseo, 2025 | Copertina rigida €19,00 | Lingua italiana

Dopo il romanzo d’esordio Madre dolore. La prima inchiesta del commissario Del Gaudio, Daniele Sanzone torna in libreria con il sequel, sempre ambientato a Scampia: un noir urbano dal ritmo serrato che sfida gli stereotipi sulla Napoli criminale. Un’indagine dentro e fuori la legge, dove la verità non ha mai un solo volto e la giustizia arriva travestita da vendetta. In uscita il 7 novembre 2025.

Tadao Ando. Sketches, Drawings, and Architecture

Taschen, 2025 | Copertina rigida €150,00 | Edizione multilingue (Francese, Inglese, Tedesco) - Formato 28 x 33,7 cm. 594 pagine

Con una selezione di 750 schizzi, disegni, modelli e rappresentazioni tecniche che illustrano il processo creativo della sua opera architettonica, Tadao Ando introduce personalmente alle fonti di ispirazione delle sue idee architettoniche. Dagli suoi esordi negli anni ‘70 ai progetti più recenti, questo recentissimo coffee table book (formato 28 x 33,7 cm, per 594 pagine) raccoglie gli iconici schizzi concettuali del maestro giapponese.

Storie fantastiche per oggetti reali

Di Carlo e Livia Castiglioni, illustrazioni di Andrea Galanti | Lazy Dog Press, 2025 | Brossura €24,00 | Lingua italiana

Questo libro nasce dalla volontà di raccontare gli oggetti disegnati dai fratelli Castiglioni, in particolare da Achille e Pier Giacomo, attraverso una chiave narrativa inedita. Lasciando spazio all’immaginazione, testi seriosi sono stati trasformati in racconti fantastici: delle vere e proprie fiabe pensate per adulti-bambini. Dietro ogni oggetto c’è una storia, un sogno, una relazione biunivoca con il suo creatore.

📩 Newsletter Substack da seguire

Troppo S-comodo - di Mike Mcblack

Per guardare la realtà mentre tutti la filtrano. Per raccontare cose che non andrebbero dette. E per farlo con stile. Non è una newsletter. È una vendetta settimanale, ben scritta.

On Architecture di David Perrine

A newsletter about architecture. We interrogate topics within architecture, aesthetics, practice, history, and theory.

Nemesi di Vincenzo Profeta

L’altra faccia del Nemico. Approfondimenti, allucinazioni, teorie per orientarsi in un mondo disorientato. Ogni quindici giorni. In pdf. Sulla tua mail.

📰 Ultimi articoli online

Perché in Giappone vanno così di moda le capsule abitative e com’è dormirci su Geopop.it

Tra necessità di spazio, costi ridotti e cultura pop, le capsule abitative (o capsule hotel) rappresentano una soluzione tipicamente giapponese: minuscole unità di alloggio pensate per sfruttare ogni centimetro, offrendo un rifugio essenziale nella giungla urbana.

L’edificio più inclinato al mondo non è la Torre di Pisa, ma il Capital Gate di Abu Dhabi su Geopop.it

Il Capital Gate di Abu Dhabi è un grattacielo più inclinato del mondo: con un’inclinazione di ben 18°, è quattro volte più pendente della Torre di Pisa, il celebre campanile in Piazza del Duomo. Vediamo le caratteristiche strutturali che hanno permesso la costruzione di questo edificio da record.

C’è un palazzo a testa in giù a Orlando: ecco cosa c’è al suo interno su Geopop.it

A Orlando, in Florida si trova un edificio davvero insolito: una casa capovolta, con il tetto conficcato nel terreno e le fondamenta rivolte al cielo. È la sede di WonderWorks, un museo della scienza interattivo aperto a visitatori di ogni età.

In Norvegia ne esistono solo 28: cosa sono le stavkirker, le chiese di legno medievali su Geopop.it

Tra arte vichinga e fede cristiana, le “chiese nere” della Norvegia incarnano l’incontro tra due mondi e rivelano una straordinaria maestria artigianale nell’uso e nell’ingegneria del legno.

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Lo skyline di Manhattan è il più riconoscibile al mondo. Dalle prime torri d’inizio Novecento ai nuovi giganti residenziali, ecco tutto quello che c’è da sapere sui grattacieli di New York.

Viaggio alla scoperta dell’Art Nouveau, movimento simbolo della Belle Époque su Living.Corriere.it

Tra linee curve, temi naturali e raffinate decorazioni, plasmò architettura, arredamento e arti applicate laciando un’eredità preziosa, ancora oggi ben riconoscibile nelle nostre città.

Walkable roofs: quando il tetto diventa un luogo di incontro su Living.Corriere.it

Dieci edifici iconici dimostrano come le coperture pedonabili stiano cambiando il nostro modo di vivere la città, tra natura, socialità e cultura della sostenibilità.

I più letti su Substack

🎧 Ultimi episodi del podcast

È disponibile la terza (e penultima) puntata di Dannati Architetti Talk, il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Protagonista dell’episodio è Elena Rajani interior designer italiana che vive e lavora in Australia da dieci anni. Qui sotto tutte le uscite.

«è un edificio ambiguo, aperto a molteplici letture, nato con l’idea di conciliare la ricchezza dell’immaginario con il rigore della razionalità ... e, in definitiva, questo atteggiamento contraddittorio e conflittuale me lo sono portato dietro in tutto il mio itinerario di architetto. Mi sono poi posto il problema di dare una risposta al luogo, caratterizzato sul versante verso il fiume, da un’alta spalliera di tufo e dal protagonismo del rudere, i resti di un sepolcro dove si mescolavano parti di tufo rosso, che proveniva dalle cave vicine, e di quello giallo, che era invece delle cave di Riano».

Crescere in un ambiente tanto stimolante segna profondamente Elena Rajani, che fin da bambina gioca con la luce e con la disposizione degli arredi per esaltare le curve morbide e avvolgenti della celebre residenza portoghesiana, sviluppando un approccio creativo e personalissimo alla progettazione degli interni. Queste esperienze hanno ispirato il suo percorso accademico, portandolo a conseguire la prima laurea in Architettura e Arredamento degli Interni presso la Facoltà di Architettura “Valle Giulia” dell’Università La Sapienza di Roma. Successivamente ha perfezionato le sue competenze con un Master in Product Design presso il Politecnico di Milano. La sua carriera professionale inizia a Roma, in uno dei più prestigiosi negozi di arredamento contemporaneo della città, dove ha potuto apprezzare qualità e dettagli di pezzi firmati dai grandi maestri del design del XX secolo. Successivamente si trasferisce a Londra, dove lavora in uno studio di interior design situato a Chelsea e qui affina le sue capacità di interior designer, confrontandosi con la ristrutturazione delle splendide case d’epoca della zona, caratterizzate da interni sofisticati e ricchi di dettagli con tessuti pregiati, carte da parati e motivi colorati.

Alla ricerca di nuove sfide, Elena Rajani approda a Melbourne, con un biglietto di sola andata, nel 2015. Qui, grazie a nuove collaborazioni con studi e professionisti locali, scoprirà le infinite opportunità offerte dalle costruzioni ex novo, lavorando su progetti residenziali di alto livello nei sobborghi più esclusivi e sviluppando un’estetica minimalista focalizzata sull’utilizzo di materiali raffinati, arredi ricercati e su soluzioni su misura per ogni cliente. A coronamento del suo percorso professionale arriva un prestigioso riconoscimento, il Kitchen Design of the Year, assegnato da Zip Water, per la migliore cucina australiana del 2019.

Dal 2020, in seguito alla pandemia, il lavoro da casa rappresentato per Elena ha un’opportunità per costruire una base di clienti personali e soprattutto per coltivare l’ispirazione e la determinazione necessarie per mettersi in proprio. Questo nuovo capitolo professionale, ERD. Elena Rajani Design, si apre con l’intento di mettere a frutto tutte le esperienze accumulate e di trasmettere la sua innata passione per il design italiano. La sua missione è offrire un servizio di interior design completo, accompagnando i clienti in un percorso coinvolgente che li pone al centro del processo creativo dalla concezione iniziale fino alla realizzazione della casa, dei loro sogni.

🌐 ERD. Elena Rajani Design website
🌐 ERD. Elena Rajani Design su Instagram
🌐 Elena Rajani su LinkedIn

🎙 Il format

Dannati Architetti Talk è il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Saranno loro a raccontare in prima persona il proprio viaggio, condividendo esperienze, momenti di svolta, cadute e successi che, passo dopo passo, hanno lasciato un segno sul loro cammino.
Perché dietro ogni grande progetto c’è la storia di una vita che merita di essere ascoltata.

Music: Trailer e background con Suno AI. Ending track: Remember September, Freedom Trail Studio (royalty free music).

🎧 Il primi due episodi del Talk

Gianni Berengo Gardin è stato uno dei più grandi fotografi del Novecento italiano: il “fotografo dell’uomo”, come lo definì Sebastião Salgado. Con i suoi reportage ha documentato la società e i suoi cambiamenti, l’architettura, il lavoro, l’ambiente, le tradizioni; ha denunciato ciò che molti preferivano far finta di non vedere.

Con oltre due milioni di negativi, 260 libri pubblicati, 360 mostre personali in tutto il mondo e una carriera consacrata da riconoscimenti internazionali, Berengo Gardin è stato un cittadino del mondo. Un osservatore lucido e instancabile della realtà. L’autore di un “fotoromanzo” in bianco e nero che attraversa settant’anni di storia, e che ha saputo scrivere attraverso i volti delle persone, le loro pose, i loro sguardi, le coincidenze, l’attesa paziente che quegli attimi da cogliere si rivelassero davanti all’obiettivo della sua Leica.

In parole povere: un libro e una premessa

«Quando mi domandano se ci siano ancora cose importanti che vorrei fotografare, rispondo che sono soddisfatto delle immagini realizzate. Ogni giorno però, se esco di casa, sento il bisogno di portare con me la macchina fotografica. Quando esci di casa senza macchina fotografica, c'è sempre qualche inquadratura che avresti voluto fermare sulla pellicola. Allora è meglio non rischiare. La fotografia, d'altronde, rimarrà sempre la mia vita».

Con questa citazione riportata in copertina - che è già di per sé una fotografia dell’uomo che l’ha pronunciata - si apre In parole povere. Un’autobiografia con immagini raccolta da Susanna Berengo Gardin ed edita da Contrasto. In questo libro Gianni Berengo Gardin ripercorre la propria vicenda umana e professionale, segnata da viaggi, incontri e da una sensibilità sempre attenta ai temi sociali, alla gente.

È un racconto schietto e sincero, privo di ogni retorica. Una lettura appassionante che mi è stata fondamentale per preparare la lunga intervista che segue, realizzata lo scorso 3 giugno e pubblicata solo oggi - con mio imperdonabile ritardo e sincero dispiacere - in seguito alla sua recente scomparsa.

In dialogo con Gianni Berengo Gardin

C’è un bellissimo episodio nel libro in cui racconta di Bruno Zevi e della fotografia di architettura. In qualche modo, sebbene la sua strada sia stata poi quella del reportage, potremmo dire che tutto sia cominciato da lì. Che grazie a lui sia arrivato il primo incarico importante.

Io devo dire subito che non sono un fotografo di architettura. Ho fotografato tantissima architettura, ma quello che prediligo è l’uomo, è il reportage. Però, specie agli inizi, mi capitava di fotografare più architettura, perché a Venezia gli studenti dello IUAV non erano preparati a fare un buon lavoro per le tesi e il professor Zevi pretendeva - era molto rigoroso ed esigente - che queste fossero corredate da un ricco apparato fotografico, che avrebbero dovuto realizzare da soli. Siccome molti di loro erano miei amici, finivo per aiutarli io. A un certo punto, però, Zevi si accorse che le fotografie erano troppo simili tra loro e gli disse piccato: «Ma non le fate voi! Chi ve le fa?». All’inizio cercarono di sviare, poi confessarono che ero io. Allora mi convocò e, con mia sorpresa, anziché farmi una predica, mi chiese di tenere una lezione di fotografia a tutti i suoi allievi. Io ero proprio agli inizi, ero ancora un fotoamatore, non un professionista… ero timido e imbarazzato. Ma ci sono andato e ho cercato di barcamenarmi tra una cosa e l’altra. Era la prima volta che parlavo in pubblico.

A Bruno Zevi sono molto riconoscente per due motivi. In primo luogo perché nel 1963 mi fece esporre le fotografie che avevo fatto su Venezia all’Architectural Association di Londra. Quella mostra fu vista dall’editore svizzero Albert Mermoud, che poco dopo mi mandò un telegramma: «Venga a Losanna che facciamo un libro su Venezia con le sue foto». Io credevo fosse uno scherzo, perché un mese prima aveva pubblicato un volume con Fulvio Roiter e mi sembrava strano che volesse darne subito un altro alle stampe. Invece era vero! Quel libro in realtà io lo avevo già pronto. L’avevo proposto a otto editori italiani e tutti lo avevano rifiutato per due motivi: primo, perché non mostrava la Venezia classica dei monumenti, quella turistica per intenderci; secondo, perché non era a colori. Ci avevo rinunciato, lo tenevo lì “addormentato” in attesa che succedesse qualcosa. E poi arrivò Mermoud, che con la Guilde du Livre di Losanna ne stampò addirittura 10.000 copie, perché i suoi abbonati compravano tutto quello che pubblicava.

In secondo luogo, sono riconoscente a Bruno Zevi perché mi chiese di realizzare le foto per il suo volume Biagio Rossetti, architetto ferrarese. Un grosso librone che fu di fatto il primo della mia vita e segnò l’inizio del mio lavoro. Uscì con Einaudi nel 1960, prima ancora di Venise des saisons (1965), quello su Venezia di cui parlavo poco fa. Poi sono arrivate le monografie illustrate del Touring Club - fu Giuliano Manzutto a chiamarmi per collaborare - e con loro ho fatto tantissima architettura, non moderna ma storica: monumenti, chiese ecc. Me la sono cavata abbastanza bene perché insieme abbiamo pubblicato parecchi volumi dal 1966 al 1986.

E per quanto riguarda invece l’architettura moderna?

Con l’architettura moderna, e soprattutto con l’archeologia industriale, che mi piaceva molto, ho imparato tutto da Gabriele Basilico, perché eravamo amicissimi, ci vedevamo quasi ogni sera. Tra di noi c'era un bellissimo rapporto, scherzavamo. Dicevo spesso che grazie a Gabriele avevo imparato a fotografare l’architettura, e lui, puntualmente, ribatteva: «Io, invece, ho imparato il reportage da Gianni!».

Tante volte siamo andati anche assieme. Lui col banco ottico. Io lo osservavo affascinato mentre fotografava e mi veniva voglia di provare anch’io a lavorare così. Poi mi dicevo: «No, è meglio di no. Che sennò dicono che copio Gabriele» (ride, ndr.). Anche se non ci sarei riuscito… con il banco ottico ho avuto un rapporto poco felice. L’ho usato un po’ per la Olivetti quando, nel 1960, insieme a Henri Cartier-Bresson, realizzammo il reportage sullo stabilimento di Pozzuoli (nel 1969 uscì anche un libretto con le foto di entrambi). Io ho sempre preferito lavorare con Leica e Nikon, con l’obiettivo decentrabile, perché volevo assolutamente che le case risultassero dritte. Non come le fanno quasi tutti oggi: tutte storte, che non si capisce da che parte vada l’architettura. (ride, ndr.)

Nei primi anni Cinquanta, quando iniziò a frequentare lo storico negozio Foto Record e il circolo La Gondola a Venezia, entrò in contatto con Paolo Monti - peraltro uno dei fondatori del circolo - al quale fece più volte da assistente insieme a Giuseppe “Bepi” Bruno. Monti ha documentato moltissima architettura…

Sì. Faceva molto ritratto e molto reportage. A Bologna, per il censimento, aveva fotografato praticamente tutto, talvolta esagerando secondo me: gli avevano tolto persino i segnali stradali, perché lui esigeva la massima purezza dell’architettura. Io non ero così, per niente, ma incontrarlo fu fondamentale per la mia crescita professionale.

Bepi Bruno è stato un grande amico. In quegli anni andavamo sempre in giro con la sua Fiat 500: a Bologna, a Firenze, scattavamo a Venezia insieme, parlavamo continuamente di fotografia. E poi, alla domenica, ci spostavamo a Spilimbergo a trovare Italo Zannier e altri amici fotografi del Gruppo Friulano per una Nuova Fotografia.

Nel 1958 intraprendeste insieme anche un viaggio nel Sud Italia a bordo di una giardinetta…

Era un’Italia completamente diversa, contadina, poverissima. Un altro mondo. Il Meridione, allora, era difficile da raggiungere: impiegammo due giorni percorrendo strade malmesse e fermandoci nei paesini che attiravano la nostra attenzione. Era il 1958. In occasione di quel viaggio ci fermammo a Senigallia per incontrare Mario Giacomelli, con il quale chiacchierammo a lungo.

Stranamente, Giacomelli regalava sue fotografie a tutti, tranne che a me. Mi diceva sempre: «Io ti stimo più di tutti». E io provavo a ribattere: «va bene, ma a maggior ragione se mi stimi… » e lui: «Tu non hai bisogno delle mie fotografie, tu hai la mia amicizia!». Abbiamo scattato qualche foto nella sua camera oscura: mi mostrò come trasferiva l’immagine dalla pellicola alla lastra e come poi forzava le fotografie. Lui sì che era un grande poeta, un grande interprete della realtà. Io, invece, sono l’opposto: voglio che la realtà sia quella e basta. Due punti di vista completamente diversi, ma una grande amicizia, quella con Giacomelli.

Come è iniziata la collaborazione con Renzo Piano? Lei è considerato il suo miglior fotografo.

È successo per caso. Un incarico che spettava al mio amico Luciano D’Alessandro, fotografo napoletano, passò a me: siccome lui non poteva occuparsene, disse a Renzo Piano di rivolgersi a Gianni Berengo Gardin. Si trattava di documentare un suo intervento per il risanamento del centro storico di Otranto. Io andai, feci le foto, e poco tempo dopo mi richiamò per un lavoro a Cagliari. In pratica avevo fatto una cosa ignobile: avevo rubato il cliente al mio amico Luciano (ride, ndr.), perché da allora in avanti ho realizzato moltissimi lavori per Renzo Piano. Fotografare per lui mi piaceva perché non mi chiedeva semplicemente di ritrarre l’edificio finito. Si cominciava già dal cantiere, dalla fasi di costruzione… così potevo affiancare all’architettura anche il lato umano, gli operai al lavoro, la vita che abitava l’opera. Ed era proprio questo ciò che mi interessava di più!

Con Renzo Piano siamo poi diventati amicissimi e, finché ho potuto, ho continuato a fotografare le sue architetture. Dopo sono arrivati anche tanti altri progettisti a cui sono molto riconoscente, tra cui diversi ex allievi di Piano che si erano messi in proprio, e naturalmente il lavoro industriale, per Olivetti, Fiat, IBM, Ansaldo, General Electric…

Anche con la Olivetti ha avuto una lunga collaborazione. Attraverso le sue fotografie ha raccontato l’innovazione tecnologica, le fabbriche progettate dai grandi nomi dell’architettura, ma soprattutto la vita e il lavoro dei dipendenti.

Sì. Ho lavorato molto per loro, per 12-13 anni. Una volta al mese andavo a Ivrea e godevo di grande fiducia: mi lasciavano fotografare quello che volevo io e quello che volevano loro. Non c’era alcun controllo né censura: mi permisero di fotografare persino progetti in corso, macchine ancora in fase sperimentale. Avrei potuto rivendere quel materiale a un concorrente e guadagnarci molto, cosa che naturalmente non ho mai osato fare. E quindi, questo è stato il lato più commerciale del mio lavoro. Però, potendo metterci dentro l’uomo, chiaramente mi piaceva moltissimo e mi interessava.

Lei è un cittadino del mondo. Ha vissuto a Santa Margherita Ligure, Venezia, Roma, Parigi, Lugano, Milano e i suoi reportage l’hanno portata in Australia, Cina, America, Canada, India... Cosa le ha insegnato questa vita in viaggio?

Dalla vita e dai viaggi ho imparato tutto, perché, le dico la verità, ero un pessimo studente. Ho sempre avuto poca memoria: studiavo, studiavo, alla sera sapevo tutto e il giorno dopo in classe non ricordavo più nulla. E così ho cominciato a odiare la scuola. Poi me ne sono pentito, però, non so come, fotografando ho imparato tantissimo: sulla vita, sui posti, sulla gente. E poi, non so se si può dire, ho avuto “un gran culo”, perché potevo permettermi di scegliere i lavori. Se non mi piacevano, li rifiutavo. Tanti non commissionati li facevo di mia iniziativa, a mio rischio, poi li proponevo e magari ci saltava fuori un libro. Perciò tutti i lavori che ho fatto mi sono piaciuti, mi hanno insegnato qualcosa e mi hanno entusiasmato.

I due anni trascorsi a Parigi sono stati fondamentali per la mia formazione e la mia cultura. Lì ho conosciuto, tra gli altri, Robert Doisneau, Édouard Boubat, Edith Piaf, Jean-Paul Sartre… fu una combinazione non cercata. Mio suocero mi aveva consigliato di andare a trovare una sua amica, Madame Dubreuil, che nella sua casa di Rue de Rivoli aveva un salotto frequentato da molti intellettuali. Io andavo, rimanevo zitto in un angolo e li osservavo parlare (ero timido e il francese lo masticavo ancora poco). Un giorno, Sartre parlava, parlava, parlava e a un certo punto mi notò, lì nell’angolino. Si avvicinò e mi disse: «Ma io la vedo sempre qui in silenzio, ma cosa fa?». Gli spiegai che ero lì perché mio suocero era amico della proprietaria, e così iniziammo a parlare e scoprimmo di avere una passione comune per Ernest Hemingway. Poi il discorso cadde sul cinema: «Anch’io ho la passione del cinema!”, mi confessò, ma non ho mai capito perché gli piacessero tanto i film western. Forse non voleva far sapere ai suoi amici intellettuali che guardava quei film di cowboy un po’ scemi? Ogni tanto allora veniva da me e diceva: «Gianni, on va?» (au cinéma, ndr). Io con quell’inconfondibile “on va?” capivo che voleva andare a vedere un film al cinema e che sicuramente si sarebbe trattato di un western. Ho avuto la fortuna di conoscere questo personaggio enorme. All’epoca non avevo ancora piena coscienza di chi fosse davvero Sartre… non era ancora il “grande Sartre”, ma era pur sempre Sartre!

Insomma, lei ha accompagnato al cinema uno dei filosofi e pensatori più importanti del Novecento!

Sì, siamo andati una decina di volte al cinema insieme. Ma non ho mai capito perché, a dirle la verità (ride, ndr.). In seguito ho letto tutti i suoi libri.

Parlando di libri, e nello specifico di volumi fotografici: ne possiede una vasta collezione e ne ha dati alle stampe altrettanti.

Di volumi fotografici ne ho pubblicati 264 e ce ne sono ancora due in uscita quest’anno. Vede, i giornali non mi facevano lavorare, ad eccezione de Il Mondo, diretto da Mario Pannunzio, con cui ho collaborato ininterrottamente dal 1954 al 1966. Dagli altri andavo, offrivo le mie foto… non so, era difficile far accettare alle redazioni il proprio modo di fotografare. Così mi sono buttato sull’editoria, perché allora era ben sponsorizzata e c’era un discreto guadagno: anch’io dovevo pur vivere. Poi ho conosciuto, oltre ad architetti, anche intellettuali, tra cui Bruno Zevi, Federico Zeri, Mario Soldati, Cesare Zavattini, molti dei quali hanno scritto i testi dei miei volumi fotografici. È stato questo, come dire, a “reclamizzarmi”, a farmi fare tante cose belle. Ho imparato molto anche dai libri degli altri, da quelli dei grandi maestri americani e francesi… ho accumulato negli anni una collezione vastissima! Il confronto è sempre stato fondamentale per me: dal lavoro altrui c’è sempre qualcosa da apprendere.

Tra i tanti reportage di denuncia sociale che ha realizzato, quali ricorda con maggiore soddisfazione?

Morire di classe, il reportage pubblicato nel 1969 sulla condizione manicomiale in Italia, è stato un lavoro importantissimo che ho fatto per Franco Basaglia. Anche conoscerlo è stato fondamentale. Insieme a Carla Cerati, fotografa de L’Espresso, abbiamo denunciato non la malattia in sé, ma il degrado e le condizioni disumane in cui erano costretti a “vivere” i malati… molti dei quali abbandonati in quelle terribili strutture dai parenti che si vergognavano di loro. Non era come in un ospedale, dove si va a trovare i propri cari portando giornali o arance… e questo abbandono, mi diceva Basaglia, loro lo sentivano moltissimo: peggiorava la loro condizione. Solo lui riuscì a fargli abbattere le inferriate con le loro stesse mani. E quei pazienti, finalmente liberi, erano felicissimi! Ho poi seguito molti di loro dopo la Legge 180 (la Legge Basaglia ndr.): erano persone finite in manicomio per eredità o perché i parenti volevano appunto sbarazzarsene. Con la 180, per farle qualche esempio, uno di loro divenne direttore di un’agenzia di viaggi (e per dirigere un’agenzia di viaggi non puoi certo essere tanto matto), un altro aprì una bellissima libreria a Biella, un altro ancora faceva il fiorista. Erano attività normali, portate avanti da persone normali.

In seguito, ho affrontato diversi altri temi sociali: dagli ex carcerati di Genova reinseriti nel lavoro, alle grandi navi nella laguna di Venezia. Avevo degli amici nel comitato No Grandi Navi e decidemmo di organizzare una mostra a Palazzo Ducale, ma ci fu proibita. Alla fine riuscii comunque a farla, presso il Negozio Olivetti in Piazza San Marco, e fu un grande successo. Io, da fotografo, ero condizionato soprattutto dall’impatto visivo, ma i danni di quelle navi erano enormi. Rischiavano di andare a sbattere, smuovevano la sabbia sotto, consumavano quantità enormi di gas e petrolio, più delle automobili… provocavano un inquinamento enorme! Quando poi ho pubblicato con Contrasto il libro Venezia e le grandi navi (2013), arrivavano addirittura dodici navi al giorno: sei che entravano e sei che uscivano. Era un via vai continuo. Fortunatamente, da allora qualcosa è cambiato. A Venezia è proibito costruire case più alte di quattro piani, e quelle navi erano come palazzi di otto-dieci piani che spuntavano all’improvviso: una visione orribile.

Che idea si è fatto del digitale e come giudica la direzione che sta prendendo oggi la fotografia? C’è qualche fotografo contemporaneo che ammira in modo particolare?

Ce ne sono tanti, ma non faccio nomi, altrimenti rischierei di fare un torto a qualcuno. Ne vedo più nell’ambito dell’architettura, che seguono la strada aperta da Gabriele Basilico, piuttosto che nel reportage. Perché, bene o male, di riviste di architettura ce ne sono ancora, mentre il reportage non lo vuole fare più nessuno: lo pagano pochissimo. Una volta mi davano 200 euro per una foto, oggi me ne offrono 15. Da 200 a 15! Come può un giovane cominciare a fare reportage se vuole vivere di fotografia?

Con lo smartphone e con Photoshop si fa di tutto oramai: si pubblica il buono e il cattivo, si altera qualsiasi scatto. Ma se in post-produzione aggiungi, per esempio, un’automobile, quella non è più una fotografia, è un’immagine. E allora, se si dichiara “questa è una mia interpretazione di questo luogo”, mi sta bene, altrimenti no. Perché chi la guarda è portato a credere che rappresenti ciò che il fotografo ha visto, mentre in realtà è stata costruita la sera davanti al computer. Quanto all’intelligenza artificiale, invece, credo ucciderà definitivamente la fotografia.

Io scatto ancora su pellicola e dico ai giovani di continuare a usarla. Certo, il digitale ha dei vantaggi: poter fare una foto e un minuto dopo inviarla ovunque è un vantaggio. Ma scattare a mezzanotte col buio e ottenere un’immagine che sembra fatta a mezzogiorno mi lascia dubbioso. La pellicola ha una sua plasticità. Il digitale è freddo, metallico, direi quasi un po’ angosciante: troppo perfetto.

Con il digitale si tende ad apprezzare di meno il momento dello scatto. Una volta c’era l’incertezza di essere riusciti a catturare un’istante, una posa… e non ci si poteva permettere di riprovare all’infinito.

Ricordo un periodo in cui una nota marca di macchine fotografiche aveva tappezzato le strade con enormi manifesti, dieci metri ciascuno, con lo slogan: “Non pensare, scatta”. Io ai miei ragazzi dico invece: “prima pensa, poi, semmai, scatta”. Se merita, scatti, altrimenti lasci perdere. Una massima di Cartier-Bresson era: «Massimo tre scatti. In tre scatti o fai la foto buona, o non la fai». Oggi, con il digitale, si fanno migliaia di foto sperando che ne salti fuori una buona. E non solo: le macchine ormai sono talmente perfette che fanno tutto da sole, pensano loro al posto tuo. Tu non pensi più. È cambiato tutto. Non so se in meglio o in peggio, non sta a me dirlo, ma è cambiato tutto.

C’è poi un aspetto ancora più pericoloso: con il digitale cambieranno i mezzi di lettura? Cambieranno i materiali? Non sappiamo cosa succederà fra cent’anni. Con la pellicola, invece, è dimostrato che gli archivi resistono oltre un secolo. Il vantaggio di avere un archivio su pellicola è enorme. Io possiedo due milioni di negativi, con dentro un po’ di tutto: del buono, del cattivo, anche dello “schifoso”. Può capitare di ritrovare fotografie che all’inizio non consideravo convincenti e che, col passare degli anni, mi appaiono invece interessanti.

Le mie foto migliori le ho fatte rendendomi conto solo dopo che erano buone, in alcuni casi non me ne sono nemmeno accorto io.

📚 Libri di architettura

Scritto di notte

Di Ettore Sottsass, Adelphi, 2010 | Brossura €25,00 | eBook €13,00 | Lingua italiana

Per lungo tempo siamo stati costretti a sospettare che i progetti, i disegni, gli oggetti, le fotografie, le riviste di Ettore Sottsass, oltre a stupire e a innovare, raccontassero una storia. Poi, alla fine della sua lunga vita, Sottsass quella storia ha cominciato a scriverla – partendo da molto lontano. E così, in queste schegge di un'autobiografia pensata, all'inizio degli anni Duemila, come testamento, Sottsass manovra una scatola ottica di cui lui solo sembra conoscere il funzionamento, e la usa per proporre al lettore, in un ordine solo apparentemente capriccioso, le immagini della sua infanzia e della sua giovinezza. La materia di cui il racconto è fatto – i primi anni in Austria, l'arrivo a Torino, le retrovie e il fronte di una guerra a metà orrenda e a metà farsesca, e la Milano del dopoguerra, e l'America, e la nascita del design contemporaneo – basterebbe a giustificarlo. Ma a colpire, e subito a incantare, è il fuori campo con cui Sottsass accompagna ogni rievocazione: una voce ironica, beffarda, sorniona, che sembra sempre condurre a una conclusione già scritta, ma all'ultimo momento scarta verso il paradosso – riuscendo, ogni volta, a sorprendere. Chi tiene fra le mani questo libro, dice Sottsass in una sua breve introduzione al testo, tiene fra le mani (forse) un uomo nudo. La parentesi – e non potrebbe essere altrimenti – autorizza dunque un dubbio: per scioglierlo, non resta che cominciare a leggere.

Contro l’architettura

Di Franco La Cecla, Bollati Boringhieri, 2008 | Brossura €14,00 | eBook €6,00 | Lingua italiana

Mai come adesso l'architettura è di moda. Nelle riviste, nei quotidiani, in televisione le opere delle super-star dell'architettura sono oggetto della curiosità di lettori che prima erano completamente digiuni in materia. Eppure mai come adesso l'architettura è lontana dall'interesse pubblico: incide poco e male sul miglioramento della vita della gente, a volte ne peggiora le condizioni dell'abitare. Questo accade perché l'architettura è diventata un gioco autoreferenziale, incentrata sulla "firma", sulla genialità del singolo architetto, genialità che è quotata nella borsa della moda al pari di un qualunque brand. Gli architetti si rifiugiano in una artisticità che li esclude da qualunque responsabilità. Purtroppo spesso viene affidata loro la trasformazione di interi pezzi di città, trasformazioni che spesso compiono con incompetenza, superficialità e convinti che si tratti di un gioco formale. Ma le città funzionano diversamente: sono il territorio profondo su cui agisce l'inconscio collettivo, sono il luogo delle appartenenze e dei conflitti. Questo libro invita ad abbandonare le "archistar" al loro egoismo e ad accettare che l'architettura abbia esaurito la sua funzione. Oggi c'è bisogno di altro, soprattutto nella situazione di emergenza in cui le città e l'ambiente rischiano di diventare sempre più inabitabili.

L'umano e l'inumano.
Filosofia dell'architettura come filosofia della natura

Di Ettore Rocca, Carocci, 2025 | Brossura €23,00 | eBook €12,00 | Lingua italiana

Mai come oggi architettura e natura appaiono in conflitto insanabile. Per quanto si sforzi di diventare sostenibile, l'architettura continua a essere la più umana tra le arti, quella che più afferma il possesso umano sulla natura. Il libro sovverte questa idea, sostenendo che, se pensata filosoficamente, l'architettura è invece la più inumana fra le arti, quella maggiormente consegnata all'altro dall'umano, la natura. Anzi, l'architettura può mettere in opera la natura e aprire a un nuovo epos del non-umano. Il volume argomenta questa tesi intrecciando differenti tradizioni di pensiero: lo spazio in Platone con lo zimzum nella qabbalah ebraica, la concinnitas in Alberti con lo spazio indicibile di Le Corbusier, il non-altro in Cusano con lo spazio potenziale di Winnicott, il pensiero della rovina in Simmel con la natura di città di Stig L Andersson. In ogni capitolo la teoria dialoga con singole opere artistiche e architettoniche, dalla cui lettura emergono elementi inediti, ribaltando talvolta interpretazioni consolidate. "L'umano e l'inumano" propone una nuova e paradossale teoria dell'architettura che si fonda sul ritrarsi per donare spazio, e trova il suo compimento in una filosofia del gioco. È nel gioco che infine l'umano si salda all'inumano, la filosofia dell'architettura alla filosofia della natura.

Cos’è un designer

Di Norman Potter (a cura di Marco Rainò, traduzione di Sergio Orrao), Codice Edizioni, ed. 2024 | Brossura €22,00 | eBook €5,00 | Lingua italiana

Testo di riferimento per più generazioni, "Cos'è un designer" si rivolge agli "studenti di ogni età" che si avvicinano alla progettazione e al design con l'intento di comprenderne le ragioni più profonde e le implicazioni sociali più urgenti. Pubblicato per la prima volta nel 1969 e subito consacrato come un classico, è un esempio eccellente di testo in grado di "autorinnovarsi": rivisto dall'autore nel 1980 e nel 1989, poi riproposto nel 2002 dopo la sua scomparsa, è una finestra spalancata sulla visione, la fede e le speranze di un Norman Potter innovatore ispirato, entusiasta e radicale come solo i grandi maestri o gli autentici profeti sanno essere. "Cos'è un designer" definisce l'essenza del "buon design" come processo utile a migliorare la qualità della vita degli individui, introducendo per primo l'accezione ad ampio spettro di design, disciplina inclusiva in grado di connettere distinti ambiti del sapere e favorire relazioni realmente collaborative.

In parole povere. Immagini, ricordi e incontri.

Di Gianni Berengo Gardin, Contrasto, 2020 | Brossura €22,00 | Lingua italiana

“Se si è veramente fotografi si scatta sempre, anche senza rullino, anche senza macchina”. La fotografia come scelta: l’autobiografia con immagini di Gianni Berengo Gardin, raccolta dalla figlia Susanna, rintraccia il filo di questa passione e lo dipana attraverso una vicenda biografica lunga, piena di incontri, di viaggi, di storie, di immagini colte e da cogliere. Piena, soprattutto, di quella sensibilità attenta al reale, alla società, alla gente, che da sempre rappresenta il principale bagaglio di cui si deve dotare un fotografo di reportage. Il mondo di Berengo Gardin, recentemente scomparso, è il nostro mondo. Con una lettera all’amico Gianni, scritta da Ferdinando Scianna, e una conversazione sulle fotografie fatte e quelle da fare tra Gianni Berengo Gardin e Roberto Koch.

Andare per l’Italia razionalista

Di Fabio Isman, Il Mulino, 2024 | Brossura €14,00 | eBook €10,00 | Lingua italiana

Molte nostre città vantano qualche edificio razionalista, riconoscibile per le forme «pure» e l'uso di cemento armato e vetro. Il razionalismo, durato solo dal 1925 al 1940 e ispirato dalle esperienze del Bauhaus, di Mies van der Rohe, Gropius e Le Corbusier, opera una propria originale rivoluzione estetica: fa scaturire la forma del costruito dalla sua funzione e abolisce ogni decorazione. Il nuovo stile «littorio» e il regime fascista, con le sue grandi opere pubbliche, ne oscurerà le novità e la memoria. L'itinerario muove dalle «piccole capitali» dove il movimento esordisce (Milano, Como, Roma), per raccontare piccoli gioielli anche di provincia, come Tresigallo, Sabaudia, Ivrea, Torviscosa, Cosenza e molti altri poco conosciuti che vanno riscoperti.

La città dei ricchi e la città dei poveri

Di Bernardo Secchi, Laterza, 2013 | Brossura €14,00 | eBook €10,00 | Lingua italiana

Nelle culture occidentali la città è stata a lungo immaginata come spazio dell'Integrazione sociale e culturale. Luogo sicuro, protetto dalla violenza della natura e degli uomini, produttore di nuove identità, sede privilegiata di ogni innovazione tecnica e scientifica, culturale e istituzionale. Nella città occidentale ricchi e poveri si sono da sempre incontrati e continuano a incontrarsi, ma sono anche sempre più resi visibilmente distanti. Oggi più che in passato, nelle grandi aree metropolitane, le disuguaglianze saltano agli occhi e strategie di distinzione ed esclusione sono state spesso favorite dallo stesso progetto urbanistico. Bisogna tornare a riflettere sulla struttura spaziale della città, riconoscere l'importanza che nel costruirla ha la forma del territorio. Tornare a conferire agli spazi urbani una maggiore e più diffusa porosità, permeabilità e accessibilità; disegnarli con ambizione, tenendo conto della qualità delle città che ci hanno preceduto e ragionare di nuovo sulle dimensioni del collettivo.

Architettura e potere

Di Deyan Sudjic (traduzione di Daniele Germinario), Laterza, 2013 | Brossura €20,00 | Lingua italiana

In ogni cultura, per poter realizzare le proprie creazioni, gli architetti hanno dovuto stabilire un rapporto con i ricchi e i potenti. Nessun altro ha infatti le risorse per costruire. E il destino geneticamente predeterminato degli architetti è fare qualsiasi cosa pur di costruire, così come quello dei salmoni migratori è di compiere l'ultimo viaggio per deporre le uova prima di morire. Gli architetti non hanno altra alternativa che scendere a compromessi con il regime al potere, qualunque esso sia. Ma quando il calcolo politico si mescola alla psicopatologia, l'architettura non è più solo un problema di politica pratica, essa diventa un'illusione, e perfino una malattia che consuma le sue vittime. Esiste un parallelo psicologico fra il marcare un territorio per mezzo di un edificio e l'esercizio del potere politico. Entrambe le cose dipendono da un atto di volontà. Vedere affermata la propria visione del mondo in un modello architettonico esercita di per sé un certo fascino e ancora più attraente è la possibilità di imporre fisicamente il proprio volere a quella stessa città rimodellandola così come Haussmann fece a Parigi. L'architettura alimenta l'ego nei soggetti predisposti. Essi ne diventano sempre più dipendenti al punto che l'architettura si trasforma in un fine in sé che attrae i fanatici e li induce a costruire sempre di più su di una scala sempre più vasta.

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È giunta al termine la seconda stagione di Dannati Architetti Speciale Tall Buildings, serie di episodi realizzata in collaborazione con la società di ricerca Guamari. Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, tenutosi il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, le puntate hanno raccolto interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Ecco le ultime tre uscite.

Qualche settimana fa, via Instagram, ho chiesto alla community che cosa ne pensasse di The Brutalist, il film diretto da Brady Corbet che ha dominato la stagione dei premi 2024/2025: Oscar per il miglior attore protagonista (Adrien Brody), miglior fotografia e colonna sonora; Leone d’Argento alla regia alla Mostra del Cinema di Venezia; Golden Globe come miglior regia, miglior film e attore drammatici. Ebbene, tra giudizi tranchant e osservazioni più misurate - comunque indicative di visioni profondamente divergenti - si è confermata l’intuizione iniziale: The Brutalist è un film divisivo e al tempo stesso stimolante, capace di alimentare un acceso dibattito all’interno della nicchia! 🔥 🔥 🔥

L'entusiasmo sembrerebbe infatti arrivare più dai non addetti ai lavori, mentre molti architetti - forse sedotti dal titolo - si sono detti delusi o spiazzati: speravano in qualcosa di diverso. A questo punto, sarebbe legittimo chiedersi cosa ci si aspettasse davvero. Del resto, non che il cinema pulluli di protagonisti architetti! Il primo che mi viene in mente, su due piedi, è Howard Roark, interpretato da Gary Cooper ne La fonte meravigliosa, pellicola del 1949. A parte gli scherzi, ve ne saranno sicuramente di più recenti, ma questo film, tratto dal romanzo di Ayn Rand e diretto da King Vidor, meriterebbe una newsletter a sé per l’influenza che ha esercitato sull’immaginario dell’architetto-genio, misantropo e inflessibile. Di questo stereotipo, che riecheggia anche in The Brutalist, cominciamo forse a essere un po’ stanchi, perché non fa onore alla categoria (da qui i “pruriti” di molti), restituendo un’immagine parziale e superata di una professione che, oggi, è molto più sfaccettata e plurale.
O almeno, così dovrebbe essere.

Tornando ai feedback ricevuti, alcuni utenti hanno apprezzato in The Brutalist la forza visiva, sottolineando ad esempio la capacità di “sintetizzare la materia architettonica”, anche attraverso “i primi piani quasi ipnotici delle mani che accarezzano le superfici”. Altri, al contrario, lo hanno trovato angosciante o inutilmente lungo, osservando come il brutalismo funzioni più come richiamo evocativo - efficace per un titolo catchy e d’impatto - che come movimento realmente indagato (più di una persona ha fatto giustamente notare come l’architettura scompaia progressivamente, lasciando spazio al dramma interiore).

Mi verrebbe da dire che il riferimento al brutalismo nel film non si manifesti o consumi né nell’estetica, cui non viene dato particolare risalto (anche in considerazione di un budget piuttosto contenuto), né tantomeno nel tentativo di raccontare le origini del movimento (i tempi storici sarebbero probabilmente incongruenti). Piuttosto, viene evocato come metafora di una dura condizione esistenziale e di un periodo storico di transizione, entrambi cupi e ruvidi come il cemento. Se è vero, come osservava Reyner Banham in The New Brutalism: Ethic Or Aesthetic?, che questo linguaggio architettonico affondi le sue radici nella sincerità e nell’onestà nel trattamento dei materiali, nel film si presenta esclusivamente come dispositivo narrativo, una lente attraverso cui mettere a fuoco dinamiche e tensioni: tra l’architetto e il committente, tra l’individuo discriminato e il sistema capitalistico ostracizzante, tra l’architettura segnata dal passato (e dal conflitto) e la visione progettuale emergente, proiettata in avanti. Un approccio ottimista che, inevitabilmente, deve fare i conti con il contesto storico-culturale del dopoguerra, con un’America ancora saldamente ancorata al neoclassicismo e pertanto restia a lasciarsi influenzare dalle avanguardie europee.

A traghettare il modernismo oltreoceano - e con esso anche l’utilizzo del béton brut, in forme più o meno esplicite - saranno alla fine prevalentemente architetti emigrati negli States, fra cui Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe, Richard Neutra, Rudolph Schindler, Louis Kahn e Paul Rudolph (allievo americano di Gropius). Corbet, in The Brutalist, ne rielabora la parabola umana e professionale attraverso la traiettoria turbolenta e tormentata dell’architetto immaginario László Tóth.

La storia, in breve

Il protagonista, László Tóth (Adrien Brody), è un architetto ebreo ungherese, formatosi al Bauhaus e sopravvissuto al campo di concentramento di Buchenwald. Approdato nel dopoguerra a Filadelfia, finisce per guadagnarsi da vivere spalando carbone dopo aver lavorato, per un breve periodo, presso il negozio di mobili del cugino; qui si cimenta con piccoli progetti di interni e nel design di nuovi arredi (le sedute, con struttura cantilever in tubolare metallico, ricordano quelle di Marcel Breuer). La svolta avviene quando il magnate Harrison Van Buren (Guy Pearce) lo nota grazie all’audace trasformazione - commissionata a sorpresa dal figlio Harry Lee Van Buren (Joe Alwyn) - del suo vecchio studiolo in uno spazio arioso, con scaffalature in legno alte fino al soffitto che, aprendosi simultaneamente a 45º, nascondono i numerosi volumi, un tempo disordinatamente sparsi nella stanza. La luce naturale, filtrata anche da un lucernario circolare in copertura, cade come un occhio di bue su una chaise longue da lettura posizionata al centro.

Inizialmente incompreso da Van Buren per la sua modernità, questo lavoro segnerà l’inizio di una collaborazione che porterà Tóth alla costruzione, lunga e travagliata, del monumentale Van Buren Institute: centro culturale, collocato su una collina, che diventerà l’ossessione del protagonista.

Il film, in parte ispirato al libro Architecture in Uniform di Jean-Louis Cohen, affronta l’architettura come sublimazione del trauma seguito alla guerra e all’Olocausto. Corbet non sceglie tuttavia la strada della biografia e, al posto di narrare le gesta di un architetto realmente esistito (cosa che, per quanta valga, ho francamente apprezzato) crea un alter ego storicamente plausibile, mescolando frammenti di vita e di progetti di figure come i già menzionati Breuer, Kahn e Rudolph, e affidandosi alla scenografa Judy Becker (la stessa di Carol e American Hustle) per realizzare edifici credibili, benché totalmente fittizi.

Il film si chiude alla 1ª Biennale di Architettura di Venezia del 1980 (The Presence of the Past) - una scelta non necessariamente fuori luogo, ma certamente straniante nel contesto del racconto - dove il protagonista, ormai anziano e sulla sedia a rotelle, assiste in silenzio alla retrospettiva sul suo lavoro. La nipote Zsófia (Raffey Cassidy) legge un discorso in sua vece, su come avesse progettato l'Istituto ispirandosi ai campi di sterminio dove lui e la moglie Erzsébet (Felicity Jones) erano stati rinchiusi, allo scopo di esorcizzare il trauma dell'Olocausto e la loro separazione. Conclude con una frase che lo zio soleva ripeterle:

«Qualunque cosa gli altri cerchino di inculcarti,
conta la destinazione, non il viaggio».

La mia opinione

Personalmente, non saprei dire se The Brutalist mi sia piaciuto o meno. Di certo non mi ha lasciata indifferente. È un film lungo (tre ore e mezza, suddivise in prologo, due parti, intervallo ed epilogo) e a tratti disturbante (alcune scene le ho trovate evitabili). Ma è anche un’opera potente, capace di restituire con grande intensità la fatica fisica e psichica del costruire, il rapporto conflittuale con la committenza, l’isolamento dell’architetto e le conseguenze, spesso devastanti, della dedizione assoluta, mossa da una passione quasi disperata, dal desiderio cieco e ostinato di lasciare un segno.

Nel film, anche la tossicodipendenza - lascito della guerra - assume un ruolo significativo; il protagonista sembra quasi ritrovare un fragile equilibrio solo in cantiere, come se quel luogo, al pari delle sostanze, sia l’unico capace di attenuare il dolore che lo affligge. Fare architettura diventa così una forma di sopravvivenza, l’unico modo per contenere (e illudersi di elaborare) un trauma mai davvero risolto.

Il progetto, in cui Tóth riversa tutto il suo talento, tutto il suo genio, si rivela quindi una resa dei conti con sé stesso e la frase finale «conta la destinazione, non il viaggio» sancisce con forza la scelta deliberata di perpetuare il cliché dell’architetto visionario, solitario, instabile e insofferente ai compromessi, talmente devoto al proprio lavoro da sacrificare ogni cosa - affetti, salute, persino la dignità - pur di vedere ultimata la sua opera. Un’opera pensata, culla carta, per la collettività, ma che finisce per diventare un remoto monumento all’ego, alla mania, forse anche alla pazzia.
Glielo si perdona al film, perché, per quanto poco edificante, la visione volutamente esasperata che propone è coerente con l’individualismo e il gigantismo della società americana, con il passato tormentato del protagonista, altrettanto ingombrante, e con le esperienze di vita di alcuni tra i più noti architetti del Novecento. Basti pensare a Mies van der Rohe che, con il progetto della Farnsworth House di Plano, porta all’estremo l’estetica “pelle e ossa” del less is more, al punto da dimenticare - o quasi - che si trattasse di una casa da abitare (emblematica la causa intentata dalla committente, Edith Farnsworth).

Insomma, Nulla di nuovo sul fronte occidentale, per citare un altro film (e un’altra battaglia). Ancora oggi, non sono poche le “archistar” che faticano a capire che progettare non è - e non dovrebbe essere - un atto egoriferito, ma un processo collettivo orientato alla pluralità: un gesto di responsabilità, non di autoaffermazione. E che, più della destinazione finale e della firma, contano proprio il viaggio e le scelte che ne tracciano la direzione, segnando giorno dopo giorno le tappe di un complesso itinerario, fatto di relazioni e mediazioni.

Di questo, e di molto altro, ho parlato con Brady Corbet, regista di The Brutalist.

L’intervista a Brady Corbet

Brady Corbet è un regista, sceneggiatore e attore statunitense nato il 17 agosto 1988 a Scottsdale, in Arizona. Cresciuto in Colorado, ha iniziato la sua carriera artistica da bambino, recitando in film come Thirteen – 13 anni (2003) e Mysterious Skin (2004). Durante la sua carriera da attore, ha collaborato con registi di fama internazionale come Michael Haneke (Funny Games, 2007), Lars von Trier (Melancholia, 2011) e Olivier Assayas (Clouds of Sils Maria, 2014). Nel 2015, Corbet ha esordito alla regia con The Childhood of a Leader – L’infanzia di un capo, un dramma psicologico ambientato nel periodo post Primera Guerra Mondiale. Il film, interpretato da Bérénice Bejo e Robert Pattinson, ha ricevuto il Leone del Futuro e il Premio Orizzonti per la miglior regia alla Mostra del Cinema di Venezia. Nel 2018, ha diretto Vox Lux, un dramma musicale con Natalie Portman, che esplora la vita di una popstar emergente. Il film è stato presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia. Il suo ultimo lavoro, The Brutalist (2024), è un dramma psicologico ambientato nel mondo dell'architettura. Il film ha ricevuto il Leone d’argento per la miglior regia al Festival di Venezia, due Golden Globe (miglior film drammatico e miglior regista) e il BAFTA per la miglior regia. Corbet per questo film, come regista è stato anche candidato a tre premi Oscar: miglior film, miglior regia e miglior sceneggiatura originale. Oltre al cinema, Corbet ha realizzato il video Untitled (Hudson Yards) per il progetto Finite Rants della Fondazione Prada, un saggio visivo che esplora le implicazioni sociali ed economiche del controverso progetto di sviluppo urbano di New York.

M.C.V.: Come descriverebbe il suo cinema a qualcuno che non lo conosce?

B.C.: È molto difficile, c'è una famosa frase del regista Jafar Panahi di qualche anno fa che dice “se tu potessi descrivere un film sarebbe inutile doverlo girare”. Fino a questo momento, e non so se sarà così per sempre, direi che tutti i miei film - incluso il prossimo - hanno una “preoccupazione tematica” con la storia.

M.C.V.: In The Brutalist, l’architettura non è uno sfondo ma una presenza opprimente che influenza destini e plasma emozioni. Cosa l’ha spinta a scegliere il brutalismo come lente narrativa - più che stilistica - attraverso cui raccontare questa storia?

B.C.: Il film parla di immigrazione e riflettevo molto su come una comunità reagisca di fronte a qualcosa - o qualcuno - che le appare profondamente estraneo. La reazione più comune, in questi casi, è il rifiuto: ciò che è estraneo va abbattuto, oppure espulso. O, come accade in questo film, entrambe le cose. Ci sono poi anche motivazioni storiche: la vicenda è ambientata negli anni Cinquanta, periodo che coincide con la nascita del primo brutalismo in architettura. Mi è sembrata la giusta allegoria per raccontare questa storia.

M.C.V.: Pur trattandosi di un personaggio di finzione, la vicenda di László Tóth sembra richiamare quella di figure come Marcel Breuer: anche lui ungherese, modernista, emigrato. Quali architetti realmente esistiti sono stati di riferimento nella costruzione dell’identità, della psicologia, della visione del mondo del protagonista?

B.C.: Il personaggio è in realtà un’amalgama di molti architetti. Penso, ad esempio, a Marcel Breuer, a Paul Rudolph o a László Moholy-Nagy, ma in lui ce ne sono davvero tanti. Inoltre, sono cresciuto con un architetto in famiglia: mio zio ha vissuto con mia madre e me mentre studiava a Taliesin West, quando la scuola era diretta da Olgivanna Lazović, ormai vedova di Frank Lloyd Wright.

Tutti i miei film sono in un certo senso delle “storie virtuali”. I personaggi sono sempre fittizi perché, semplicemente, non sono molto interessato alle biografie. Le biografie seguono una struttura narrativa, ma raccontare davvero cosa si dicono, per esempio, un marito e una moglie a letto è impossibile. E io preferisco non fingere di saperlo. Mi sembra un “contratto” più onesto con lo spettatore.

M.C.V.: Nel 1972 un tale László Tóth, anch’egli ungherese, divenne noto alle cronache per aver danneggiato la Pietà di Michelangelo. Perché assegnare lo stesso nome al protagonista del suo film? È una semplice coincidenza?

B.C.: È una coincidenza fortunata (utilizza l’espressione “happy coincidence”, ndr.), ma resta una coincidenza. Dire László Tóth è come dire Jim Thompson in America. A Budapest tutti si chiamano László e Tóth.

M.C.V.: Nel film emerge un tema che, probabilmente, colpisce più gli architetti che il pubblico generalista: il distacco tra il protagonista e coloro che dovrebbero fruire delle sue opere. L’impressione è che The Brutalist privilegi un approccio autoriale, legato all’espressione individuale, piuttosto che l’architettura come servizio alla collettività. Nel suo lavoro, come concilia la propria visione personale con quella che potremmo chiamare una “responsabilità” nei confronti dello spettatore, intesa come attenzione al messaggio che si trasmette?

B.C.: Penso sia un mix delle due cose. E credo valga tanto per il personaggio quanto per qualsiasi artista che crea qualcosa. Anzi, per chiunque. Spesso mi chiedono quanto tenga in considerazione il pubblico mentre realizzo un film. La verità è che, da un lato, non puoi non pensarci: stai cercando di raccontare una storia in modo abbastanza chiaro da non risultare pedante, ma anche abbastanza aperto da lasciare tracce, indizi, che permettano allo spettatore di interpretarla a modo suo.
Dall’altro lato, però, non penso mai davvero al pubblico. Come potrei anticipare il giudizio di milioni di persone su ciò che faccio? Sarebbe una responsabilità immensa. E poi, insomma, non sono il presidente né il primo ministro di un paese (ride, ndr.). Non pretendo di sapere cosa sia meglio per tutti, né lo farò mai. Anzi, trovo piuttosto inquietante che qualcuno possa anche solo pensare di sapere cosa sia meglio per tutti. Io mi limito a fare il mio lavoro. È un’opera pubblica: le persone possono farne ciò che vogliono. Non sta a me dire loro come dovrebbero reagire.

M.C.V.: Capisco. Ma nel caso dell’architettura, costruire un edificio significa inevitabilmente imporlo agli altri: chiunque lo abiti, lo incontri o lo attraversi è costretto a farci i conti. Con un film è diverso: si può appunto scegliere di non guardarlo.

B.C.: Credo che una delle cose più sorprendenti dell’architettura contemporanea sia che gran parte di ciò che si costruisce oggi risulti esteticamente poco riuscito. Basta guardare Manhattan da Brooklyn o Brooklyn da Manhattan: lo skyline è sempre più caotico e privo di armonia. Il problema, in contesti come Manhattan, è che è molto difficile proporre qualcosa di radicalmente diverso. A differenza, ad esempio, del lavoro di Peter Zumthor, che si confronta con il contesto, lavora con i materiali del luogo e costruisce un dialogo con l’ambiente, in città come New York le possibilità sono limitate: i materiali dominanti sono cemento e vetro. E questo rende più complicato attingere a fonti creative alternative. Lo stesso accade a Londra: ogni volta che mi capita di attraversarla in auto, ho l’impressione che i nuovi edifici siano sempre più dissonanti, difficili da decifrare. È una questione complessa. Detto questo, sì, sono d’accordo: non può non esserci una responsabilità nel costruire, ma ho l’impressione che oggi non tutti la stiano prendendo sul serio. Molto spesso le scelte progettuali sono guidate dagli sviluppatori immobiliari, e in questo scenario la figura dell’architetto, il termine “architetto”, rischia di svuotarsi di significato.

M.C.V.: Nella sequenza finale vediamo l’architetto, ormai anziano e quasi assente, partecipare alla prima Biennale di Architettura di Venezia del 1980, The Presence of the Past. Non una biennale qualunque. Le immagini, filtrate dal tempo, sembrano riprese con una vecchia cinepresa. Che ruolo ha il cinema, secondo lei, nel modo in cui viene raccontata e percepita l’architettura?

B.C.: Sì, è vero. Per l’intera sequenza finale abbiamo alternato riprese in VistaVision a immagini girate con lo stesso tipo di macchina da presa usata per documentare quella mostra: delle videocamere Hi8 dei primi anni ’80. Le racconto un episodio curioso a riguardo: una delle prime recensioni statunitensi del film - pubblicata dopo la première a Venezia e le proiezioni per la stampa americana - era firmata da un critico che, con tono indignato, aveva dedicato due pagine a denunciare quella che credeva essere una mostra fittizia, intitolata The Presence of the Past, inventata ad arte per sostenere la tesi del film e rafforzarne il messaggio. Il nostro ufficio stampa ha dovuto contattarlo per spiegargli che si trattava, ovviamente, della ricostruzione di un evento reale, tenutosi davvero.

L’unica vera licenza creativa che ci siamo concessi riguarda il contenuto della mostra: quella Biennale, infatti, era dedicata al postmodernismo, e l’opera del protagonista non vi avrebbe trovato spazio. È stato l’unico vero “salto cinematografico” che ci siamo permessi di fare. Per quanto indubbiamente significativa e affascinante, The Presence of the Past era piuttosto discutibile sul piano delle opere esposte (si riferisce all’estetica posmodern, ndr.). Abbiamo quindi cercato di ricreare proprio quell’atmosfera un po’ kitsch (utilizza l’espressione “tacky sort of feeling”, ndr.) nella sala principale: quando la nipote di Tóth è sul palco, nella scena finale, è circondata da colonne neoclassiche dipinte di verde acqua e altri colori improbabili.

Ci sono pochissimi buoni film sull’architettura, e il motivo è semplice: l’architettura è inanimata, non si muove. È molto difficile renderla cinematograficamente interessante. Personalmente, adoro il documentario realizzato dal regista giapponese Hiroshi Teshigahara su Antoni Gaudí (è del 1984, si può guardare qui ndr.). Trovo sia un lavoro davvero straordinario, ma esempi di questo livello sono davvero rari.

M.C.V.: Chiudo chiedendole se le piace la storia dell’architettura, se ha interesse per i grandi architetti. Mi ha parlato di Taliesin, quindi immagino sia qualcosa che ha vissuto in prima persona, non una scoperta recente.

B.C.: Sì, esatto. Non è una novità per me: del resto, sono cresciuto frequentando Taliesin fin da piccolo.

M.C.V.: Una grande fortuna! L’architettura sarà presente anche nel suo prossimo film? Non necessariamente come “main character”, ma magari come sfondo forte e riconoscibile …

B.C.: Il mio prossimo film sarà interamente analogico (circa il 90% del girato sarà su pellicola da 65 mm). Sarà ambientato negli anni ’70, in una casa in stile César Manrique, o qualcosa di simile. Ma dipenderà da quello che riusciremo a trovare, perché non posso permettermi di costruirla da zero: sarebbe troppo costoso. Sto cercando di non essere troppo rigido con la produzione riguardo allo stile dell’abitazione, ma mi piacerebbe davvero evocare la fine degli anni ’60 e ’70, con quelle scale ellittiche così caratteristiche dell’epoca. Vedremo!

Un cenno alla storia del Cinema Arlecchino, per chi non la conoscesse già.

Inaugurato nel 1948, lo storico monosala fu progettato dagli architetti Roberto Menghi e Mario Righini. Legato da sempre all’arte e al design meneghino, deve il suo nome al celebre mosaico realizzato da Lucio Fontana, autore anche del fregio in terracotta un tempo collocato sotto lo schermo. Oggi, nel foyer sono visibili i pannelli d’epoca di Piero Fornasetti sulla Scuola degli Arlecchini e all’ingresso è presente un arlecchino in ceramica realizzato da Ugo La Pietra. Purtroppo le due opere di Fontana (un mosaico e un fregio in terracotta), originariamente realizzate per la sala, non sono più presenti. Da maggio 2022, Cineteca Milano ne gestisce la conduzione offrendo un programma che include prime visioni, rassegne e festival internazionali.

Cineteca Milano Arlecchino
Via San Pietro all’Orto, 9 – 20121 Milano
www.cinetecamilano.it
@cinetecamilano

La lunga storia di GEZE include anche un curioso capitolo legato agli sport invernali: all’inizio del XX secolo, infatti, l’azienda iniziò a produrre attacchi da sci e nel 1936 alcuni atleti vinsero le Olimpiadi proprio con i “Kandahar” di GEZE; tuttavia, a partire dagli anni ’80, si è progressivamente ritirata da questo mercato concentrandosi esclusivamente sulle tecnologie a servizio dell’edilizia e soluzioni smart.

💬 Ospite della puntata

Alberto Rossi, Specifier presso GEZE Iitalia. Con un’esperienza maturata in più di 30 anni di lavoro sul campo, in diversi settori commerciali, collabora a stretto contatto con progettisti e professionisti, nonché costruttori e investitori che necessitano di capitolati tecnici, stime economiche e rispondenze a normative di riferimento per l’impiego di porte automatiche nei settori Retail, ospedaliero, trasporti, alberghiero, uffici ed edifici pubblici.

🏗 Edifici menzionati

L’Unipol Tower Group Headquarters, Milano - Mario Cucinella Architects, per il quale GEZE ha installato 3 porte girevoli tutto vetro in collaborazione con la società Yuanda Italy.

ℹ️ Per saperne di più

Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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A seguire i progetti menzionati nel corso di questa puntata-intervista a Patricia Viel, co-founder dello studio.

1221 Avenue of the Americas public plaza, New York. Come nuovo spazio condiviso e dinamico, la piazza pubblica di Rockefeller Group al 1221 Avenue of the Americas, a New York, funge da porta d’accesso a spazi commerciali, esperienze gastronomiche e attività culturali. Al margine del Theater District di Manhattan, a pochi isolati da Central Park, l’intervento comprende la riqualificazione di due aree interconnesse: la parte sopraelevata dell’East Plaza e la Concourse Plaza situata al livello inferiore. Un’ampia scalinata collega i due livelli, offrendo uno spazio all’aperto che arricchisce l’esperienza urbana di chi visita o lavora nella zona. I nuovi spazi commerciali e il miglioramento degli accessi stradali e alla metropolitana trasformano questo tratto di città in una vera e propria destinazione.

A2A Headqurters, Milano. La nuova sede della multiutility italiana A2A rappresenta un importante intervento di rigenerazione urbana, composto da una nuova torre alta 144 metri e dal riuso adattivo degli edifici esistenti dell’azienda, reinterpretati secondo un approccio progettuale contemporaneo. Il progetto darà vita a spazi di lavoro capaci di adattarsi alle esigenze in continua evoluzione delle persone, contribuendo al contempo a rivitalizzare il tessuto urbano locale con 6.320 mq di nuove aree verdi pubbliche. Il nuovo edificio in altezza ospiterà 1.500 persone in spazi flessibili, completati da un cortile verde condiviso con gli edifici esistenti, che verranno riqualificati. Verticalmente, la torre si articola in due blocchi di piani ufficio, suddivisi da un ampio atrio d’ingresso al piano terra, dallo Sky Garden a metà altezza e dal Belvedere in sommità, che offrirà viste panoramiche su Milano.

Nuovi sviluppi urbani a Taichung, Taiwan. Situato nel vivace 7° Distretto di Taichung, il Lian Palace sorge accanto all’iconica Taichung Metropolitan Opera House e si affaccia sull’ampio Charlotte Park. In fase di progettazione della torre residenziale di 39 piani, ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel ha ridefinito l’identità dell’area introducendo un nuovo volume verticale che crea continuità nel paesaggio urbano. Al piano terra, la torre alta 160 metri ospiterà una serie di spazi comuni impreziositi da pregiati marmi italiani e opere d’arte: reception, lobby, bar, biblioteca e una palestra all’avanguardia. I piani residenziali accoglieranno due unità da 110 metri quadrati ciascuna, con ampi balconi verdi che richiamano il carattere naturale di Charlotte Park. Oltre a offrire spazi esterni sostenibili e affacci panoramici sulla città, i balconi donano una qualità morbida e dinamica al volume dell’edificio. La loro disposizione alternata crea una facciata originale, con rettangoli orizzontali che disegnano la cornice dei terrazzi.

Situato nello stesso 7° Distretto in rapida espansione, La Bella Vita unisce l’arte del vivere bene alla sostenibilità sociale, promuovendo relazioni armoniose con il contesto urbano e incentivando l’interazione tra le persone. Ispirato a un approccio italiano contaminato da influenze orientali, il grattacielo da 33.000 mq si distingue per i suoi volumi apparentemente disgiunti ma complementari: i quattro inferiori, composti da balconi impilati, evocano la matericità delle formazioni rocciose terrestri; il più alto (37 piani avvolti da una struttura a nido d’ape che filtra luce e riflessi) ha una tonalità ambrata e collega visivamente tutti gli altri corpi edilizi. Gli appartamenti, curati nei minimi dettagli, sono concepiti come spazi scultorei e flessibili, arredati con materiali e mobili di alta qualità.

Treasure Garden, sempre presso il 7° Distretto di Taichung, è infine una slanciata torre residenziale che, grazie all’orientamento architettonico originale, si apre verso il parco adiacente, regalando agli interni eleganti delle residenze ampie viste panoramiche sulla città. L’edificio introduce una nuova presenza architettonica e urbana, ispirata alle geometrie raffinate dell’architetto e designer italiano Gio Ponti. A differenza degli edifici circostanti, non si configura come una serie di volumi impilati, ma come un insieme di superfici leggere e sottili che accolgono funzioni residenziali, spazi pubblici, terrazze e paesaggio. La facciata e gli interni del Treasure Garden si distinguono per un’eleganza geometrica e flessibile, mentre il progetto paesaggistico definisce accessi ben riconoscibili, marcati da alberature selezionate che scandiscono l’ingresso pedonale e carrabile.

The Sky Taipei è una torre a uso misto a vocazione alberghiera situata nel centro di Taipei, Taiwan. Nel distretto di Xinyi, noto per il suo rapido sviluppo urbano, questo grattacielo si appresta a diventare un nuovo punto di riferimento e una destinazione di respiro internazionale. Il design dell’edificio riflette l’equilibrio unico tra modernità e tradizione che caratterizza Taiwan. I livelli inferiori della torre ospiteranno spazi commerciali, ristoranti e un centro per spettacoli, da cui si accede a due hotel: l’Andaz Taipei e il Park Hyatt Taipei, i cui interni sono firmati da ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel. Ispirato ai germogli di bambù locali e alle scanalature delle colonne greche — tra i più antichi elementi delle culture orientale e occidentale — The Sky Taipei si presenta come un grattacielo dalla bellezza armoniosa e inedita. La torre arricchirà lo skyline urbano con il suo profilo scintillante, mentre la base offrirà uno spazio pubblico accogliente e multifunzionale. L’edificio si candida a diventare un simbolo di innovazione, efficienza e sostenibilità per il Paese.

ENEL Headquarters, Roma. La ristrutturazione della sede Enel, situata in Viale Regina Margherita a Roma, punta a migliorare il benessere delle persone attraverso spazi di lavoro moderni e confortevoli, pensati per un’organizzazione più agile. L’intervento, che interessa un edificio di 80.000 mq, si ispira al concetto di Building-as-a-City sviluppato da ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel, riproducendo la complessità di un ambiente urbano per rispondere alle esigenze quotidiane, con servizi pensati per accompagnare l’intera giornata lavorativa: alla presenza di asilo nido, mensa e auditorium, si aggiunge una nuova palestra. Il progetto alterna spazi di smart working ad ampie aree verdi, sia interne che esterne, dove i dipendenti possono concedersi una passeggiata in un contesto rilassante. La facciata ad alte prestazioni garantisce efficienza energetica e comfort termico all’interno dell’edificio. Per l’attenzione alla sostenibilità ambientale e sociale, la nuova sede Enel è destinata a ottenere le certificazioni LEED e WELL di livello Gold.

Qui un approfondimento sul tema della progettazione biofilica.

💬 Ospite della puntata

Patricia Viel, Co-founder ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel.
Architetto di origine francese, si è laureata in Architettura al Politecnico di Milano nel 1987 e ha iniziato la sua collaborazione con Antonio Citterio nel 1986. Nel 2000 è entrata a far parte dello studio di interior design e architettura “Antonio Citterio and Partners”, assumendo la direzione della progettazione architettonica, con particolare attenzione all’integrazione dell’architettura nel paesaggio urbano. In qualità di co-founder di ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel, segue progetti di architettura e interior design, partecipando attivamente anche alla gestione dello studio. È stata membro del Board of Advisors dell’Istituto Nazionale di Architettura (InArch), a Milano. Oltre al lavoro in studio, Patricia partecipa come relatrice a tavole rotonde e conferenze internazionali.

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Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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Con la realizzazione del progetto La Forgiatura a Milano lo studio si impone all’attenzione nazionale ed internazionale: un progetto dalle dimensioni notevoli, sviluppato su una superficie di circa 30.000 mq. Oggi, il complesso de La Forgiatura, ampliato successivamente con l’aggiunta della sede di Econocom, è sicuramente una delle architetture più interessanti di tutta l’area milanese e vero esempio di rigenerazione urbana ed è considerato il progetto che ha dato il via alla creazione del dinamico Milano Certosa District.

Nel 2023 conclude con successo la rigenerazione urbana di via Varesina 204 a Milano, oggi sede Beko Europe, contribuendo allo sviluppo del nuovo distretto polifunzionale rigenerando un edificio insieme allo spazio urbano e adattandolo alle nuove esigenze dei cittadini. Questa ultima realizzazione nasce con l’obiettivo di rigenerare un edificio insieme allo spazio urbano che lo circonda in un perfetto dialogo tra l’importante pre-esistenza architettonica e le aggiornate esigenze di chi vive la città, tra spazio pubblico e spazio privato.

Tra gli altri progetti realizzati negli anni spiccano l’Arcadia Center, l’attuale headquarter di Volkswagen Leasing GmbH e Volkswagen Bank GmbH che sorge in via Grosio nella zona Gallaratese a Milano. Sviluppato in tecnologia BIM e dotato della certificazione LEED Gold per il basso impatto ambientale è uno tra i più significativi interventi di rigenerazione urbana che caratterizzano l’incessante processo di riqualificazione dell’area Nord Milano di questi ultimi anni.

Il “Refettorio”, a Venezia, è invece un progetto che si sviluppa quasi come una ricerca metafisica, un’indagine profonda sull’essere umano. Un ristorante d’eccellenza dove lo studio di Giuseppe Tortato si è occupato dell’interior design dell’intero locale, ideato e allestito con materiali ricchi di storia e totalmente custom made grazie ad una importante ricerca di forme e materiali con forti richiami storici alle architetture di Carlo Scarpa.

AB Medica Headquarters, sede della omonima azienda attiva nell’innovazione tecnologica in sanità a Cerro Maggiore (MI), è un edificio-landmark che coniuga gli aspetti funzionali e simbolici espressi dalla società committente, alla volontà di demarcazione e qualificazione di un contesto periurbano affiancato dal tratto autostradale della Milano-Varese. Un edificio “veloce” e funzionale ma al tempo stesso rappresentativo, nelle sue forme, delle attività che contiene e dell’azienda che racconta. Qui il libro dedicato a questo intervento.

Oggetto della puntata anche l’esperienza attualmente in corso a Lagos, in Nigeria, dove lo studio sta costruendo le torri residenziali Bourdillon 6 e Alexander Ave 11. I due edifici, alti rispettivamente 24 e 17 piani e nettamente diversi per linguaggio architettonico (il primo ha un profilo lineare il secondo sinuoso), integrano numerosi servizi e infrastrutture tecnologiche, dagli impianti di generazione autonoma ai parcheggi interrati, fino a interi livelli dedicati ad attività comuni per i residenti.

💬 Ospiti della puntata

Giuseppe Tortato, Architetto e Fondatore dello studio milanese Giuseppe Tortato Architetti. Nato a Venezia nel 1967 e laureatosi al Politecnico di Milano, si trasferisce al termine degli studi ad Amherst, nel Massachusetts, dove collabora con un allievo di Paolo Soleri alla realizzazione di edifici pubblici e privati secondo i principi dell’architettura bioclimatica. Rientrato a Milano, dopo un paio d’anni di collaborazione con Dante O. Benini, si associa allo studio Milano Layout fino a diventarne co-titolare; nei primi dieci anni del duemila è stato l’ideatore di importanti progetti in ambito Real Estate, dedicandosi alla progettazione di nuovi complessi edilizi e alla rigenerazione urbana. Nel 2012 fonda Polisfluxa Srl e Giuseppe Tortato Architetti, “nuovi contenitori” con cui proseguire la propria attività professionale, dedicandosi con un approccio multidisciplinare e ugualmente “sartoriale” a progetti di architettura ed interior design, per una committenza italiana e straniera sia corporate che privata. L’approccio alla progettazione nasce dalla ricerca sui temi dell’esperienza sensoriale e della sostenibilità, ponendo l’uomo e la natura come elementi centrali attorno ai quali sviluppare la propria architettura, portando gli elementi naturali all’interno degli spazi progettati. Attualmente, supportato da un team multidisciplinare di professionisti, svolge un’attività di ricerca e progettazione a livello nazionale ed internazionale nei settori terziario, residenziale, retail ed interior design.

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Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

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📚 Libri di architettura

La costruzione del potere.
Perché l'architettura fascista non esiste

Di Gianni Biondillo, Marsilio Nodi, 2025 | €19,00 (€12,00 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

Uno sguardo nuovo, personale e politico, su qualcosa apparentemente sotto gli occhi di tutti, ma di cui, man mano che ci si avvicina, sfugge sempre l’essenza: l’architettura fascista. In questo enorme calderone infatti oggi rischia di rientrare di tutto. Come raccontare quel periodo senza cadere preda di banalizzazioni e pregiudizi? L’autore si addentra nelle vicende dell’epoca, segue carriere e destini di architetti, ricercatori, critici, designer, ingegneri, per lo più conosciuti solo agli addetti ai lavori. Da Roma a Milano, da Bolzano ad Asmara, da Como alle città dell’agro pontino, esplora tutti i risvolti di una foga edificatoria che ci ha consegnato un lascito enorme e problematico. Smontando i luoghi comuni e avanzando tesi spiazzanti, Biondillo racconta, con la competenza del saggista e la passione del romanziere, lo scontro generazionale tra i bolsi «accademici», sostenitori del monumentalismo, e la nuova generazione indomita dei talentuosi razionalisti.

Architettura Open Source reloaded.
Verso una progettazione aperta

Di Carlo Ratti, Einaudi Vele, 2025 | €13,00 (€6,00 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

Nel Novecento, l’architettura è stata spesso associata alla figura dell’architetto-eroe, capace di plasmare da solo intere città e stili di vita. Oggi, però, viviamo un momento di profonda trasformazione: l’approccio collaborativo sta riemergendo con forza. Con questa nuova edizione Reloaded del suo seminale testo Architettura Open Source Carlo Ratti – curatore della Biennale Architettura 2025 – propone una riflessione sul dialogo tra sistemi naturali e artificiali, esplorando i processi di co-evoluzione e adattamento che collegano l’Architettura Open Source ai meccanismi sia del mondo naturale, sia dell’Intelligenza Artificiale. È una rivoluzione che ci riguarda, ancora.

In cammino.
Viaggio nelle abbazie che raccontano il nostro futuro

Di Livia Pomodoro, Marsilio Specchi, 2025 | €18,00 (€12,00 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

Le abbazie e i monasteri che costellano l’Italia e l’Europa non rappresentano soltanto le vestigia di un glorioso passato. Sono spazi vivi, carichi di memoria e di futuro, in cui la storia ha lasciato tracce feconde, ancora in grado di suggerire modelli, ispirare gesti, sollecitare nuove visioni. È da questa intuizione che prende forma il viaggio qui narrato, un pellegrinaggio laico tra edifici e paesaggi, tra simboli e consuetudini, alla ricerca di ciò che rende attuali queste presenze secolari. Sotto la guida preziosa di Livia Pomodoro, seguiamo le orme dei viandanti che lungo le strade d’Europa si imbattevano in queste meraviglie: dal coro di Canterbury alla biblioteca di San Gallo, in Svizzera, da Orval e Scourmont, in Belgio, alle due Chiaravalle italiane, dall’hortulus di Fulda, in Germania, alle api di Morimondo, da Notre-Dame di Cîteaux, culla d’origine dei cistercensi, a Santa Maria di Follina, tra le colline trevigiane, dall’«abbazia verde» di Plankstetten, in Baviera, alla certosa di San Lorenzo di Padula e a Cisternino, nel Sud d’Italia.

La Gae. Gae Aulenti (1927-2012)

Di Giovanni Agosti, Electa, 2025 | €105,00
Copertina flessibile - Ediz. illustrata | Lingua italiana

La monografia, che nasce dall’esperienza della mostra tenutasi tra il 2024 e il 2025 presso Triennale Milano, è un ritratto inedito e sorprendente di Gae Aulenti (1927-2012). La mostra e il libro sono state realizzati in collaborazione con Archivio Gae Aulenti. La spina dorsale è costituita da una cronologia, che dal 1927 al 2012 segue l’architetto in un intreccio ininterrotto di testimonianze dove la vita personale e quella professionale sono inestricabilmente connesse. Il testo è affiancato, pagina dopo pagina, da un’iconografia totalmente rinnovata, la cui sequenza segue passo passo il filo delle parole, l’entrata in scena dei progetti, il farsi e disfarsi degli spettacoli, l’aprirsi e il chiudersi dei cantieri. Gli accostamenti alla protagonista cambiano nel corso delle pagine: ai primi piani si alternano scene di massa, dove lei è solo un elemento; alle zoomate fanno seguito i voli d’uccello, cosicché la maglia cronologica perde la sua rigidità e lascia il posto ad approfondimenti. Non mancano una cronologia degli scritti dell’architetto e un regesto degli oltre ottocento progetti.

Filippo Taidelli. Architetture scelte 2012-2024

A cura di Alessandro Benetti, Forma edizioni, 2025 | €20,00
Copertina flessibile | Lingua italiana e inglese

In un’epoca di grandi sfide sociali in cui in cui la sostenibilità è spesso ridotta a numeri e prestazioni, l’architettura si interroga sul proprio senso profondo: prendersi cura delle persone attraverso la qualità dello spazio. Nasce da questa riflessione la monografia dedicata all’Architetto Filippo Taidelli e ai progetti dello studio FTA, pubblicata all'interno della collana Progressive. Sezioni sull’architettura italiana di Forma Edizioni. Un viaggio per immagini tra ospedali, campus e residenze pensati per rigenerare corpo e mente. Sono healthy building: spazi empatici e contemporanei, capaci di mettere al centro l’essere umano. In dialogo con l’autore, nomi di riferimento del mondo dell’architettura, accademico e dell’editoria come Luca Molinari, Laura Andreini, Alessandro Benetti, Maurizio Carones e l’artista Adrian Paci.

Riabitare Roma-Revivre Rome.
Palazzina LIVE

A cura di It's Architettura, Fotografie di Francesca Iovene, LetteraVentidue, 2025 | €25,00 | Copertina rigida - Ediz. illustrata | Lingua italiana e francese

Partendo dal progetto per la palazzina LIVE, una nuova architettura residenziale all’EUR, lo studio IT’S attraversa la città e il quartiere con le parole di diversi autori e lo sguardo fotografico di Francesca Iovene, per ricostruire un ritratto contemporaneo di Roma e del suo portato di città moderna sullo sfondo di un paesaggio urbano, metafisico e naturale che diventa un’inedita declinazione per riabitare Roma.

Il disastro urbano e la crisi dell’arte contemporanea

Di Serge Latouche, Elèuthera, 2025 | €13,30 (€6,99 in ebook)
Copertina flessibile | Lingua italiana

In questa riflessione a tutto campo che riprende le considerazioni su arte e società di molti precursori della decrescita come Baudrillard o Castoriadis, Latouche analizza in parallelo il disastro urbano e l’insignificanza dell’arte, ripercorrendo le tappe di un declino che ha le medesime origini. Con la cosiddetta globalizzazione si è infatti assistito a una esplosione dell’urbano che è andata di pari passo con una omnimercificazione del mondo. Tutto è diventato commerciabile, persino il corpo umano, il sangue, i geni. Si è passati da una società che ha un mercato a una società di mercato, da una società che ha una crescita a una società di crescita che con la sua pervasiva artificializzazione della vita lacera il territorio, divora lo spazio, rode il senso dei luoghi, disintegra il tessuto sociale. È stata così distrutta ogni capacità di meravigliarsi, a favore di quella replica infinita dello stesso che è il segno distintivo dell’arte contemporanea. Ed è qui che il progetto della decrescita, con i suoi valori etici ed estetici, può fornire gli strumenti – e l’immaginario – per ricostruire non solo il tessuto locale e urbano, ma anche il senso del bello. E re-incantare il mondo.

Frei Otto: Building with nature

Di Joaqun Medina Warmburg e Anna Maria Meister, Prestel Publishing, 2025 | €56,00 | Copertina rigida - Ediz. illustrata | Lingua inglese

Pubblicata in occasione del centenario dalla nascita, questa monografia illustrata rende omaggio alla carriera di Frei Otto, tra i più influenti architetti del Novecento. Il volume, frutto di ricerche recenti e dell’accesso esclusivo a materiali d’archivio, ripercorre le tappe fondamentali del suo lavoro pionieristico: dalle strutture leggere e autoportanti all’applicazione di principi biologici all’architettura, fino all’utilizzo di materiali sperimentali e tecniche costruttive non convenzionali. Attraverso saggi critici e una selezione tematica delle sue opere principali, il libro racconta come Otto abbia anticipato l’architettura sostenibile, tracciando una via verso edifici efficienti, armoniosi e in dialogo con la natura. A completare il volume, un ricco apparato iconografico.

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Il Topo Scrive

Ogni settimana un nuovo (delizioso racconto.

L'insalata Geopolitica di Benedetta Sabene

Un’insalata di geopolitica, questioni internazionali, analisi, interviste, report, viaggi. A cura di Benedetta Sabene.

Libri rivoluzionari di Elide Pantoli

Libri che mettono in discussione tutto: capitale, patriarcato, dominio. Ne scrive Elide Pantoli, fondatrice del progetto Modern Cinderellas Italia e autrice del libro Cenerentole Moderne, per chi sogna la liberazione totale.

📰 Ultimi articoli online

Novità! Da aprile ho iniziato una collaborazione con la rivista online Geopop.it. Nei miei articoli - che trovate qui o direttamente sul mio sito - trovate approfondimenti a tema architettura e ingegneria, storie di edifici e curiosità, oltre a fenomeni socio-culturali e altri argomenti correlati che vale la pena esplorare. Qui sotto trovate i primi pezzi pubblicati.

Perché ci piacciono i luoghi abbandonati? Il fascino dell’abandonalism su Geopop.it

I luoghi abbandonati affascinano per la loro estetica decadente, la forza evocativa della memoria e il senso di impermanenza che trasmettono. Un interesse diffuso che ha dato origine all'abandonalism, fenomeno culturale globale oggetto di studi in diversi ambiti.

Come è fatta la curiosa villa in Egitto ispirata alla Sfinge: ecco le foto su Geopop.it

Un avveniristico progetto dello studio spagnolo Fran Silvestre Arquitectos prende forma sulla Costa Nord dell'Egitto: una villa minimalista ispirata alla figura mitologica della sfinge e caratterizzata da un audace sbalzo strutturale che sfida la gravità e sembra galleggiare sull'acqua.

Come ha fatto la sedia monoblocco in plastica a diventare la sedia più diffusa al mondo su Geopop.it

Da simbolo dell’arredamento low-cost a icona globale. La classica sedia di plastica da giardino, bianca e impilabile, è riuscita a conquistare ogni angolo del pianeta con la sua praticità e il suo prezzo irrisorio.

Cos’è l’architettura ostile e perché il fenomeno delle “città anti-senzatetto” è così criticato su Geopop.it

Dai braccioli centrali sulle panchine alle borchie sotto i portici, l’architettura ostile comprende un insieme di soluzioni progettate per scoraggiare determinate pratiche sociali, come il bivacco o il riposo prolungato. Il ricorso a questi escamotage, che in ambito urbano colpiscono in modo diretto le persone senza fissa dimora, ha suscitato un ampio dibattito su etica, diritto alla città e responsabilità del design.

Casa Batlló: come è stata disegnata da Gaudì e cosa c’è all’interno su Geopop.it

Fra i capolavori architettonici di Antoni Gaudí e icona del modernismo catalano a Barcellona, Casa Batlló colpisce per la sua immagine fiabesca e innovativa, con forme ispirate alla natura e colori vivaci. Patrimonio UNESCO dal 2005 e recentemente restaurata, oggi è una casa-museo aperta al pubblico. Una tappa imprescindibile per conoscere l’opera di Gaudí e il modernismo nella sua massima espressione.

La Schindler House, la ‘prima casa moderna’ dove visse anche Richard Neutra su Living.Corriere.it

Esperimento di shared living e fucina del modernismo californiano, la casa di Kings Road a West Hollywood fu teatro della breve e turbolenta collaborazione (e convivenza) tra Rudolph Schindler e il grande architetto viennese

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🎧 Ultimi episodi del podcast

Torna Dannati Architetti Speciale Tall Buildings, serie di episodi realizzata in collaborazione con la società di ricerca Guamari. Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale. Ecco le prime due puntate della seconda stagione.

💬 Ospiti della puntata

Alessandro Sudati, ingegnere e amministratore delegato di Conteco Check. Esperto in Project e Construction Management, con esperienza ultradecennale si occupa della definizione e del raggiungimento degli obiettivi strategici aziendali e del rapporto con i clienti in Italia e all’estero.

🏗 Edifici trattati

Torre Libeskind a Milano CityLife

Torri Garibaldi a Milano

Torre Intesa Sanpaolo a Torino

ℹ️ Per saperne di più

Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

Quest’anno, sulla scia della quattordicesima edizione del convegno Tall Buildings, organizzato da Guamari e in programma il 26 giugno 2025 alla Triennale di Milano, gli episodi raccolgono interviste a studiosi e progettisti, italiani e internazionali, protagonisti dell’evento. Edifici appena completati, cantieri in corso e in partenza offrono lo spunto per riflettere su sicurezza, sostenibilità, innovazione e ciclo di vita, e per ascoltare, dalla viva voce degli esperti, addetti ai lavori, cosa significhi oggi progettare in verticale.

🌐 Il sito web di Guamari
🌐 Il convegno Tall Buildings
🌐 Guamari su Instagram

#adv #incollaborazione

🎶 Royalty Free Music: Watercolor by Geoffharvey; Drifting at 432 Hz by Unicorn Heads

💬 Ospiti della puntata

Aldo Norsa, direttore scientifico di Guamari. Già professore ordinario di Tecnologia dell’architettura all’Università IUAV di Venezia, è esperto del processo e dell’industria edilizia, editorialista/pubblicista in Italia e all’estero.

Dario Trabucco, advisor scientifico di Guamari. Professore associato di Tecnologia dell’Architettura all’Università IUAV di Venezia, è research manager del CTBUH (Cuncil on Tall Buildings and Urban Habitat).

ℹ️ Per saperne di più

Dai primi passi compiuti nel XIX secolo, quando città come Chicago e New York iniziarono a sollevare le loro prime torri verso il cielo, sino alle sfide contemporanee in Italia e all’estero, l’edificio alto continua a interrogare architetti e urbanisti per il suo ruolo sempre più centrale nella rigenerazione urbana e nel ridisegno degli skyline. Tall Buildings è la serie di episodi di Dannati Architetti realizzata in collaborazione con Guamari, società di ricerca che ogni anno organizza il convegno italiano internazionale omonimo, e co-curata da Federica Barletta, dedicata alla storia e alla progettazione dei grattacieli.

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📚 Libri di architettura

American Icons. Volume 2
The futurability of cultural places

Di gestalten & Sam Lubell, Gestalten, 2025 | €60,00
Copertina rigida | Lingua inglese

Dopo il successo del primo volume, Gestalten torna con American icons, “coffe table book” da più di 300 pagine in uscita il 29 aprile e disponibile in preorder. Il libro raccoglie 80 progetti emblematici, raccontati attraverso fotografie d’autore e approfonditi da quattro saggi dedicati all’International Style e al modernismo della metà del secolo. Imperdibile per chi, come me, ama l’architettura americana e ha un tavolino in salotto da riempire :)

Gulliver alla ricerca di Lilliput
La dimensione ibrida dell’architettura

Di Roberta Gironi, Quodlibet, 2025 | €18,00
Brossura | Lingua italiana

A distanza di vent’anni, il concetto di bigness sembra entrare in crisi in corrispondenza con la depressione economica dei primi anni del nuovo millennio. Le opere contemporanee svelano l’intenzione di declinare l’insegnamento della bigness a una scala più piccola, per così dire della smallness, concepita come reintegrazione delle opere nel contesto e come capacità dell’architettura di costituirsi come sistema relazionale. Il testo apre una riflessione sul binomio grande-piccolo, analizzando le trasformazioni che si registrano nella produzione contemporanea attraverso una lettura delle relazioni che l’architettura instaura con le discipline del paesaggio e delle infrastrutture, ampliando i suoi confini disciplinari.

Il nuovo brutalismo
Etica o estetica?

Di Reyner Banham. A cura di Guglielmo Bilancioni, Simona Pareschi, Pendragon, 2025 | €40,00
Brossura | Lingua italiana

Se Reyner Banham è il più “rock” degli storici, Il Nuovo Brutalismo è il più “hard” dei suoi libri: dove la materia che in esso risuona – si tratti di cemento, metallo o mattone – è sempre e comunque trattata con la massima sincerità e onestà. È questo il tratto distintivo di un movimento che è emerso dalla crisi dell’architettura moderna degli anni ’50 come un fondamentale messaggio etico, piuttosto che semplicemente estetico. Un messaggio che oggi, in un momento in cui il Brutalismo conosce un’inedita popolarità, torna a farci da monito attraverso il libro che meglio e più di ogni altro ne ha fatto la storia.

Vite stravaganti di architetti

Di Manuel Orazi, Giometti & Antonello, 2025 | €17,00
Brossura | Lingua italiana

Anche la stravaganza esistenziale, quando il mondo sembra sconvolto da epocali mutazioni naturali, economiche e geopolitiche, può aprire all’architettura una strada da percorrere per reagire all’impatto vorace di altre discipline. Ecco dunque quarantuno biografie di architetti che proprio nella divagazione e nell’ars combinatoria hanno trovato nel corso dei secoli le risorse per ideare e modulare concetti in grado di dare nuova vita all’antica arte dell’architettura, riconducendo la disciplina alla sua funzione essenziale di vettore della modernità. E del moderno in architettura queste quarantuno vite sono un piccolo compendio, libero dall’ossessione per la rilevanza, eccentrico alla tirannia dell’opera, nella consapevolezza che, come ha scritto Bruno Pedretti, «il laboratorio delle vite, anche nelle sue zone d’ombra private, va avanzando sempre più crediti nei confronti delle opere finali». Da Francesco di Giorgio a Frank O. Gehry, da Jean-Jacques Lequeu a Italo Rota, una galleria di ritratti che rende omaggio allo scarto, al sentiero non tracciato.

Ukrainian Modernism

Di Dmytro Soloviov, FUEL Publishing, 2025 | €37,00
Copertina rigida | Lingua inglese

Dagli edifici più noti, come il Crematorio di Kyiv e l’Hotel Salut, sino a strutture finora mai documentate, come il terminal dell’aeroporto di Uzhhorod o la stazione di polizia di Novoarkhanhelsk, il fotografo e guida turistica di architettura Dmytro Soloviov ha percorso la sua Ucraina natale immortalando esterni, interni e opere monumentali che brillano per la straordinaria sintesi di funzionalità, estetica d’avanguardia e ingegnosità progettuale. In un momento in cui l’attenzione del Paese è comprensibilmente rivolta a ben altre urgenze, il suo lavoro restituisce visibilità e dignità al Modernismo ucraino, uno dei periodi più trascurati dell’architettura sovietica, nel tentativo di lasciare una testimonianza preziosa e di salvaguardare un patrimonio in via di estinzione. Il volume, in uscita il 24 aprile, introdotto dal celebre critico Owen Hatherley e accompagnato da un repertorio di immagini d’epoca, raccoglie oltre 120 edifici in 240 pagine.

Museum Seed
The futurability of cultural places

Di Ico Migliore e Mara Servetto, Electa, 2024 | €29,00
Brossura | Lingua italiana e inglese

lo studio Migliore+Servetto distilla anni di ricerca e progettazione per proporre una nuova visione degli spazi culturali. Attraverso il concetto di “seme”, il museo viene interpretato come un organismo vivo, in continua evoluzione, capace di germogliare in forme inedite di accessibilità, inclusione e partecipazione. Il volume raccoglie le riflessioni di quindici protagonisti del mondo della cultura - tra cui direttori, curatori, collezionisti, accademici, architetti, designer e psicologi - offrendo un dialogo corale sul futuro dell’architettura e del design degli interni per i luoghi della cultura. Completano il libro immagini di musei e installazioni firmati dallo studio a livello internazionale, oltre al racconto del convegno “Museum Seed: the Futurability of Cultural Places”, tenutosi a Seoul nel 2023. Una tappa importante di una ricerca che guarda avanti, tra tecnologia, neuroscienze e intelligenza artificiale.

Ignazio Gardella
Persistenza dell'architettura

Di Claudia Cavallo, Mimesis, 2025 | €35,00
Brossura | Lingua italiana

Un’indagine sull’architettura di Ignazio Gardella che mette in luce la sua capacità di dialogare con il contesto esistente attraverso una progettualità sensibile e relazionale. Con uno sguardo angolato che esplora, attraverso alcune opere, il rapporto che l’architettura instaura con il mondo circostante, Claudia Cavallo restituisce l’immagine di una architetto che non ha mai teorizzato in modo sistematico, ma ha espresso i suoi principi attraverso edifici che comunicano e si inseriscono nel costruito con consapevolezza e misura, per vocazione dialettica. Il testo segue un percorso che va dalla scala urbana agli interni, rivelando processi creativi, incertezze, invenzioni e riflessioni intime. L’architettura emerge così come esperienza emotiva e non puramente razionale, capace di rispondere a bisogni profondi. In questo ritratto sfaccettato, Gardella appare come figura complessa, antidogmatica e ancora attuale per la sua capacità di dare forma a un’architettura profondamente umana.

Architettura tre cinema e letteratura

Di Gianfranco Guaragna, Il Prato, 2025 | €15,00
Brossura | Lingua italiana

Com’è noto, esiste uno stretto legame tra cinema e architettura, così come tra cinema e letteratura, tuttavia, in tale contesto l’architettura occupa sicuramente un ruolo centrale. Detto in altri termini, il rapporto tra cinema e letteratura, difficilmente può ignorare il ruolo di cerniera che l’architettura viene ad assumere in questa triade, poiché il legame tra il film e il romanzo, sicuramente non può prescindere da essa. Sappiamo che lo scenario è ciò che di solito consente alle storie di avere uno svolgimento, e il rapporto tra scenario e azione è stretto quanto quello tra palcoscenico e opera teatrale, scrive Amitav Gosh. Di conseguenza, che sia descritta nelle pagine di un libro o ripresa nelle sequenze di una pellicola, l’architettura, in quanto scenario per eccellenza, rappresenta senza dubbio un elemento indispensabile alla narrazione. Infatti, quando il racconto ci viene restituito attraverso la tecnica cinematografica, mostra in tutta la sua evidenza come essa rivesta oggettivamente un ruolo assolutamente inderogabile.

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Turisti della realtà di Francesco Marino

Uno spazio al riparo dal totalitarismo algoritmico. Articoli lunghi di cultura digitale

Anche una donna qui di Enrica Nicoli Aldini

Analisi e approfondimenti sulla giustizia sociale e la parità di genere in Italia, vista da fuori, e la politica, cultura e società degli Stati Uniti, visti da dentro.

Edamame di Mattia Marangon

Una raccolta settimanale di racconti e riflessioni per capire come affrontare internet con più consapevolezza digitale. Trend, attualità, crescita personale. Tutto in comodi fagiolini verdi.

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L’Asilo Sant’Elia di Terragni riapre per le Giornate FAI su Living.Corriere.it

“Un'architettura che spalanca le pareti verso il sole, il verde, la luce, la natura". A Como, il 22 e 23 marzo, un'occasione unica per riscoprire uno dei capolavori del progettista che superò i confini del Razionalismo

Nella collina, sulla collina. Le case di Innocenzo Prezzavento su Living.Corriere.it

Autore dagli anni Settanta di architetture visionarie nell’entroterra marchigiano, il progettista torna al centro della scena attraverso nuove letture del suo lavoro, anche al Fuorisalone 2025

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🎧 Ultimi episodi del podcast

Il nuovo format “Talk” del podcast Dannati Architetti si avvia alla sua terza puntata, in uscita a inizio maggio. Dopo i primi due episodi, che hanno inaugurato questa serie di “chiacchierate biografiche”, tra riflessioni personali, scelte progettuali e traiettorie professionali, la rubrica continua a crescere e a suscitare interesse.
Di seguito, le prime due puntate da (ri)ascoltare.

Lo confesso: ho un debole per le chiese brutaliste - quei santuari imponenti in cemento grezzo che molti trovano brutti, spiazzanti, difficili da amare - e per tutte quelle architetture sacre un po’ strane ed eccentriche, ancor meglio se dimenticate o mai entrate nei radar della critica. Mi affascinano perché, pur così lontane dall’immaginario canonico del luogo di culto, riescono a raccontare storie complesse fatte di materia, luce e tensione spirituale. Alcune ricordano bunker, altre somigliano ad astronavi atterrate nel cuore di un quartiere qualunque, altre ancora sono dei veri e propri esperimenti scultorei. Eppure in ciascuna si respira - in modo sempre diverso e soggettivo - il tentativo di dare forma all’invisibile. Il Concilio Vaticano II (1962–1965) ha rappresentato una svolta epocale per l’architettura sacra, cambiando radicalmente il modo di concepire lo spazio liturgico. Le riforme introdotte in quegli anni hanno promosso una visione più partecipativa del culto: l’altare si è avvicinato all’assemblea, la comunità è diventata protagonista, lo spazio non è più solo da contemplare ma da abitare. Per gli architetti è stata un’occasione d’oro per esplorare nuove forme, materiali e linguaggi, liberati dai vincoli formali della tradizione. Alcuni si sono spinti verso il brutalismo, modellando chiese come masse scolpite in cemento grezzo e geometrie ardite, altri hanno esplorato soluzioni espressioniste, organiche, moderniste… dimostrando che la spiritualità può manifestarsi anche attraverso superfici spoglie di acciaio e cemento, e che un edificio sacro non ha necessariamente bisogno di marmi preziosi e vetrate istoriate per parlare all’anima.

In questo articolo ho raccolto dieci architetture religiose del secondo Novecento, disseminate in diversi paesi del mondo. Dall’Italia al Giappone, dal Canada alla Finlandia, sono edifici sacri progettati da figure che vale la pena riscoprire. Alcuni nomi saranno familiari, altri no, e forse proprio per questo vi sorprenderanno.

1) Walter Maria Förderer - Chiese di San Clemente a Bettlach e di San Nicola a Hérémence, Svizzera (1962-1971)

Negli anni ’60, Walter Maria Förderer (1929 - 2006) progettò otto chiese in Svizzera e Germania, diventando uno dei principali esponenti dell’architettura neo-espressionista di matrice brutalista. I suoi edifici religiosi, costruiti in cemento armato faccia a vista, si distinguono per piante poligonali, volumi complessi e intrecciati, geometrie totemiche e un uso sapiente della luce indiretta. Ispirato da Le Corbusier, come dai collage di Kurt Schwitters e dall’architettura gotica, Förderer elaborò un linguaggio architettonico personale, capace di fondere spiritualità, astrazione e forza materica. Le chiese di San Clemente a Bettlach (1963-1969) e di San Nicola a Hérémence (1962-1971) si presentano come sculture abitabili, articolate in volumi drammatici che paiono crescere dal terreno. San Nicola, in particolare, appare come una cascata di blocchi scolpiti, dove la composizione architettonica sfida la chiarezza per abbracciare la complessità visiva, in un richiamo alle grandi cattedrali gotiche. San Clemente, invece, afferma la propria monumentalità attraverso l’alternanza di pieni e vuoti, un dinamismo reso ancora più teatrale all’interno dalla luce che scivola sulle superfici grezze del cemento. L’attività architettonica di Förderer si concentra in un arco relativamente breve - circa vent’anni - il che contribuisce alla coerenza espressiva del suo corpus progettuale. Prima e dopo quel periodo si dedicò alla scultura, confermando il suo interesse costante per la materia e la forma.

📍 Rue de l'Eglise, 1987 Hérémence, Svizzera

2) Fritz Wotruba - Chiesa della Santissima Trinità, Vienna, Austria (1965-76)

Situata a Liesing, nel ventitreesimo distretto di Vienna, e progettata dallo scultore austriaco Fritz Wotruba in collaborazione con l'architetto Fritz Gerhard Mayr, questa chiesa-scultura fu costruita tra il 1974 e il 1976 su iniziativa di Margarethe Ottillinger, che desiderava trasformare l'area precedentemente occupata da una caserma dell’aviazione tedesca in un luogo di culto significativo. L'edificio, caratterizzato da uno stile architettonico estremamente dissonante dalla bellezza austroungarica della capitale austriaca, è composto da 152 blocchi di cemento grezzo di dimensioni variabili, alcuni dei quali raggiungono i 64 metri cubi di volume e un peso di 141 tonnellate. Le fessure lasciate tra gli elementi, disposti in modo apparentemente casuale, permettono alla luce naturale di penetrare all’interno.

📍 Ottillingerpl. 1, 1230 Wien, Austria

3) Gottfried Bohm - Chiesa di Maria Regina della Pace, Neviges, Germania. 1963-68

La chiesa di Maria Regina della Pace (in tedesco Maria, Königin des Friedens) è un santuario cattolico sito nella località di Neviges, frazione della città tedesca di Velbert e meta di pellegrinaggi. Realizzata da Gottfried Böhm sul finire degli anni Sessanta a seguito di un concorso, l'edificio si distingue per la sua struttura in cemento faccia a vista e per il tetto irregolare la cui silhouette ricorda le cime frastagliate di una montagna. L'interno è concepito come una grande piazza coperta: la navata principale può ospitare fino a 6.000 persone.

📍 Elberfelder Str. 12, 42553 Velbert, Germania

4) Claude Parent, Paulo Virilio. Chiesa di Sainte-Bernadette du Banlay, Nevers, Francia (1963-1966)

Costruita nel 1966, questa chiesa incarna la teoria dell’architettura obliqua, movimento fondato da Claude Parent e Paul Virilio nel 1964 e che aveva come principio cardine l'eliminazione dell'ortogonalità e l'organizzazione spaziale della città su piani inclinati accessibili e continuamente vivibili in tre dimensioni. L’edificio religioso esprime in modo potente il concetto di frattura e ribaltamento, di unità e discontinuità dello spazio, attraverso due masse pesanti a sbalzo che si incontrano su un pilastro centrale. L'interno, totalmente ermetico e caratterizzato da piani inclinati e ambienti che sfidano la percezione tradizionale dell'architettura sacra, vuole anche essere una rappresentazione architettonica della grotta dove la santa Bernadette Soubirous ebbe le sue prime visioni. L’estetica riprende, soprattutto in facciata, quella delle casamatte e dei bunker del Vallo Atlantico: fortificazioni militari che furono al centro delle ricerche di Paul Virilio (Bunker Archéologie, 1958–1975).

📍 29 Rue Claude Parent, 58000 Nevers, Francia

5) Douglas J. Cardinal - Chiesa di Santa Maria, Red Deer, Alberta, Canada (1965-68)

Consacrata nel 1968 a Red Deer, Alberta, la Chiesa di Santa Maria segnò l'inizio della carriera di successo di Douglas Cardinal. L'architetto fu incaricato di tradurre in forma architettonica la liturgia cattolica recentemente rinnovata dal Concilio Vaticano II e, per trovare ispirazione, si rivolse alle prime comunità cristiane, anteriori alla diffusione delle basiliche a pianta a croce latina. Il risultato fu un edificio in mattoni e cemento le cui forme organiche riecheggiano le dolci colline delle praterie canadesi. All’niterno, un grande spazio centrale e un oculo posizionato sopra l'altare a canalizzare la luce naturale. Il soffitto amorfo è stato modellato in funzione dell’acustica, per diffondere la voce all’interno della chiesa senza l’ausilio di microfoni.

📍 6 McMillan Ave, Red Deer, AB T4N 5X8, Canada

6) Walter A. Netsch Jr. - Cappella dell'Accademia dei cadetti dell'Aeronautica Militare, Colorado Springs, USA (1956 - 62)

Progettata da Walter A. Netsch Jr., di Skidmore Owings & Merril, in netto contrasto con le forme basse e rettilinee del resto del campus, la Air Force Academy Cadet Chapel è divenuta simbolo dell’aeronautica statunitense. Le sue 17 guglie in alluminio e vetro che si innalzano per 46 metri verso il cielo; ciascuna è composta da 100 tetraedri e i pannelli di vetro colorato che li rivestono consentendo alla luce diffusa di penetrare all’interno dell’edificio.

📍 2306 Sijan Dr, Air Force Academy, CO 80840, Stati Uniti

7) Vittorio Gigliotti, Paolo Portoghesi - Chiesa della Sacra Famiglia, Fratte, Italia (1969-73)

La chiesa viene commissionata a Vittorio Gigliotti, ingegnere salernitano, e a Paolo Portoghesi, suo socio nello studio di progettazione a Roma, dai Padri Trinitari, in sostituzione di una omonima, espropriata in occasione della realizzazione del raccordo autostradale. Situata nella zona industriale di Fratte, ai margini della città, la chiesa nasce con l’intento di diventare un nuovo centro aggregativo in un’area isolata dalla ferrovia e dall’autostrada. L’edificio si distingue per le sue forme circolari e plastiche, dominate da tre grandi calotte gradonate che si intersecano sopra lo spazio dell’altare, modellando ambienti interni concavo-convessi. All’esterno, setti curvilinei e volumi cilindrici articolano i percorsi e tentano di instaurare una relazione con il contesto urbano. Il progetto riflette le esigenze liturgiche rinnovate dal Concilio Vaticano II, integrando riferimenti all’architettura barocca con un uso espressivo del cemento armato faccia a vista.

📍 Via Nicola Buonservizi, 2639, 84135 Salerno SA

8) Timo e Tuomo Suomalainen - Chiesa di Temppeliaukio, Helsinki, Finlandia (1961-69)

​La Chiesa di Temppeliaukio, nota anche come Chiesa nella Roccia, è una chiesa luterana situata nel quartiere Töölö di Helsinki. Progettato dai fratelli-architetti Timo e Tuomo Suomalainen e consacrato nel 1969, l'edificio religioso è scavato nella roccia granitica e presenta una cupola circolare in rame, attorniata da un suggestivo lucernario composto da 180 finestre che permettono alla luce naturale di penetrare all'interno. La formazione rocciosa, preservata come richiesto dal bando di concorso, costituisce le pareti dell’edificio e non solo conferisce alla chiesa un’estetica unica, ma garantisce anche un’acustica straordinaria, rendendola una sede privilegiata per concerti. Oggi è una delle attrazioni turistiche più visitate di Helsinki, con oltre 900.000 visitatori registrati nel 2019.

📍 Lutherinkatu 3, 00100 Helsinki, Finlandia

9) Takenaka Kōmuten Corporation - Tempio Reiyukai Shakaden, Tokyo, Giappone (1972-75)

Il Tempio Reiyukai Shakaden è un complesso religioso situato nel quartiere di Azabudai, nel cuore di Tokyo, completato nel 1975 dopo quattro anni di lavori. Progettato dalla Takenaka Corporation, il tempio funge da sede principale per il movimento buddhista laico Reiyūkai, fondato nel 1925 da Kakutarō Kubo e Kimi Kotani. L'architettura è notevole per il suo design futuristico, spesso paragonato a una nave spaziale o a una piramide moderna. La struttura è rivestita in granito nero e acciaio inossidabile scuro, con una copertura che si estende per un'area di 50x100 metri, ispirata ai tetti tradizionali dei templi giapponesi. All'interno, il tempio ospita una sala principale con una capacità di 3.500 persone, oltre a sale conferenze, una caffetteria, un asilo nido e un'infermeria. Oltre alle colonne massicce e al particolare sistema di illuminazione che caratterizza gli ambienti, elemento caratteristico è la presenza di un grande serbatoio sotterraneo di acqua potabile, destinato all'uso in caso di emergenze o disastri naturali.

📍 1 Chome-7-8 Azabudai, Minato City, Tokyo 106-0041, Giappone

10) Guðjón Samúelsson - Chiesa di Hallgrímur, Reykjavík, Islanda (1945-83)

La Hallgrímskirkja è una chiesa luterana situata nel centro di Reykjavík, in Islanda, progettata da Guðjón Samúelsson nel 1937 e costruita tra il 1945 e il 1986. Alta 74,5 metri, è l’edificio religioso più imponente del paese. Il suo stile espressionista si ispira alle formazioni basaltiche naturali islandesi, in particolare alle colonne laviche di Svartifoss. Realizzata in cemento armato, presenta una facciata monumentale scandita da elementi verticali che evocano la geologia del territorio e si innalzano verso il cielo. Il design richiama l’espressionismo architettonico, con chiari rimandi alla Chiesa di Grundtvig a Copenaghen (1940) e alla Kirche am Hohenzollernplatz di Berlino (1933), frequentemente citate come riferimenti stilistici. All’interno, la chiesa adotta una pianta a tre navate con volte a crociera e archi a sesto acuto, elementi di chiara derivazione neogotica, reinterpretati in chiave moderna attraverso scelte compositive improntate all’essenzialità: pareti intonacate di bianco, spazio sobrio e luminoso, privo di decorazioni.

📍 Hallgrímstorg 1, 101 Reykjavík, Islanda

«Per me è impossibile scindere la mia vita privata da quella professionale. Tutte le scelte che racconto hanno seguito la voce dell’architettura. Posso confermare che l’architettura allena lo sguardo e alimenta la curiosità e questo ha fatto sì che la ricerca e l’amore per la conoscenza diventassero il motore di tutto ciò che faccio. Arte, architettura, design rispondono ad un’unica chiamata che è il progetto».

Eleonora Castagnetta

Eleonora Castagnetta vive e lavora in Svizzera. Nata a Palermo nel 1980, eredita dalla cultura siciliana la magia delle contaminazioni e la sensibilità all’arte e alla bellezza. Nel 2005 consegue la laurea magistrale cum laude in Architettura a Palermo dopo aver trascorso l’anno di tesi all’Accademia di Architettura di Mendrisio, in Svizzera, grazie al premio Francesco Borromini vinto all’Accademia di San Luca di Roma. Lavora tredici anni nello Studio Mario Botta Architetti occupandosi di progetti di varie tipologie architettoniche e di grande valore culturale come il Teatro dell’Architettura di Mendrisio. Nel 2018 dà vita allo Studio AnD – Arts n Design, che si occupa di design e interior. Parallelamente lancia il brand di gioielli contemporanei AnD – Swiss, in cui fonde il linguaggio delle geometrie del mestiere di architetto con la creatività artistica e il senso del bello che anima i suoi progetti. Impegnata con successo nel design per l’abitare e per la persona, le sue opere – firmate Eleonora Castagnetta – sono spesso esposte in importanti mostre e pubblicate su prestigiose riviste, italiane e internazionali. Dal 2023 frequenta il secondo Master in “Storia e teoria dell’arte e dell’architettura” dell’Università della Svizzera italiana.

🌐 Il sito web di Eleonora Castagnetta
🌐 Il sito web di AnD Swiss, i gioielli ispirati all’architettura di Eleonora Castagnetta
🌐 Eleonora Castagnetta su Instagram
🌐 AnD Swiss su Instagram

🎙 Il format

Dannati Architetti Talk è il format che ripercorre la vita e le opere di architetti, designer e professionisti di settore contemporanei, lasciando la parola direttamente ai protagonisti. Saranno loro a raccontare in prima persona il proprio viaggio, condividendo esperienze, momenti di svolta, cadute e successi che, passo dopo passo, hanno lasciato un segno sul loro cammino.
Perché dietro ogni grande progetto c’è la storia di una vita che merita di essere ascoltata.

Music: Trailer e background con Suno AI. Ending track: Remember September, Freedom Trail Studio (royalty free music).

🎧 Il primo episodio del Talk